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TOMMY, NA VERSÃO PARA ORQUESTRA DE 1972
2021, o ano que passei ouvindo música erudita mudou meu modo de escutar os sons. Entenda, eu ouço Liszt ou Mozart desde os 15 anos, mas em 2021, a coisa chegou mais ao fundo. Tanto que após esse ano citado eu tenho imensa dificuldade em escutar música muito simples ou mal tocada. Bem...então vamos à Tommy. --------------- Voce conhece a versão original, de 1969, maravilhosamente semi acústica e com ataques de bateria vibrantes. Talvez conheça a trilha do cinema, no geral bem pior que a original, apesar de Sally Simpson e Sparks estarem melhoradas em 1975. Mas provavelmente voce desconheça a versão luxuosa, lançada em caixa com libreto de 1972. Saiba que ela atingiu o segundo posto nas paradas inglesas e a versão de I'M Free exitente aqui chegou a tocar no rádio do Brasil. ---------------------- Em 1972 o mega produtor Lou Reizner pegou a partitura de Tommy e convenceu Pete Townshend a autorizar a versão sinfônica da obra. LP e CDs são dificeis de achar, mas ontem o comprei e logo escutei. Eu esperava uma coisa divertida e brega e me deparo com uma obra divertida e maravilhosamente linda. ----------------- Primeiro o som. Logo de cara voce tem um choque. O disco foi gravado em quadrifonico e isso lhe deixou um ataque que mesmo em cd se mateve algum vestígio. A orquestra soa límpida, poderosa, imensa. Sim, quem conhece música erudita percebe a extrema simplicidade que a música POP tem. Numa peça clássica, qualquer uma, notamos que a orquestra é usada em sua totalidade, o ilimitado poder de seus sons é explorado. Não aqui. Como acontece com trilhas de cinema, a melodia é simples e a orquestra faz seu trabalho sem qualquer esforço. But....simples sim, porém belíssimo!!!!! Amazing Journey, Sparks, Welcome, têm aqui suas melhores versões. elas crescem e atingem uma riqueza magnífica. O elenco tem Ringo Starr fazendo o jogador, um John Entwistle assustador cantando uma versão de terror assustador de Fiddle About. Stevie Winwood, do Traffic, faz o padastro, e Rod Stewart, no auge da fama, canta Pinball Wizzard. Aliás, era para Rod fazer Tommy, mas Roger Daltrey, que não punha fé no projeto, voltou atrás e pegou Tommy, graças a Deus, Rod é ótimo mas Tommy é de Roger forever. --------------- Qual Wizzard é melhor? Elton no filme ou Rod com sinfônica? Empate. São tão diferentes uma da outra que é impossível comparar. ---------------- Maggie Bell, grande cantora da época faz a mãe e Marry Clayton, a cantora negra que em Let It Bleed cantou Gimme Shelter com Jagger, humilha Tina Turner. Acid Queen com Clayton é uma das coisas mais belas já gravadas. -------------- Eu tinha certeza que o desastre viria com a faixa Sally Simpson, minha música favorita na versão em filme 1975. Cantada por Pete e com guitarra de Clapton, ela é imbatível. Como transpor açgo tão rock para uma sinfônica? Seria ridículo!!!!! Mas...funciona!!!!!! Como? Pete canta a melodia exatamente como no original de 1969, mas o acompanhamento se faz uma outra coisa. A orquestra não tenta imitar uma banda de rock, ela teve um novo arranjo a seu dispor e o que ouvimos é soberbamente lindo. Eu postei a versão de 1975 e a orquestral. As duas são perfeitas. ---------------- Após ouvir este Tommy minha admiração por Pete é ainda maior. Quanto prazer em escutar isto!!!!!
ARTHUR BY THE KINKS, POR QUE TANTO ELOGIO?
A partir dos anos de 1980, os Kinks passaram a ser considerados a maior banda da história do rock inglês. Opinião essa, que entre os cults e cools, nunca mais foi contestada. Entre ingleses bacanas e americanos fashion, amar a banda de Ray Davies é lei inconteste. Dentre os motivos de tanta idolatria podemos contar desde as falta de sucesso nos EUA até o estilo extra britânico de compor. Assim como The Band seria inimaginável na Europa, os Kinks só poderiam ser ingleses. Eles abandonaram os blues já em 1964, country foi usado apenas como humor e temas como estradas, mulheres faceis e carros velozes não existem. Do The Jam à Blur, de James à Pulp, todo mundo bebeu na fonte de Ray Davies. E essa fonte moldou letras, cortes de cabelo, ironia e melodias. Ao lado dos Beatles, não há banda mais onipresente na ilha. -------------------- Arthur é uma opera rock. Lançada alguns meses antes de Tommy, do The Who, ela é hoje considerada bem superior a obra de Pete Townshend. Ela é? Wellll..... não é preciso tanto assim. Tommy não é grande coisa. Entenda, eu adoro The Who, mas Tommy tem um monte de momentos muito fracos. See Me Feel Me é dose pra elefante. E as letras são bobas, nada significam de fato. Tommy tem alguns momentos maravilhosos, Sally Simpson, Amazing Journey, Sparks, mas no geral é aborrecido. Já o disco dos Kinks, se nunca atinge a altura da abertura de Tommy, não tem um só momento chato. Usando o estilo "canção de vaudeville", especialidade de Davies, Arthur é uma homenagem a era da rainha Vitoria. What????? ------------- Sim meus queridos, no auge do hippie, da anarquia em rock, Ray Davies escreve sobre os bons velhos tempos. Chá, jardins, coletes de veludo, cricket, famílias jantando, de leste à oeste, tudo era Inglaterra. E para falar disso, ele compôe músicas que são o contrário da moda de 1969, ano do disco, ou seja, sem peso, sem solos, sem viagens espaciais. É uma coleção de canções ultra inglesas que falam de coisas inglesas para ingleses recordarem. Entendeu o porque de tanto amor pelo disco? ----------------- Se está parecendo que não gosto de Arthur voce se enganou. O disco é sublime. E eu amo os Kinks. São uma das 5 maiores bandas da história inglesa. Apenas penso que Village Green e Something Else são discos ainda melhores. Arthur é grande, mas não o maior. ----------------- Elegantes, cínicos, classudos, inteligentes, POP, os Kinks são tudo aquilo que todo rock star inglês quer e quis ser. Ray Davies é como um molde onde eles se medem. Não à toa foi ele quem abriu o show de encerramento das Olimpíadas de Londres. Ray criou aquilo que entendemos como "rock inglês". Ouça o que postei.
