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A SOLIDÃO DE PHILIP MARLOWE....
Acabo de ler A IRMÃZINHA, de Raymond Chandler. Dá quase pra chamar de obra prima. Acha que estou exagerando? Okay, então vou chamar este de um livro quase perfeito. Melhor assim? Mas me deixe te explicar o porque de ter chamado este romance policial de obra prima. Dizem que os grandes livros definem uma época. Se voce quer saber exatamente como era a Londres de 1830 leia Dickens. Se quiser conhecer a mente da Espanha dos descobrimentos, leia o Quixote. John Updike define em Rabbit os USA que geraram a contra-cultura e os livros de Sherlock Holmes mostram a era vitoriana. Bem....Chandler define o mal estar da América pós segunda guerra. E A Irmãzinha é provávelmente seu livro mais duro. Não por ser o mais violento, mas por ser aquele onde mais sentimos o grande mal que mora dentro de Marlowe, a solidão. Philip Marlowe é daqueles seres que existem apenas dentro do trabalho. Aqui ele tem consciência plena disso: ele está só. Totalmente só no mundo. Fora do trabalho, fora do contato com policiais e bandidos, nada mais há para ele. Marlowe não tem amigos, não lembra mais como se relaxa, e nunca se diverte. Ao contrário do Sam Spade criado por Hammett, Marlowe tem desejo sexual, muito, ele flerta com toda mulher que surge em seu caminho, e seu flerte é brutal, direto, sem romance, mas, assim como o whisky e o fumo, sexo para ele não é prazer, é necessidade. Física. Gente como Genet, Sartre ou Beckett gastaram milhares de frases para elaborar a sujeira e a falta de rumo do animal humano, Chandler faz isso sem nenhum esforço e em apenas duas linhas. Marlowe é um existencialista, mas um do único tipo que podemos levar a sério: aquele que o é sem o saber. Este livro tem cenas perfeitas passadas em Hollywood, a meca podre do cinema, que já nos anos 40 esbanjava sexo, drogas e futilidade vergonhosa. Hollywood que poluiu depois, via TV, a música, o teatro, a vida comum e a vida literária. Sexo, drogas e futilidade abjeta para a casa de todos. Marlowe odeia tudo isso. Um puritano na verdade, ele abomina as mulheres fáceis, as mentiras, o jogo dúbio da polícia, a sujeira de L.A. Tem saudades da velha Los Angeles, antes de Hollywood, a cidade de casas distantes, do deserto e do silêncio. Dá quase pra sentir pena de Philip Marlowe. Raymond Chandler era grande. Sabia do que falava. Ele foi contratado pela Paramount para fazer roteiros. Passou meses ganhando muito para fazer nada. O único roteiro que ele fez e gostou foi para Hitchcock, Strangers on a Train. Hitch também era um Marlowe na vida; puritano, solitário e sem lugar. A diferença é que Hitch levava o puritanismo a sério, não bebia, comia, não transava, sublimava. Chandler, com dinheiro do cinema na mão, caiu na gandaia. Enfim....leia o livro.
ROAD GAMES ( ENIGMA NA ESTRADA ). AUSTRALIAN MOVIE
Richard Franklin nasceu na Australia e estudou cinema na California. Maníaco por Hitchcock, fez aqui um filme que adapta JANELA INDISCRETA à estrada. Sim, eis a ideia, brilhante: JANELA INDISCRETA levada ao deserto do país, James Stewart se torna uma caminhoneiro que observa, acompanhado por seu cão, os vizinhos de estrada. O resultado dessa ideia é um filme divertido, simpático, bem feito, inteligente e mais que tudo: delicioso. A ideia do cão serve para que o caminhoneiro possa comentar em voz alta, com seu pet e conosco, tudo que ele vê e sente. Stacy Keach faz esse papel e não sei o porque, mas nós sentimos uma gigantesca empatia com ele. É uma atuação brilhante. Ele é um worker americano que emigrou para o país e cita poesia inglesa. É uma alma complexa e simples, rica e comedida. Trabalho genial de Keach. No caminho, ele transporta carne, ele acha que vê um assassinato, como no filme de Hitch. Dá carona a uma dona de casa chatíssima e depois à uma ricaça em busca de aventura. Sim, é Grace Kelly revisitada. Jamie Lee Curtis faz esse papel. Fico surpreso: ela está muito atraente aqui. É outro personagem simpático ao extremo. A interação entre os dois é feita de calor e encanto. E nada forçada. O epílogo é talvez o ponto menos bom do filme. Tentam algo meio gore mas não é o espírito do filme. Na verdade se trata de uma produção leve, cheia de brilho, que voce ama por ser tão relax. A tensão do final é como uma apêndice. ----------------------------------------- Franklin, após este filme, foi convidado à Hollywood e se deu mal lá. Fez Psycho II, que era bom, mas foi mal aceito, e depois mais dois filmes que não deram lucro. Morreu cedo, após voltar ao seu país. Veja este filme de 1981. Voce vai se divertir muito.
DISQUE M PARA MATAR, UMA OBRA PRIMA SEM NENHUMA AFETAÇÃO
O filme se passa quase inteiro entre quatro paredes. E voce não tem nenhuma sensação claustrofóbica. Muito menos tédio. É uma peça filmada, quase sem nenhuma modificação, e ao contrário da maioria do filmes feitos sobre peças de teatro, voce jamais lembra estar vendo um texto para o palco. O personagem central é vaidoso, frio, antipático, esnobe, e mesmo assim voce adora sua companhia. Hitchcock diz ter sido tão fácil fazer este filme que ele poderia o ter dirigido via telefone. E voce sabe que ele está brincando. É uma obra prima e ao lado de Intriga Internacional, é meu Hitch favorito.
Genial em seu modo simples, ficamos sabendo em dois minutos quem é quem: um ex tenista casado, em Londres, é traído por sua esposa rica. O outro é um escritor americano. O marido irá elaborar um plano detalhista e racional, para assassinar a esposa. Falo o resto? O assassinato não acontece, e então ele executa outro plano: fazer a esposa ser condenada pelo crime que ele desejava cometer. O que assistimos, com supremo prazer, é a concatenação de detalhes que compõe um todo complexo. Hitch sabia de como é satisfatório presenciar a exibição de inteligência e método, mesmo que seja em um crime. O marido, feito de modo magistral por Ray Milland, aqui melhor que no filme que lhe deu o Oscar, este é o papel de sua vida, é puro exibicionismo. Milland compõe um tipo cheio de olhares, gestos, trejeitos, tudo é como uma ourivesaria de atuação, uma joia em atuação charmosa e repulsiva. Já Grace Kelly, a esposa, além de estar no auge da beleza, não me lembro de mulher mais linda em filme nenhum, nem ela mesma nunca mais esteve tão bonita; atua com sutileza. Ela expressa culpa, sedução, medo e confusão. É o contraponto exato à Milland. O outro grande ator do elenco não é o amante, mas o inspetor de policia, John Willians, solidez e bom senso, calma e método, uma atuação de simpatia sublime.
Há que se dizer o segredo da leveza e da inteligência deste filme: a câmera. Ela não para. Rodopia pelos móveis, vai do chão ao teto, inova em ângulos diferentes, viaja em todo canto possível e impossível. Mas com um detalhe central: jamais percebemos isso! Estamos tão envolvidos pelo roteiro perfeito que não prestamos atenção em seus truques. Hitch nunca se perdeu. Seus filmes são cheios de truques, mas o centro é sempre a história a ser narrada. Por isso sua arte nunca parece afetada. Ele jamais diz: Hey! Olhem este efeito! Seu foco é aquilo que os atores fazem e falam.
Muita gente comenta hoje o que ele faria com nossas câmeras tão leves e nossos efeitos digitais. Provável que botasse todos os ouros no bolso e nos surpreendesse a cada filme. Isso porque ele era curioso, insaciável, irrequieto e não tinha medo de experimentar. Mas acima de tudo ele era meticuloso. Planejava. Construía e executava estritamente o que estava dentro do plano central. Nada de improviso. Nada de última hora. Para nosso cinema de alta tecnologia, seu modo de encarar a arte cairia como uma luva. Técnica acima de tudo.