TOMMY. AQUELE FILME DE KEN RUSSEL BASEADO NA OBRA DO THE WHO
Na primeira vez que o assisti, Tommy me causou repulsa. Raras vezes eu havia visto até então um filme visualmente tão feio. Não era apenas a falta de beleza, era o grotesco. Cenários, roupas, luz, tudo era berrante, exagerado, nervoso, sanguineo. Era o estilo de Ken Russel, estilo que nos anos 80 iria atinger seu zênite. A música do The Who se perdia naquela mixórdia. Pois bem, revisto pela terceira vez, ontem, ele me pareceu aquilo que realmente é: um filme tosco com excelentes músicas. Não mais o mais repulsivo. Hoje tenho muitos anos de filmes horríveis nas costas. Nem parece mais tão mal encenado. Suas grandes falhas são aquelas que eu não notara quando da primeira vez: a história medíocre da opera rock de Pete Townshend, e a voz Broadway de Ann Margret. ------------------------ Ann Margret é uma atriz adorável e sexy. Estrela. Mas sua voz não combina com aquilo que a trilha sonora deveria ser. Ao lado de Roger Daltrey ela parece de outra era, e ao lado de Oliver Reed parece controlada demais. Incomoda. Quando ouvi o disco, aos 13 anos, muito antes de ver o filme, odiei aquela voz de palco, de musical chique, antiga. ------------ Quanto a história de Pete....vamos ver se consigo me explicar....a força do rock, a inteligência do rock, e Pete é um dos mais articulados, não reside em ideias complexas, ela vive no impulso, no irracional, na força do sangue. Sempre que uma pessoa do meio rock tenta produzir algo mais complicado, seja livro ou filme, peça ou album ambicioso, a coisa soa forçada. É assim com Dylan escrevendo livros, Paul MacCartney compondo sinfonias ou Pete em ópera rock. Tommy é pobre como filosofia, pobre como conto religioso, e sem sentido como obra de arte séria. A saga do messias que é negado por seus seguidores não se sustenta. É inconvincente. Mas, e vai aí um grande mais, músicas como Amazing Journey, Sparks ou Sally Simpson são maravilhosas. Obras primas dentro do meio. Arte em seu direito pleno. ------------- Visto hoje é uma coleção de clips que vão do ruim ao ok.
DOWN IN MONTEREY
Assisti ontem de noite o festival de Monterey na companhia de uma menina de 20 anos. Ela adora rock e dentre seus favoritos estão The Doors, Slipknot e Arch Enemy. Ela também ouve POP coreano e ama Velhas Virgens e Massive Attack. Tem um monte de bandas de eletrônico satânico que ela escuta e ainda posso citar Bowie, Led Zeppelin, Muse e Franz Ferdinand entre suas paixões.
Monterey é o festival feito perto de San Francisco, em junho de 1967. Foi o primeiro festival e é o antepassado do Rock in Rio, Lolla e de todo show ao ar livre com mais de 3 bandas. Eu já vi o documentário mais de 20 vezes, e fico curioso em saber o que uma menina como ela vai achar. Detalhe: ela não sente saudade de hippies. Na verdade ela odeia drogas. Vamos ao show...
O documentário começa com Mamas and Papas e California Dreamin parece à ela algo tão antigo como Noel Rosa ou Gonzaguinha. Mas são as pessoas que lhe dão enjoo: são incrivelmente sujas. Faço-a ver o fascínio que há na não repetição de roupas. Em todo o doc não vemos duas pessoas vestidas de modo parecido. Há ali uma real diversidade que hoje só existe em slogans publicitários. Em um show atual todos se vestem iguais, são uniformes. Em Monterey há uma mistura de modelos, tecidos, cabelos, óculos que diverte e apaixona a visão. Ela entende. E percebe logo que cada um naquele evento é uma alma à procura de auto expressão. Dois anos mais tarde, em Woodstock, isso já se perdera. Em 1969 já há uma uniformidade de cabelos e roupas. Em 1967 ainda há individualidade.
Simon e Garfunkel parece à minha amiga bossa nova. Violão e banquinho lhe dá asco e ela quase desiste. Mas Canned Heat é blues e ela ama blues. Logo saca que em 1967 dá ainda para fazer sucesso sendo feio. Canned Heat é a banda mais feia que ela já viu na vida.
Country Joe and The Fish nos faz rir. É um som interessante, ao contrário do Jefferson Airplane, que lhe pareceu tão antigo quanto Roberto Carlos. Não que seja parecido, mas é antigo. Morto. Ela me pergunta se o rock naquela época era sempre assim: sem adrenalina. Falo pra ela esperar.
Janis Joplin não lhe interessa. Ela diz que cantoras feias não lhe dão desejo de ouvir. Eis uma diferença de geração: Janis ou Patti Smith não têm chance com ela. Uma cantora tem de ser alguém com quem ela se identifica em alma e em corpo. Minha amiga é muito bonita. Janis não é do mundo dela. De qualquer modo ela fica impressionada com a voz. E vê nela o sinal da depressão, doença que ela conhece bem.
Otis Redding é o melhor cantor da história. E ele está acompanhado por Cropper, Dunn e Jackson. Lhe conto que nosso amigo Fabio toca baixo imitando Duck Dunn. Ela ri. E acha Otis do caralho.
Mas tudo muda com The Who. Peço para ela prestar atenção em Keith Moon e é paixão imediata. Ela é baterista e não acredita no que vê. Moon não existe! Como pode ele fazer aquilo? Eis a tal adrenalina. Ela mata a charada: é o único show que parece atemporal. Eles poderiam ser uma banda de agora. Não há elogio maior. The Who não faz parte daquele tempo. São fora de todo tempo. Vivem em um tempo próprio.
Jimi Hendrix. Lhe conto que ele é sagitário. O cara mais sagitário da história. Ela não gosta da cara dele. É feio. Nem das roupas, são sujas. Mas caramba! Ele é sexy. Quase pornô. E não toca guitarra. Parece que a guitarra toca sozinha.
Aconselho todo mundo a fazer isso. Ver um DVD de algum show antigo e querido com uma pessoa querida de 2020. Mal posso esperar para mostrar Gimme Shelter para ela.
Monterey é o festival feito perto de San Francisco, em junho de 1967. Foi o primeiro festival e é o antepassado do Rock in Rio, Lolla e de todo show ao ar livre com mais de 3 bandas. Eu já vi o documentário mais de 20 vezes, e fico curioso em saber o que uma menina como ela vai achar. Detalhe: ela não sente saudade de hippies. Na verdade ela odeia drogas. Vamos ao show...