Eu devo ter visto este filme já umas cinco vezes. E sempre sou pego odiando Milland e tendo um orgasmo quando a verdade aparece. É um prazer intelectual. Sinto a satisfação de ver um plano perfeito ser desfeito por uma intuição ainda maior. Acima de tudo o cinema de Hitchcock é sempre uma questão de inteligência. Nosso cérebro é usado. E isso é cada vez mais raro.
Genial em seu modo simples, ficamos sabendo em dois minutos quem é quem: um ex tenista casado, em Londres, é traído por sua esposa rica. O outro é um escritor americano. O marido irá elaborar um plano detalhista e racional, para assassinar a esposa. Falo o resto? O assassinato não acontece, e então ele executa outro plano: fazer a esposa ser condenada pelo crime que ele desejava cometer. O que assistimos, com supremo prazer, é a concatenação de detalhes que compõe um todo complexo. Hitch sabia de como é satisfatório presenciar a exibição de inteligência e método, mesmo que seja em um crime. O marido, feito de modo magistral por Ray Milland, aqui melhor que no filme que lhe deu o Oscar, este é o papel de sua vida, é puro exibicionismo. Milland compõe um tipo cheio de olhares, gestos, trejeitos, tudo é como uma ourivesaria de atuação, uma joia em atuação charmosa e repulsiva. Já Grace Kelly, a esposa, além de estar no auge da beleza, não me lembro de mulher mais linda em filme nenhum, nem ela mesma nunca mais esteve tão bonita; atua com sutileza. Ela expressa culpa, sedução, medo e confusão. É o contraponto exato à Milland. O outro grande ator do elenco não é o amante, mas o inspetor de policia, John Willians, solidez e bom senso, calma e método, uma atuação de simpatia sublime.
Há que se dizer o segredo da leveza e da inteligência deste filme: a câmera. Ela não para. Rodopia pelos móveis, vai do chão ao teto, inova em ângulos diferentes, viaja em todo canto possível e impossível. Mas com um detalhe central: jamais percebemos isso! Estamos tão envolvidos pelo roteiro perfeito que não prestamos atenção em seus truques. Hitch nunca se perdeu. Seus filmes são cheios de truques, mas o centro é sempre a história a ser narrada. Por isso sua arte nunca parece afetada. Ele jamais diz: Hey! Olhem este efeito! Seu foco é aquilo que os atores fazem e falam.
Muita gente comenta hoje o que ele faria com nossas câmeras tão leves e nossos efeitos digitais. Provável que botasse todos os ouros no bolso e nos surpreendesse a cada filme. Isso porque ele era curioso, insaciável, irrequieto e não tinha medo de experimentar. Mas acima de tudo ele era meticuloso. Planejava. Construía e executava estritamente o que estava dentro do plano central. Nada de improviso. Nada de última hora. Para nosso cinema de alta tecnologia, seu modo de encarar a arte cairia como uma luva. Técnica acima de tudo.
Eu devo ter visto este filme já umas cinco vezes. E sempre sou pego odiando Milland e tendo um orgasmo quando a verdade aparece. É um prazer intelectual. Sinto a satisfação de ver um plano perfeito ser desfeito por uma intuição ainda maior. Acima de tudo o cinema de Hitchcock é sempre uma questão de inteligência. Nosso cérebro é usado. E isso é cada vez mais raro.
MÃE X FILHA. THE BIRDS, UM FILME TERRÍVEL DE ALFRED HITCHCOCK
Há uma corrente crítica que diz que este filme é sobre a frigidez da personagem de Tippi Hedren. Acho isso absurdo. Pois é ela quem sexualiza todo o filme. Como todo grande filme, The Birds nos mostra algo de novo a cada revisão. Ontem eu o revi e percebi algo não notado antes: É uma guerra entre mulheres. E as duas, fêmeas lutando pela posse do personagem de Rod Taylor, invocam a mãe natureza. Os pássaros são os soldados dessa luta cruel.
Tippi é uma menina rica. Visitando uma pet shop, ela conhece Rod, que lá foi para comprar um casal de Passion Birds, nome em inglês de periquitos. Ela o seduz ostensivamente, tanto que viajará 150 km para lhe entregar o casal de passarinhos. Ao cruzar de barco o canal que a levará à casa dele, o primeiro ataque: uma gaivota bica sua testa. Começa a guerra.
A mãe está na casa, e desde a primeira cena vemos a raiva em seu rosto. As duas se odeiam. Sentimos o ar pesar. Jamais se atacam explicitamente, não precisam, há os pássaros. Uma cena perturbadora: após o primeiro ataque á casa, a mãe recolhe cacos de suas xícaras do chão. Meticulosa, ela tenta recuperar a ordem perdida. Voltar ao estado anterior. A namorada do filho a observa. No rosto, desprezo, raiva, nojo até. Hitch, sempre esperto, não foca a cena nelas. Rod Taylor fala sobre o ocorrido, mas a câmera, como quem não quer nada, observa as duas.
O filho vive entre mulheres: mãe, agora uma namorada, a irmã, e uma professora. Muitos filmes de Hitchcock têm mães dominadoras. É sabido que havia um problema entre ele e a mãe. The Birds, feito logo após Psycho, é o mais feroz exemplo de sua neurose. E ao mesmo tempo, é um filme POP. Divertido. Assustador. Um sucesso nas sessões pipoca. Por isso Hitch é único.
O filme tem duas cenas profundamente eróticas. Na primeira, Tippi Hedren é atacada numa cabine telefônica. Os pássaros se chocam, ferozes, contra o vidro. Tentam perfurar seu corpo. Ela se contorce. Na segunda cena, já ao final, os pássaros a atingem. Ela é bicada por todos os lados. Enquanto sangra, ela geme, e em meio aos gemidos, murmura o nome do namorado. Ela geme o nome como quem goza. Hitch consegue o impensável: uma cena de masoquismo, de sexo pervertido em 1963. Os censores viram apenas violência sem sentido. Nós entendemos o que aquilo é. Não é à toa que Bunuel gostava tanto de Hitchcock. O inglês fazia o mesmo que o espanhol. Sem deixar de ser POP.
É um filme perturbador. Não tem trilha sonora. O filme inteiro não se beneficia do clima que a trilha sonora dá. A história é quase nada. O roteiro, simples, talvez o mais simples de toda sua vida. E mesmo assim o filme é grande, vasto, imenso.
No final, Tippi Hedren é carregada por Rod Taylor. Os dois andam com a mãe e a irmã em meio aos pássaros que os observam. Não sabemos se eles sobreviverão. Não sabemos o porque dos ataques. Mas veja: a mãe não tem um só ferimento. E a namorada, talvez esteja morta.
O filme termina assim, inconclusivo. Lembro que quando o vi pela primeira vez, criança ainda, TV Tupi, minha mãe ficou brava com esse final. Eu tremia de medo. Nunca tive tanto medo vendo um filme.
Hoje eles gravariam cenas dos pássaros entrando no ânus das pessoas. Ou comendo seus miolos. Anestesiados por anos de violência televisiva, nossas reações estão cada dia mais enterradas. Em 1974 eu era uma corda de violino. O vento me fazia vibrar. Genial, Hitchcock lidava com nossas cordas usando dedos de solista.
The Birds é um terrível pesadelo.
Tippi é uma menina rica. Visitando uma pet shop, ela conhece Rod, que lá foi para comprar um casal de Passion Birds, nome em inglês de periquitos. Ela o seduz ostensivamente, tanto que viajará 150 km para lhe entregar o casal de passarinhos. Ao cruzar de barco o canal que a levará à casa dele, o primeiro ataque: uma gaivota bica sua testa. Começa a guerra.
A mãe está na casa, e desde a primeira cena vemos a raiva em seu rosto. As duas se odeiam. Sentimos o ar pesar. Jamais se atacam explicitamente, não precisam, há os pássaros. Uma cena perturbadora: após o primeiro ataque á casa, a mãe recolhe cacos de suas xícaras do chão. Meticulosa, ela tenta recuperar a ordem perdida. Voltar ao estado anterior. A namorada do filho a observa. No rosto, desprezo, raiva, nojo até. Hitch, sempre esperto, não foca a cena nelas. Rod Taylor fala sobre o ocorrido, mas a câmera, como quem não quer nada, observa as duas.