O documentário começa com Mamas and Papas e California Dreamin parece à ela algo tão antigo como Noel Rosa ou Gonzaguinha. Mas são as pessoas que lhe dão enjoo: são incrivelmente sujas. Faço-a ver o fascínio que há na não repetição de roupas. Em todo o doc não vemos duas pessoas vestidas de modo parecido. Há ali uma real diversidade que hoje só existe em slogans publicitários. Em um show atual todos se vestem iguais, são uniformes. Em Monterey há uma mistura de modelos, tecidos, cabelos, óculos que diverte e apaixona a visão. Ela entende. E percebe logo que cada um naquele evento é uma alma à procura de auto expressão. Dois anos mais tarde, em Woodstock, isso já se perdera. Em 1969 já há uma uniformidade de cabelos e roupas. Em 1967 ainda há individualidade.
Simon e Garfunkel parece à minha amiga bossa nova. Violão e banquinho lhe dá asco e ela quase desiste. Mas Canned Heat é blues e ela ama blues. Logo saca que em 1967 dá ainda para fazer sucesso sendo feio. Canned Heat é a banda mais feia que ela já viu na vida.
Country Joe and The Fish nos faz rir. É um som interessante, ao contrário do Jefferson Airplane, que lhe pareceu tão antigo quanto Roberto Carlos. Não que seja parecido, mas é antigo. Morto. Ela me pergunta se o rock naquela época era sempre assim: sem adrenalina. Falo pra ela esperar.
Janis Joplin não lhe interessa. Ela diz que cantoras feias não lhe dão desejo de ouvir. Eis uma diferença de geração: Janis ou Patti Smith não têm chance com ela. Uma cantora tem de ser alguém com quem ela se identifica em alma e em corpo. Minha amiga é muito bonita. Janis não é do mundo dela. De qualquer modo ela fica impressionada com a voz. E vê nela o sinal da depressão, doença que ela conhece bem.
Otis Redding é o melhor cantor da história. E ele está acompanhado por Cropper, Dunn e Jackson. Lhe conto que nosso amigo Fabio toca baixo imitando Duck Dunn. Ela ri. E acha Otis do caralho.
Mas tudo muda com The Who. Peço para ela prestar atenção em Keith Moon e é paixão imediata. Ela é baterista e não acredita no que vê. Moon não existe! Como pode ele fazer aquilo? Eis a tal adrenalina. Ela mata a charada: é o único show que parece atemporal. Eles poderiam ser uma banda de agora. Não há elogio maior. The Who não faz parte daquele tempo. São fora de todo tempo. Vivem em um tempo próprio.
Jimi Hendrix. Lhe conto que ele é sagitário. O cara mais sagitário da história. Ela não gosta da cara dele. É feio. Nem das roupas, são sujas. Mas caramba! Ele é sexy. Quase pornô. E não toca guitarra. Parece que a guitarra toca sozinha.
Aconselho todo mundo a fazer isso. Ver um DVD de algum show antigo e querido com uma pessoa querida de 2020. Mal posso esperar para mostrar Gimme Shelter para ela.
O MELHOR FILME DE STEVEN SODERBERGH...O ESTRANHO.
Ele começa com o som de The Seeker by The Who. E voce sabe, é um dos melhores rocks da história do mundo. Na letra Roger Daltrey diz: Perguntei à Bob Dylan, Perguntei aos Beatles, Perguntei à Timothy Leary, mas ninguém me responder, eles me chamam The Seeker.
Vemos TERENCE STAMP num avião, no aeroporto, e quando há Stamp, há maldade no ar. ( O irmão de Stamp foi empresário do WHO nos anos 60 ).
Primeiro fato: Este filme é uma aula de ritmo. Ele é lento, nunca chato, ele tem cortes atemporais, mas jamais é confuso. Este filme nos hipnotiza. Completamente.
Vamos a algumas informações:
Terence Stamp foi, nos anos entre 1964-1969, o ator mais quente da Inglaterra. Em um tempo que tinha Sean Connery, Michael Caine, Alan Bates, Peter O'Toole, John Hurt, Richard Burton, era Stamp o mais fascinante, o mais sexy, o mais perigoso, o mais querido pelas meninas mais doidas. Mas ele deu uma bela pirada no fim da década e sumiu na India. Retornou oito anos depois, já bem esquecido. Com fama de doidão, sua carreira não engrenou mais, e para quem não sabe, ele é conhecido apenas como um ator mal humorado e esquisito. Um coadjuvante. Não sabem que ele já foi uma big estrela. Pois bem, Steven o escolhe como ator central. Mais que isso, o filme inteiro é uma homenagem à ele. Logo a gente saca que aqui, em plenos anos 2000, vemos uma amarga lembrança dos anos 60. Stamp é o lado podre do tempo hippie, é um ladrão, é violento, é mal. E ele vem à California em busca de vingança.
O filme tem Peter Fonda. E aqui ele é o outro lado do tempo hippie. É o cara de boas, o ex hippie sempre sorrindo, saudável, da paz, rico, que se deu bem com a onda paz e amor. Mas Peter cometeu um erro: é um covarde. Na vida real Peter também se deu mal e também pirou.
O filme ainda tem Barry Newman, o ator de Vanishing Point, Joe Dalessandro, o ator dos filmes de Andy Warhol e Lesley Ann Warren, a atriz da serie Missão Impossível. Mas...nada há de saudosista aqui. O filme é uma crítica aos anos 60. E passado hoje, ele é moderno, muito moderno.
É o melhor filme de Soderbergh. O mais enxuto. O mais sincero. O mais emocionante. O final é absolutamente perfeito. Soberbo.
( PS: Soderbergh intercala algumas cenas com outro filme, um original de 1966 com o jovem Terence Stamp. Sacada ótima e homenagem carinhosa ).
Vemos TERENCE STAMP num avião, no aeroporto, e quando há Stamp, há maldade no ar. ( O irmão de Stamp foi empresário do WHO nos anos 60 ).
Primeiro fato: Este filme é uma aula de ritmo. Ele é lento, nunca chato, ele tem cortes atemporais, mas jamais é confuso. Este filme nos hipnotiza. Completamente.
Vamos a algumas informações:
Terence Stamp foi, nos anos entre 1964-1969, o ator mais quente da Inglaterra. Em um tempo que tinha Sean Connery, Michael Caine, Alan Bates, Peter O'Toole, John Hurt, Richard Burton, era Stamp o mais fascinante, o mais sexy, o mais perigoso, o mais querido pelas meninas mais doidas. Mas ele deu uma bela pirada no fim da década e sumiu na India. Retornou oito anos depois, já bem esquecido. Com fama de doidão, sua carreira não engrenou mais, e para quem não sabe, ele é conhecido apenas como um ator mal humorado e esquisito. Um coadjuvante. Não sabem que ele já foi uma big estrela. Pois bem, Steven o escolhe como ator central. Mais que isso, o filme inteiro é uma homenagem à ele. Logo a gente saca que aqui, em plenos anos 2000, vemos uma amarga lembrança dos anos 60. Stamp é o lado podre do tempo hippie, é um ladrão, é violento, é mal. E ele vem à California em busca de vingança.