O filho vive entre mulheres: mãe, agora uma namorada, a irmã, e uma professora. Muitos filmes de Hitchcock têm mães dominadoras. É sabido que havia um problema entre ele e a mãe. The Birds, feito logo após Psycho, é o mais feroz exemplo de sua neurose. E ao mesmo tempo, é um filme POP. Divertido. Assustador. Um sucesso nas sessões pipoca. Por isso Hitch é único.
O filme tem duas cenas profundamente eróticas. Na primeira, Tippi Hedren é atacada numa cabine telefônica. Os pássaros se chocam, ferozes, contra o vidro. Tentam perfurar seu corpo. Ela se contorce. Na segunda cena, já ao final, os pássaros a atingem. Ela é bicada por todos os lados. Enquanto sangra, ela geme, e em meio aos gemidos, murmura o nome do namorado. Ela geme o nome como quem goza. Hitch consegue o impensável: uma cena de masoquismo, de sexo pervertido em 1963. Os censores viram apenas violência sem sentido. Nós entendemos o que aquilo é. Não é à toa que Bunuel gostava tanto de Hitchcock. O inglês fazia o mesmo que o espanhol. Sem deixar de ser POP.
É um filme perturbador. Não tem trilha sonora. O filme inteiro não se beneficia do clima que a trilha sonora dá. A história é quase nada. O roteiro, simples, talvez o mais simples de toda sua vida. E mesmo assim o filme é grande, vasto, imenso.
No final, Tippi Hedren é carregada por Rod Taylor. Os dois andam com a mãe e a irmã em meio aos pássaros que os observam. Não sabemos se eles sobreviverão. Não sabemos o porque dos ataques. Mas veja: a mãe não tem um só ferimento. E a namorada, talvez esteja morta.
O filme termina assim, inconclusivo. Lembro que quando o vi pela primeira vez, criança ainda, TV Tupi, minha mãe ficou brava com esse final. Eu tremia de medo. Nunca tive tanto medo vendo um filme.
Hoje eles gravariam cenas dos pássaros entrando no ânus das pessoas. Ou comendo seus miolos. Anestesiados por anos de violência televisiva, nossas reações estão cada dia mais enterradas. Em 1974 eu era uma corda de violino. O vento me fazia vibrar. Genial, Hitchcock lidava com nossas cordas usando dedos de solista.
The Birds é um terrível pesadelo.
O TERCEIRO TIRO. HITCHCOCK. A MORTE QUE NÃO IMPORTA.
Os primeiros quinze minutos são das coisas mais perfeitas que, não só Hitch, mas qualquer outro diretor já filmou. Os créditos iniciais, animados, com a trilha sonora brilhante de Bernard Herrmann ( ele, o diretor, a considerava a melhor já feita ), então as paisagens de Vermont em cores brilhantes. Úma criança, e então uma morte. Um velho caçador que fala seus pensamentos. Descobre o cadáver e pensa que o matou sem querer. Ele se esconde enquanto várias pessoas passam por lá...
Há aqui humor absurdo. Nonsense. Muita britanicidade. E beleza, uma beleza tétrica. Ironia aos montes. Harry é o morto. E morto ele é ao mesmo tempo um estorvo e insignificante. Nada vai acontecer no filme inteiro. Não lhe prometo emoção nenhuma. O filme foi um fiasco em sua época. Mas Hitch o amava, e não só por ser um patinho feio, mas sim por ser um filme impossível.
A cidade tem só 3 casas. Há um policial. Uma criança. Um pintor. E duas solteironas. E uma ruiva, mãe da criança. Esse é o elenco inteiro. Nenhum deles é muito normal. Todos são excêntricos. Na verdade o único interesse deles é sexo. Todos os diálogos, se vc prestar atenção, são convites ao ato sexual. Eles querem acasalar, e na primeira fala do filme, a do velho caçador "assassino", já se entrega isso. Diz ele que "caçar é maravilhoso porque satisfaz nosso instinto mais primitivo". Exatamente como o sexo faz.
Hitchcock trata, em todos o seus filmes, de "apenas" dois assuntos: sexo e morte. Qualquer pessoa com honestidade básica sabe que são os únicos temas que importam. Todo o resto é consequência, quando não futilidade. Este filme mostra, da forma que os anos 50 permitiam, que ao lado de um morto, tudo que nos resta é acasalar. A morte aqui não tem a menor importância. Quem se importa com Harry? Ele só desperta alguma atenção quando impede um namoro ou um casamento. Fora isso, é somente uma coisa a ser esquecida. Nunca Hitchcock foi tão direto. E ao mesmo tempo tão delicado. Isso porque o filme é um idílio. O lugar é um tipo de paraíso, e não há nesses lugares nada escondido, não é um falso paraíso, é aquilo que vemos, pessoas que vivem suas vidas comuns. São esquisitas porque as vemos de perto, bem de perto.
Não é um dos grandes filmes do gênio, mas é um daqueles em que ele revela seu riso debochado. Ele se dava a esse luxo. Cada 3 ou 4 sucessos, um filme pra brincar. Aqui vemos seu playground.
Shirley MacLaine estreia no cinema aqui. O elenco ainda tem o grande Edmund Gwenn. E John Forsythe. É um filme barato. E com cores espetaculares. O destaque é Bernard Herrmann. Sua trilha tem dois temas básicos: um irônico e um arrebatador. Nos dois ele apresenta aquilo que sua música é : perfeita. No meio dos anos 60 Hitch perdeu seu compositor. Os dois nunca mais foram os mesmos. Há encontros que parecem escritos no céu.
Há aqui humor absurdo. Nonsense. Muita britanicidade. E beleza, uma beleza tétrica. Ironia aos montes. Harry é o morto. E morto ele é ao mesmo tempo um estorvo e insignificante. Nada vai acontecer no filme inteiro. Não lhe prometo emoção nenhuma. O filme foi um fiasco em sua época. Mas Hitch o amava, e não só por ser um patinho feio, mas sim por ser um filme impossível.
A cidade tem só 3 casas. Há um policial. Uma criança. Um pintor. E duas solteironas. E uma ruiva, mãe da criança. Esse é o elenco inteiro. Nenhum deles é muito normal. Todos são excêntricos. Na verdade o único interesse deles é sexo. Todos os diálogos, se vc prestar atenção, são convites ao ato sexual. Eles querem acasalar, e na primeira fala do filme, a do velho caçador "assassino", já se entrega isso. Diz ele que "caçar é maravilhoso porque satisfaz nosso instinto mais primitivo". Exatamente como o sexo faz.
Hitchcock trata, em todos o seus filmes, de "apenas" dois assuntos: sexo e morte. Qualquer pessoa com honestidade básica sabe que são os únicos temas que importam. Todo o resto é consequência, quando não futilidade. Este filme mostra, da forma que os anos 50 permitiam, que ao lado de um morto, tudo que nos resta é acasalar. A morte aqui não tem a menor importância. Quem se importa com Harry? Ele só desperta alguma atenção quando impede um namoro ou um casamento. Fora isso, é somente uma coisa a ser esquecida. Nunca Hitchcock foi tão direto. E ao mesmo tempo tão delicado. Isso porque o filme é um idílio. O lugar é um tipo de paraíso, e não há nesses lugares nada escondido, não é um falso paraíso, é aquilo que vemos, pessoas que vivem suas vidas comuns. São esquisitas porque as vemos de perto, bem de perto.
Não é um dos grandes filmes do gênio, mas é um daqueles em que ele revela seu riso debochado. Ele se dava a esse luxo. Cada 3 ou 4 sucessos, um filme pra brincar. Aqui vemos seu playground.
Shirley MacLaine estreia no cinema aqui. O elenco ainda tem o grande Edmund Gwenn. E John Forsythe. É um filme barato. E com cores espetaculares. O destaque é Bernard Herrmann. Sua trilha tem dois temas básicos: um irônico e um arrebatador. Nos dois ele apresenta aquilo que sua música é : perfeita. No meio dos anos 60 Hitch perdeu seu compositor. Os dois nunca mais foram os mesmos. Há encontros que parecem escritos no céu.
JAMES, JAMES BOND: UMA QUESTÃO DE MÚSICA
Andei revendo os 10 primeiros filmes de James Bond. Todos são pelo menos divertidos, alguns se tornaram icônicos, outros são ridículos. Mas como disse, sempre divertidos.