O filme tem Peter Fonda. E aqui ele é o outro lado do tempo hippie. É o cara de boas, o ex hippie sempre sorrindo, saudável, da paz, rico, que se deu bem com a onda paz e amor. Mas Peter cometeu um erro: é um covarde. Na vida real Peter também se deu mal e também pirou.
O filme ainda tem Barry Newman, o ator de Vanishing Point, Joe Dalessandro, o ator dos filmes de Andy Warhol e Lesley Ann Warren, a atriz da serie Missão Impossível. Mas...nada há de saudosista aqui. O filme é uma crítica aos anos 60. E passado hoje, ele é moderno, muito moderno.
É o melhor filme de Soderbergh. O mais enxuto. O mais sincero. O mais emocionante. O final é absolutamente perfeito. Soberbo.
( PS: Soderbergh intercala algumas cenas com outro filme, um original de 1966 com o jovem Terence Stamp. Sacada ótima e homenagem carinhosa ).
TOMMY - THE WHO. EM PROCURA DE UM SENTIDO.
O que mais nos surpreende ao ouvir o disco, duplo, de 1969, é sua mansidão. Ele é quase todo acústico, e tem uma suavidade de timbres que amortece a raiva da banda. Kit Lambert, o produtor, mixou a bateria lá no fundo, o que é um alívio para a harmonia musical, e coloca como guia o som do violão de Pete Townshend. Violão que é muito rítmico e ao mesmo tempo orquestral. O inglês genial faz a simplicidade ter ares de sinfonia.
Tommy é um garoto que fica autista por ver o que não devia: o crime. É salvo ao quebrar o espelho e ver a verdade. Essa a história, religiosa, quase banal, mas que em 69 é um alívio. No tempo em que tudo era "revolução e loucura", o Who continua em sua busca por sentido e não por ação. Na verdade as 3 bandas mais interessantes da época, Stones, Kinks e Who, não se deixaram levar pela sanha hippie. Os Stones continuaram sexuais e individualistas, os Kinks com saudade de casa e flertando com o dandismo e o Who perseguindo a sua alma própria. Tommy é isso tudo.
Nunca é simples ouvir esta banda. Eles exigem atenção. E esta "ópera pop" mais que tudo o que eles fizeram, tem de ser escutada em silêncio e em suspensão. Alguns momentos são sublimes em sua beleza franciscana, há dois tropeços, mas no geral é um disco admirável. Pete está no auge de sua inspiração.
Falando do som: poucos discos têm uma sonoridade tão cristalina. Os couros da bateria de Moon parecem de veludo. Suas baquetas batem em bolhas de ar envoltas em veludo. O disco tem ecos discretos, ruídos quase imperceptíveis e harmonias vocais que conduzem ao estranhamento. Tudo isso com a dinâmica nuclear do dedilhado de Townshend. Tudo parece feito de ar. Há um vazio, um vácuo nas músicas; e essa é sua mensagem espiritual.
Tommy, feito na era dos solos de meia hora e do barulho como protesto, é um disco quase silencioso. E que fala tudo o que se podia dizer.
Tommy é um garoto que fica autista por ver o que não devia: o crime. É salvo ao quebrar o espelho e ver a verdade. Essa a história, religiosa, quase banal, mas que em 69 é um alívio. No tempo em que tudo era "revolução e loucura", o Who continua em sua busca por sentido e não por ação. Na verdade as 3 bandas mais interessantes da época, Stones, Kinks e Who, não se deixaram levar pela sanha hippie. Os Stones continuaram sexuais e individualistas, os Kinks com saudade de casa e flertando com o dandismo e o Who perseguindo a sua alma própria. Tommy é isso tudo.
Nunca é simples ouvir esta banda. Eles exigem atenção. E esta "ópera pop" mais que tudo o que eles fizeram, tem de ser escutada em silêncio e em suspensão. Alguns momentos são sublimes em sua beleza franciscana, há dois tropeços, mas no geral é um disco admirável. Pete está no auge de sua inspiração.
Falando do som: poucos discos têm uma sonoridade tão cristalina. Os couros da bateria de Moon parecem de veludo. Suas baquetas batem em bolhas de ar envoltas em veludo. O disco tem ecos discretos, ruídos quase imperceptíveis e harmonias vocais que conduzem ao estranhamento. Tudo isso com a dinâmica nuclear do dedilhado de Townshend. Tudo parece feito de ar. Há um vazio, um vácuo nas músicas; e essa é sua mensagem espiritual.
Tommy, feito na era dos solos de meia hora e do barulho como protesto, é um disco quase silencioso. E que fala tudo o que se podia dizer.
THE WHO NO ROCK IN RIO ( E GUNS )
Após o show, Pete Townshend dá uma entrevista para o Multishow. Completamente relaxado, Pete esbanja bom humor sem parecer engraçadinho. Ele está velho e ele está feliz. Conta que Londres em 1963 era um lixo, e que o rock e a arte nascem do lixo, da dificuldade, da pobreza material. Diz ainda que é fascinado por tecnologia, mas que essa ferramenta, surpreendentemente, afasta as pessoas. E as une também. Pete ainda segue o Baba e afirma, e é verdade, que a maioria das pessoas no ocidente detesta a palavra "Deus". Roger ( Daltrey ), não fala a palavra, quando ela surge em canções ele a substitui por "One". Pete é afirmativamente religioso. E isso explica a relação complicada que eu e muita gente tem com a banda.
Hoje eles são despojados, mas entre 65 - 70 ele eram puro glamour. E continuam sendo um enigma. A gente lembra dos Stones como o grande show de 1972, de Hendrix em Monterey 67, de tanta gente em Woodstock, mas esquece do Who. Ou lembra deles sempre como o segundo melhor. A segunda melhor banda ao vivo, o segundo melhor show de 1968, a segunda maior banda MOD, a segunda melhor banda de Londres. Mas eles sempre foram os primeiros em muita coisa. E uma delas é o fato de ser a banda mais "à parte" da história do rock. Fracos em sucesso na parada de singles, fracos em clips, são insuperáveis em emoção espiritual. No Who original havia a mistura de força bruta e pureza de espírito que nenhuma outra banda tentava. Pete era um bêbado, louco, destruidor, frustrado, violento, mas era sempre um "puro". No rock sempre existiram puros, caras como Paul MacCartney, Donovan, Tim Buckley, mas Pete era mais profundo. Sua pureza não era aquela das crianças ou dos fofos. Era a dos santos. Dor, raiva e muita coragem.