O primeiro, DR NO, é apenas uma aventura de espionagem inglesa feita na Jamaica. Um monte de coisas que se tornaram "trademark" da série ainda não existiam. Mas já está lá o nome de John Barry na trilha sonora, e creia, muito do sucesso de Bond se deve a sua música. Este primeiro filme é basicamente um filme cheio de perseguições de carros e os cenários, outra marca da série, também já possuem a assinatura de Ken Adam. O super macho Alfa, Sean Connery, diz presente. Todas as mulheres caem aos pés dele. TODAS. Em 1962 ele é o sonho assumido de todo homem. O mega seguro. O ultra poderoso. O invulnerável. Bond é peludo, bebe, fuma e pensa em transar 24 horas por dia. No segundo filme, MOSCOU CONTRA 007, from russia with love, algumas marcas nascem. A canção de abertura feita para ser um hit, as armas originais, o carro, e principalmente o hiper vilão. Talvez seja este o mais hitchcockiano da série inteira. Tem clima. E possui um clima de perversão. Pra quem não sabe, dizem que a ideia da série surgiu quando Ian Fleming viu INTRIGA INTERNACIONAL de Hitch, no cinema, em 1958. E que o sonho de Ian era ver Cary Grant como Bond. ( Penso que seria perfeito. Assim como o Bond ideal de 2000 seria George Clooney ).
GOLFINGER é considerado o ápice da série inteira. Austin Powers bebe quase tudo aqui. É um filme perfeito mas não é meu favorito. Depois temos THUNDERBALL e aquele que se passa no Japão, SÓ SE VIVE DUAS VEZES, que tem a maravilhosa canção de abertura com Nancy Sinatra. Este é o mais machista de todos, e também é onde começa a auto-gozação que quase matou a série. De todo modo, Sean Connery quis dar voos mais artísticos e saiu da série. Ele era então, 1967, o ator mais famoso e mais bem pago do mundo.
A SERVIÇO DE SUA MAJESTADE traz um ator desconhecido, o australiano George Lazenby. Ele é tudo que Sean não era, desajeitado, inseguro, parece um garoto caipira brincando de 007. Mas o filme, que foi malhado na sua época, é hoje considerado um dos melhores. Foi o que mais gostei de rever. As cenas de ação são ótimas e Bond se torna humano. Ele até mesmo chora. Sean Connery retorna mais uma vez e temos a era de Roger Moore. Bond deixa de ser Bond. Ele se torna Roger Moore. E Roger é sempre irônico. O primeiro Bond de Roger, LIVE AND LET DIE tem trilha não de John Barry, mas sim de George Martin, ele mesmo, e é um desastre. Se voce quer saber o quanto uma trilha sonora ruim pode destruir um filme, veja este. Mas ainda pior foi em 1983, quando Sean Connery voltou ao personagem numa produção americana. NUNCA DIGA NUNCA DE NOVO. Sem poder contar com a equipe inglesa, deram a música para Michel Legrand!!!! Deus! Quem teve essa ideia? James Bond em ritmo de romance francês, em clima disco, em ritmo de boate...tudo menos o apropriado. Uma piada sem graça.
Foi ouvindo essas duas trilhas que me toquei da imensa importância da música em 007.
O primeiro, DR NO, é apenas uma aventura de espionagem inglesa feita na Jamaica. Um monte de coisas que se tornaram "trademark" da série ainda não existiam. Mas já está lá o nome de John Barry na trilha sonora, e creia, muito do sucesso de Bond se deve a sua música. Este primeiro filme é basicamente um filme cheio de perseguições de carros e os cenários, outra marca da série, também já possuem a assinatura de Ken Adam. O super macho Alfa, Sean Connery, diz presente. Todas as mulheres caem aos pés dele. TODAS. Em 1962 ele é o sonho assumido de todo homem. O mega seguro. O ultra poderoso. O invulnerável. Bond é peludo, bebe, fuma e pensa em transar 24 horas por dia. No segundo filme, MOSCOU CONTRA 007, from russia with love, algumas marcas nascem. A canção de abertura feita para ser um hit, as armas originais, o carro, e principalmente o hiper vilão. Talvez seja este o mais hitchcockiano da série inteira. Tem clima. E possui um clima de perversão. Pra quem não sabe, dizem que a ideia da série surgiu quando Ian Fleming viu INTRIGA INTERNACIONAL de Hitch, no cinema, em 1958. E que o sonho de Ian era ver Cary Grant como Bond. ( Penso que seria perfeito. Assim como o Bond ideal de 2000 seria George Clooney ).