É a banda que mais me faz chorar. Sempre foi. Mas nunca me lembro deles quando listo minhas top five.
A banda está melhor hoje. Muito melhor. Desde a morte de Keith em 1978 são os melhores shows do Who. Starkey, filho de Ringo e afilhado de Moon, ganhou sua primeira batera dele, é o melhor baterista do mundo hoje. E preenche bem o vazio deixado pelo maior show man das baquetas. Can't Explain começa a noite. E claro, uma lágrima cai. Pete roda o braço. Roger joga o microfone. E eles se garantem com uma banda enorme. Falar do repertório da banda é comentar o DNA do rock moderno. Eles fugiram do blues e do country da época, evitaram o virtuosismo e a psicodelia e assim abriram espaço para a emoção genuína. Não seguiam um estilo, expressavam uma fé.
O show do Rock in Rio é um sonho. Não há momento fraco e não há "o melhor momento". São dois velhos, absolutamente velhos, tocando música de velhos e fazendo um show de antológico rocknroll. Dançam, pulam, gritam e se divertem. E não fingem. O fingimento sempre esteve longe, muito longe da banda. Roger e Pete não se dão. Agora se respeitam. Roger é um homem duro e grosso. Pete é "o artista". E isso nunca foi pose. Por isso não se dão. ( Eu amo Roger. Sem ele o Who seria muito menor. E Pete sempre soube disso, por isso o engoliu ).
Pete anuncia os GUNS e vai embora.
E os Guns são o outro lado da moeda. Não posso falar mal deles porque eles fazem o hard rock anos 70 que adoro. Slash e Duff são ótimos. Eles pegam o som do Aerosmith e o melhoram. Mas Axl é a coisa mais patética da história dos palcos. Gary Glitter piorado. Dá medo até. E o show não é mais que ginástica. Eles andam pelo palco, correm, caminham... Aguento 10 minutos. Chega!
Hoje eles são despojados, mas entre 65 - 70 ele eram puro glamour. E continuam sendo um enigma. A gente lembra dos Stones como o grande show de 1972, de Hendrix em Monterey 67, de tanta gente em Woodstock, mas esquece do Who. Ou lembra deles sempre como o segundo melhor. A segunda melhor banda ao vivo, o segundo melhor show de 1968, a segunda maior banda MOD, a segunda melhor banda de Londres. Mas eles sempre foram os primeiros em muita coisa. E uma delas é o fato de ser a banda mais "à parte" da história do rock. Fracos em sucesso na parada de singles, fracos em clips, são insuperáveis em emoção espiritual. No Who original havia a mistura de força bruta e pureza de espírito que nenhuma outra banda tentava. Pete era um bêbado, louco, destruidor, frustrado, violento, mas era sempre um "puro". No rock sempre existiram puros, caras como Paul MacCartney, Donovan, Tim Buckley, mas Pete era mais profundo. Sua pureza não era aquela das crianças ou dos fofos. Era a dos santos. Dor, raiva e muita coragem.
É a banda que mais me faz chorar. Sempre foi. Mas nunca me lembro deles quando listo minhas top five.
A banda está melhor hoje. Muito melhor. Desde a morte de Keith em 1978 são os melhores shows do Who. Starkey, filho de Ringo e afilhado de Moon, ganhou sua primeira batera dele, é o melhor baterista do mundo hoje. E preenche bem o vazio deixado pelo maior show man das baquetas. Can't Explain começa a noite. E claro, uma lágrima cai. Pete roda o braço. Roger joga o microfone. E eles se garantem com uma banda enorme. Falar do repertório da banda é comentar o DNA do rock moderno. Eles fugiram do blues e do country da época, evitaram o virtuosismo e a psicodelia e assim abriram espaço para a emoção genuína. Não seguiam um estilo, expressavam uma fé.
O show do Rock in Rio é um sonho. Não há momento fraco e não há "o melhor momento". São dois velhos, absolutamente velhos, tocando música de velhos e fazendo um show de antológico rocknroll. Dançam, pulam, gritam e se divertem. E não fingem. O fingimento sempre esteve longe, muito longe da banda. Roger e Pete não se dão. Agora se respeitam. Roger é um homem duro e grosso. Pete é "o artista". E isso nunca foi pose. Por isso não se dão. ( Eu amo Roger. Sem ele o Who seria muito menor. E Pete sempre soube disso, por isso o engoliu ).
Pete anuncia os GUNS e vai embora.
E os Guns são o outro lado da moeda. Não posso falar mal deles porque eles fazem o hard rock anos 70 que adoro. Slash e Duff são ótimos. Eles pegam o som do Aerosmith e o melhoram. Mas Axl é a coisa mais patética da história dos palcos. Gary Glitter piorado. Dá medo até. E o show não é mais que ginástica. Eles andam pelo palco, correm, caminham... Aguento 10 minutos. Chega!
THE WHO LIVE AT LEEDS...O ABSOLUTO DESASTRE!
Eu sei que voce ama este disco. Sei que é um clássico. E concordo que o WHO é uma das 5 melhores bandas da história...Mas poxa vida! Keith Moon estraga todas as músicas deste disco! Ele acelera e desacelera, nunca mantém a batida. Ele castiga os pratos sem parar um segundo. Faz barulho. Seu compromisso é com o show, não com a batida.
Tenho um amigo de 70 anos que viveu 20 em Londres. Viu 3 shows maravilhosos do WHO. E nos 3 Keith Moon fez trapalhadas. Ele conta que o público estava sempre tão louco quanto Moon e que por isso adoravam. Mas que hoje ele não seria tolerado.
Keith Moon teve a sorte de contar com o melhor baixista ao seu lado. Entwistle melhora as músicas ao vivo. Segura o beat. E há Roger, um dos raros cantores do rock que nunca desafina ao vivo. NUNCA. E Pete, que ao contrário de Keith, percebe seus erros, que são muitos, e imediatamente, e de forma genial, os concerta transformando-os em ritmo.
A imperfeição do WHO é tão charmosa quanto a dos Stones. Mas os erros dos Stones nunca são rítmicos. Charlie é um relógio. O tempo está sempre acertado. Quem erra é Mick e Richards, e seus erros não irritam nunca, porque a batida permanece. Eles podem errar à vontade. Charlie aprendeu isso no jazz: baixo e batera não podem se perder. Nunca. São o alicerce da obra.
Moon erra. Todo o tempo. E nas raras vezes em que se acerta, logo é tomado pela fúria, e volta ao erro.
Um grande baterista em potencia. Que perdeu a disciplina. Mitch Mitchell era melhor. Ginger Baker também. ( Para falar apenas dos "estrelos" de seu tempo ).
Tenho um amigo de 70 anos que viveu 20 em Londres. Viu 3 shows maravilhosos do WHO. E nos 3 Keith Moon fez trapalhadas. Ele conta que o público estava sempre tão louco quanto Moon e que por isso adoravam. Mas que hoje ele não seria tolerado.
Keith Moon teve a sorte de contar com o melhor baixista ao seu lado. Entwistle melhora as músicas ao vivo. Segura o beat. E há Roger, um dos raros cantores do rock que nunca desafina ao vivo. NUNCA. E Pete, que ao contrário de Keith, percebe seus erros, que são muitos, e imediatamente, e de forma genial, os concerta transformando-os em ritmo.
A imperfeição do WHO é tão charmosa quanto a dos Stones. Mas os erros dos Stones nunca são rítmicos. Charlie é um relógio. O tempo está sempre acertado. Quem erra é Mick e Richards, e seus erros não irritam nunca, porque a batida permanece. Eles podem errar à vontade. Charlie aprendeu isso no jazz: baixo e batera não podem se perder. Nunca. São o alicerce da obra.
Moon erra. Todo o tempo. E nas raras vezes em que se acerta, logo é tomado pela fúria, e volta ao erro.
Um grande baterista em potencia. Que perdeu a disciplina. Mitch Mitchell era melhor. Ginger Baker também. ( Para falar apenas dos "estrelos" de seu tempo ).
PETE TOWNSHEND, A AUTOBIOGRAFIA
Pete é um solitário. Mesmo casado por 24 anos, filhos, banda, fãs, ele sempre foi um homem só, e muito consciente disso. Na verdade ele sempre amou a solidão. Individualista, egocêntrico, mas nunca vaidoso, Pete é um complicado. Em 50 anos de banda ele nunca conseguiu se sentir um dos caras. Em 50 anos de rock, nunca se sentiu como um cara do rock. Sempre fora, um casado que tinha casos e se sentia culpado, um pai distante, rei dos palcos que logo se cansou de tocar. Insatisfeito. sempre.
Termino o livro e falo aqui da segunda parte ( a primeira está abaixo ). O auge foi em 69/71, depois disso, a lenta decadência. Lendo notamos que The Who sempre foi palco, os discos eram secundários. Ou não? Pete é um workaholic. Composições para teatro, filmes, solo, banda, produtor. Em 1970 ele começa a lidar com música eletrônica. Um projeto, Lifehouse, imenso, ambicioso, que acaba por dar em nada. Faz palestras sobre o novo som ( é visto por Eno, que sente na palestra qual seu futuro como um não-músico ). Pete trabalha pela música do futuro, música programada, aleatória, ou livre. Quadrophenia surge como um novo Tommy. Ele fala das várias versões de Tommy, do sucesso de Tommy nos palcos. Os anos 70. A loucura exagerada, as brigas com Keith Moon. A morte do baterista louco, Pete não disfarça, a morte de Moon foi um alivio.
Os anos 80. Pete se liga em Clash, Jam, Specials. Mas acontece com ele o que amaldiçoou toda a época: cocaína, bebida, ego. Albuns solo, excursões em o Who. Roger Daltrey surge no livro como um herói. Pete sem querer lhe dá um perfil muito admirável. O cara íntegro, apaixonado pela banda, lutando para a manter forte. Um grande cantor, um conquistador, um cara legal.
Pete se torna editor da Faber, a mítica editora de TS Eliot. Convive com Pinter, Ted Hughes, Byatt. O livro se fecha em sua vida fora do rock. Livros, familia, Broadway. E neste século, enfim, a volta do Who. E a acusação de pedofilia.
Pete Townshend seguiu Meher Baba, fez terapia, casou, foi pai, escreveu algumas das melhores músicas do século XX. Fã de Kinks e Stones. Livre. Um homem que se diz feliz, finalmente feliz.
Termino o livro e falo aqui da segunda parte ( a primeira está abaixo ). O auge foi em 69/71, depois disso, a lenta decadência. Lendo notamos que The Who sempre foi palco, os discos eram secundários. Ou não? Pete é um workaholic. Composições para teatro, filmes, solo, banda, produtor. Em 1970 ele começa a lidar com música eletrônica. Um projeto, Lifehouse, imenso, ambicioso, que acaba por dar em nada. Faz palestras sobre o novo som ( é visto por Eno, que sente na palestra qual seu futuro como um não-músico ). Pete trabalha pela música do futuro, música programada, aleatória, ou livre. Quadrophenia surge como um novo Tommy. Ele fala das várias versões de Tommy, do sucesso de Tommy nos palcos. Os anos 70. A loucura exagerada, as brigas com Keith Moon. A morte do baterista louco, Pete não disfarça, a morte de Moon foi um alivio.
Os anos 80. Pete se liga em Clash, Jam, Specials. Mas acontece com ele o que amaldiçoou toda a época: cocaína, bebida, ego. Albuns solo, excursões em o Who. Roger Daltrey surge no livro como um herói. Pete sem querer lhe dá um perfil muito admirável. O cara íntegro, apaixonado pela banda, lutando para a manter forte. Um grande cantor, um conquistador, um cara legal.
Pete se torna editor da Faber, a mítica editora de TS Eliot. Convive com Pinter, Ted Hughes, Byatt. O livro se fecha em sua vida fora do rock. Livros, familia, Broadway. E neste século, enfim, a volta do Who. E a acusação de pedofilia.
Pete Townshend seguiu Meher Baba, fez terapia, casou, foi pai, escreveu algumas das melhores músicas do século XX. Fã de Kinks e Stones. Livre. Um homem que se diz feliz, finalmente feliz.
SEM SEXO, SEM DROGAS E SEM ROCK`N`ROLL....PETE TOWNSHEND, UMA BIOGRAFIA PARA QUEM NÃO GOSTA DE ROCK
Ando lendo a Bio de Pete Townshend. É a menos rock`n`roll de todas, muitas, que li. O oposto de Keith Richards, pois ao contrário de Keith, Pete viu tudo com clareza, e viu de fora, viu muito. E em oposto a Rod Stewart, Pete não tem humor, não ama verdadeiramente os blues e sua atração por mulheres equivale a paixão por roupas e por moda. Pete chega a falar que desejou ir para a cama com Mick Jagger. ( well.... quem em 1967 não quis? ).
O centro da vida de Pete é a arte, mas a Arte. Enquanto todos pensam em sex. drugs e rocknroll, ele pensa em neurose, jazz e pintura. Quando ele fala de música, Pete fala de técnicas de gravação, novos amplificadores, novos tapes. Sua abordagem é científica. Ele inventava coisas, feedback, volume, fitas, loops. E era parte do Who, uma banda que ele sentia como performance e não como música. O Who era um campo de provocação, um ato de arte desafiadora. Não ato de amor, ato de arte. De certo modo eles fazem aquilo que o Velvet fazia em NY e que Bowie faria mais tarde, Rock usado para um fim, rock feito de fora e não de dentro. Uma linguagem aprendida e não a coisa tipo "rock é minha vida".
Ele cresceu em meio a pais artistas. O pai era músico de jazz, a mãe cantora. Boa situação material, desleixo em carinho. Os pais brigam e ele é dado aos 6 anos a uma avó. Promiscua e doida. Sádica. Ela dava para todo caminhoneiro de Londres. O menino via. Tímido, ele volta após dois anos para os pais. Que continuam a trair um ao outro. Entra numa escola de arte, estuda pintura, adora Charlie Parker, Ella e Billie. Aos 15 anos conheceu o movimento mod. Jovens estilosos, vaidosos, com ternos, gravatas, lambretas, sapatos italianos, écharpes de seda. Esses caras ouvem R and B: Sam Cooke, Marvin Gaye, Pickett. Pete toca guitarra, mas sua paixão é o design moderno, arte performática, as provocações de galeria. Perto de Pete, Keith, Lennon ou Eric são analfabetos. Mick não. Pete é fã dos Stones. Os Stones têm visual, androginia, são provocativos e sexys. Mas sua banda favorita são os Kinks. Pete considera Ray Davies um igual. Perversos, estilosos, afeminados, agressivos. Novo modo de ser: delicados desafiadores.
Pete entra para o Who convidado por Roger Daltrey. Ele não conhecia ninguém da banda. Eles precisavam de um guitarrista e ele conseguiu o lugar. Simples assim. Nada de amizades de infância. Os 4 mal se conhecem. Roger é briguento e anda com marginais. Tende a resolver tudo na briga. Quer uma banda de rock. Pete é delicado e complicado. Quer fazer arte. John Entwistle bebe muito e faz piadas. Muda o modo como se toca baixo no mundo do rock. E há Keith Moon, que é louco. Ele é o foco de tensão na banda. Fã de surf music, Keith só quer festejar. E beber. Falta ensaios, leva soco na cara de Roger ( que mal o suporta ), ameaça sempre sair da banda, um chato escroto....só que adorável na bateria. O melhor, o mais original, descontrolado e o maior carisma do grupo.
Eles se tornam mito entre o público undergound da Inglaterra. E logo estouram com seu primeiro single, I Cant Explain. A vida de Pete muda ao ser procurado por um bando de desajustados que lhe diz que "ele fala aquilo que eles não conseguem falar". Pete Townshend será o porta voz dos desajustados.
E chega a era da psicodelia. Townshend toma ácido, mas não perde o poder de observar. Descreve a coisa melhor que qualquer outro. Sua apreciação de Pet Sounds e de Sgt Peppers é ferina: São grandes discos, mas sem nenhum legado. Nada comentam sobre o mundo real, nada falam de relevante socialmente, e não apontam nenhum futuro. São belos, porém estéreis.
Estou lendo essa época. 1967. Página 100. Lançando Sell Out, o disco com anúncios. Pete cheio de grana, com namorada, andando pela noite com Clapton, vendo Hendrix no palco, escutando música erudita e jazz, pensando em pintura. Roupas. Cenários. Design. Infeliz.
Um livro fascinante.
O centro da vida de Pete é a arte, mas a Arte. Enquanto todos pensam em sex. drugs e rocknroll, ele pensa em neurose, jazz e pintura. Quando ele fala de música, Pete fala de técnicas de gravação, novos amplificadores, novos tapes. Sua abordagem é científica. Ele inventava coisas, feedback, volume, fitas, loops. E era parte do Who, uma banda que ele sentia como performance e não como música. O Who era um campo de provocação, um ato de arte desafiadora. Não ato de amor, ato de arte. De certo modo eles fazem aquilo que o Velvet fazia em NY e que Bowie faria mais tarde, Rock usado para um fim, rock feito de fora e não de dentro. Uma linguagem aprendida e não a coisa tipo "rock é minha vida".
Ele cresceu em meio a pais artistas. O pai era músico de jazz, a mãe cantora. Boa situação material, desleixo em carinho. Os pais brigam e ele é dado aos 6 anos a uma avó. Promiscua e doida. Sádica. Ela dava para todo caminhoneiro de Londres. O menino via. Tímido, ele volta após dois anos para os pais. Que continuam a trair um ao outro. Entra numa escola de arte, estuda pintura, adora Charlie Parker, Ella e Billie. Aos 15 anos conheceu o movimento mod. Jovens estilosos, vaidosos, com ternos, gravatas, lambretas, sapatos italianos, écharpes de seda. Esses caras ouvem R and B: Sam Cooke, Marvin Gaye, Pickett. Pete toca guitarra, mas sua paixão é o design moderno, arte performática, as provocações de galeria. Perto de Pete, Keith, Lennon ou Eric são analfabetos. Mick não. Pete é fã dos Stones. Os Stones têm visual, androginia, são provocativos e sexys. Mas sua banda favorita são os Kinks. Pete considera Ray Davies um igual. Perversos, estilosos, afeminados, agressivos. Novo modo de ser: delicados desafiadores.
Pete entra para o Who convidado por Roger Daltrey. Ele não conhecia ninguém da banda. Eles precisavam de um guitarrista e ele conseguiu o lugar. Simples assim. Nada de amizades de infância. Os 4 mal se conhecem. Roger é briguento e anda com marginais. Tende a resolver tudo na briga. Quer uma banda de rock. Pete é delicado e complicado. Quer fazer arte. John Entwistle bebe muito e faz piadas. Muda o modo como se toca baixo no mundo do rock. E há Keith Moon, que é louco. Ele é o foco de tensão na banda. Fã de surf music, Keith só quer festejar. E beber. Falta ensaios, leva soco na cara de Roger ( que mal o suporta ), ameaça sempre sair da banda, um chato escroto....só que adorável na bateria. O melhor, o mais original, descontrolado e o maior carisma do grupo.
Eles se tornam mito entre o público undergound da Inglaterra. E logo estouram com seu primeiro single, I Cant Explain. A vida de Pete muda ao ser procurado por um bando de desajustados que lhe diz que "ele fala aquilo que eles não conseguem falar". Pete Townshend será o porta voz dos desajustados.
E chega a era da psicodelia. Townshend toma ácido, mas não perde o poder de observar. Descreve a coisa melhor que qualquer outro. Sua apreciação de Pet Sounds e de Sgt Peppers é ferina: São grandes discos, mas sem nenhum legado. Nada comentam sobre o mundo real, nada falam de relevante socialmente, e não apontam nenhum futuro. São belos, porém estéreis.
Estou lendo essa época. 1967. Página 100. Lançando Sell Out, o disco com anúncios. Pete cheio de grana, com namorada, andando pela noite com Clapton, vendo Hendrix no palco, escutando música erudita e jazz, pensando em pintura. Roupas. Cenários. Design. Infeliz.
Um livro fascinante.
A NOITE EM QUE VI JOHN LENNON REBOLAR
As boas e más linguas diziam que Mick Jagger vetara a exibição deste show de TV por perceber que o Who, só pra variar, roubara o palco. Quem mandou chamar os maiores ladrões de show da história do rock?
Mas não é verdade. Acho que o que o fez vetar é que como espetáculo de TV ele é bem fraco. Senão veja. O Jethro Tull até que manda bem ( e com Tony Iommi na guitarra!!! ), mas quando vem o Taj Mahal a coisa começa a ficar very boring. John Lennon tá por lá, assim como Eric Clapton, e eles cantam, razoavelmente, Yer Blues, mas depois uma coisa, talvez uma cabra, começa a gemer e compromete a música seguinte. É instrutivo. Vendo Yoko Ono nesse show a gente percebe o que Lennon viu nela. O rapaz de Liverpool que queria ser aceito como High Art pelos High Brow se deslumbrou com as High Ideias da artista Yoko. Só não percebeu que ela era uma artista de terceira. Ela era do mundo de Beuys e de Christos, tinha desprezo pelo rock e pelos Beatles. O que ela faz/fez? Avacalhou. Lennon, um perturbado rapaz caipira da caipiríssima Liverpool entrou de gaiato. Well...Os Beatles iam acabar de qualquer jeito, mas a vida de Lennon seria diferente sem ela. Melhor talvez. Os discos solo seriam mais soltos, com certeza.
The Who faz o seu normal. O seu normal é sempre anormal. Keith Moon maníaco e sendo Moon, o mais original dos bateristas ( e o mais show-man ), Pete estupra a guitarra e Roger canta como sempre, muito bem. Ponto educativo: Percebemos mais uma vez que o Who NADA tem a ver com a cultura hippie radical de 68. A viagem deles era bem outra.
Marianne Faithfull, provavelmente a pessoa mais drunk da noite canta a mais pop das canções. Drogas nunca foram sinonimo de música ousada. Zappa e James Taylor provam isso.
E vem os Stones. Bem, Mick tenta por fogo na banda o tempo todo, mas não rola. A coisa não decola. Brian Jones está em estado de catatonia. Keith parece preocupado. Bill está tipo Bill, ou seja, não está. E Charlie gostaria de estar na cama com a esposa. Dormindo. Que amanhã é dia de trabalho.
É claro que NO EXPECTATIONS vale o dvd! A canção é tão genial, tão blue, fala tão dentro de quem já se fodeu, que é impossível ser estragada. Pois é....Dá pra ver John Lennon dançando em Sympathy for the Devil, e ver Lennon dançando...tirem as crianças da sala!
No fim, uma patética versão de Salt of the Earth. Pete e Keith Moon roubam o show de novo, estão na platéia e começam a zoar. Legal, algum bom humor nesta noite baixo astral.
Os anos 60 foi quando os loucos tomaram conta da zona. Alguns desses loucos enganam até hoje ( Timothy Leary, Che Guevara, filósofos pop star franceses ), os Stones sempre ficaram fora dessa. Aqui a gente vê o pior lado da década, ou seja, coisas sendo feitas na doideira, na curtição, bem louco, deixa fluir, numa nice. Claro que o perfeccionista Jagger ia vetar.
O rock era um circo, hoje é um bordel, e Jagger sabe/soube sempre isso.
Mas não é verdade. Acho que o que o fez vetar é que como espetáculo de TV ele é bem fraco. Senão veja. O Jethro Tull até que manda bem ( e com Tony Iommi na guitarra!!! ), mas quando vem o Taj Mahal a coisa começa a ficar very boring. John Lennon tá por lá, assim como Eric Clapton, e eles cantam, razoavelmente, Yer Blues, mas depois uma coisa, talvez uma cabra, começa a gemer e compromete a música seguinte. É instrutivo. Vendo Yoko Ono nesse show a gente percebe o que Lennon viu nela. O rapaz de Liverpool que queria ser aceito como High Art pelos High Brow se deslumbrou com as High Ideias da artista Yoko. Só não percebeu que ela era uma artista de terceira. Ela era do mundo de Beuys e de Christos, tinha desprezo pelo rock e pelos Beatles. O que ela faz/fez? Avacalhou. Lennon, um perturbado rapaz caipira da caipiríssima Liverpool entrou de gaiato. Well...Os Beatles iam acabar de qualquer jeito, mas a vida de Lennon seria diferente sem ela. Melhor talvez. Os discos solo seriam mais soltos, com certeza.
The Who faz o seu normal. O seu normal é sempre anormal. Keith Moon maníaco e sendo Moon, o mais original dos bateristas ( e o mais show-man ), Pete estupra a guitarra e Roger canta como sempre, muito bem. Ponto educativo: Percebemos mais uma vez que o Who NADA tem a ver com a cultura hippie radical de 68. A viagem deles era bem outra.
Marianne Faithfull, provavelmente a pessoa mais drunk da noite canta a mais pop das canções. Drogas nunca foram sinonimo de música ousada. Zappa e James Taylor provam isso.
E vem os Stones. Bem, Mick tenta por fogo na banda o tempo todo, mas não rola. A coisa não decola. Brian Jones está em estado de catatonia. Keith parece preocupado. Bill está tipo Bill, ou seja, não está. E Charlie gostaria de estar na cama com a esposa. Dormindo. Que amanhã é dia de trabalho.
É claro que NO EXPECTATIONS vale o dvd! A canção é tão genial, tão blue, fala tão dentro de quem já se fodeu, que é impossível ser estragada. Pois é....Dá pra ver John Lennon dançando em Sympathy for the Devil, e ver Lennon dançando...tirem as crianças da sala!
No fim, uma patética versão de Salt of the Earth. Pete e Keith Moon roubam o show de novo, estão na platéia e começam a zoar. Legal, algum bom humor nesta noite baixo astral.
Os anos 60 foi quando os loucos tomaram conta da zona. Alguns desses loucos enganam até hoje ( Timothy Leary, Che Guevara, filósofos pop star franceses ), os Stones sempre ficaram fora dessa. Aqui a gente vê o pior lado da década, ou seja, coisas sendo feitas na doideira, na curtição, bem louco, deixa fluir, numa nice. Claro que o perfeccionista Jagger ia vetar.
O rock era um circo, hoje é um bordel, e Jagger sabe/soube sempre isso.
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