GOLFINGER é considerado o ápice da série inteira. Austin Powers bebe quase tudo aqui. É um filme perfeito mas não é meu favorito. Depois temos THUNDERBALL e aquele que se passa no Japão, SÓ SE VIVE DUAS VEZES, que tem a maravilhosa canção de abertura com Nancy Sinatra. Este é o mais machista de todos, e também é onde começa a auto-gozação que quase matou a série. De todo modo, Sean Connery quis dar voos mais artísticos e saiu da série. Ele era então, 1967, o ator mais famoso e mais bem pago do mundo.
A SERVIÇO DE SUA MAJESTADE traz um ator desconhecido, o australiano George Lazenby. Ele é tudo que Sean não era, desajeitado, inseguro, parece um garoto caipira brincando de 007. Mas o filme, que foi malhado na sua época, é hoje considerado um dos melhores. Foi o que mais gostei de rever. As cenas de ação são ótimas e Bond se torna humano. Ele até mesmo chora. Sean Connery retorna mais uma vez e temos a era de Roger Moore. Bond deixa de ser Bond. Ele se torna Roger Moore. E Roger é sempre irônico. O primeiro Bond de Roger, LIVE AND LET DIE tem trilha não de John Barry, mas sim de George Martin, ele mesmo, e é um desastre. Se voce quer saber o quanto uma trilha sonora ruim pode destruir um filme, veja este. Mas ainda pior foi em 1983, quando Sean Connery voltou ao personagem numa produção americana. NUNCA DIGA NUNCA DE NOVO. Sem poder contar com a equipe inglesa, deram a música para Michel Legrand!!!! Deus! Quem teve essa ideia? James Bond em ritmo de romance francês, em clima disco, em ritmo de boate...tudo menos o apropriado. Uma piada sem graça.
Foi ouvindo essas duas trilhas que me toquei da imensa importância da música em 007.
OSCAR WILDE....LEE MARVIN...BERLIOZ...HITCHCOCK...FRY
À QUEIMA ROUPA de John Boorman com Lee Marvin e Angie Dickinson.
Este filme, um original, começa bastante confuso. Isso porque Boorman mistura passado e presente, embaralha. Mas após 10 minutos as coisas começam a clarear. As pessoas falam que o filme tem influências da Nouvelle Vague, mas não, ele é puro Melville. Marvin, mais durão que nunca, é um bandido que foi traído. Procura vingança. Visual arrojado, trilha sonora invulgar, anguloso e estranhamente sexy. Tarantino ama esse filme. E faz tempo que Quentin não faz um filme tão bom quanto este. Obrigatório.
SINFONIA FANTÁSTICA de Christian-Jaque com Barrault, Berry, St.Cyr e Blier.
Biografia de Berlioz. O filme é chavão, cliché, mas a gente ainda o assiste com prazer. Berlioz sofre pacas e fica famoso já velho. Mesmo assim, não é feliz. Barrault foi o maior ator do teatro francês. O Olivier de lá. Jaque foi o diretor mais odiado pela Nouvelle Vague. Ele era correto. Profissional.
RETRATO DO ARTISTA QUANDO JOVEM de Joseph Strick
A adaptação do romance de Joyce até que funciona. Li o livro uns 20 anos atrás e detestei. O filme mostra toda a ira do jovem contra sua educação religiosa. Os padres são ruins pacas! Há um belo clima irlandês no filme e apesar de sua pobreza é um filme ok.
OS 39 DEGRAUS de Hitchcock com Robert Donat e Madeleine Carroll.
Ao conhecer uma menina que é fã de Hitch, resolvo assistir mais uma vez este filme da fase inglesa do mestre. Devo já ter visto cinco vezes, e continua sendo um prazer. Trata do tema central de Hitch: culpa. Fuga. Injustiça. Clássico.
OSCAR WILDE de Brian Gilbert com Stephen Fry e Jude Law.
Fry é Wilde. Nunca em um bio vi um ator tão adequado a um papel. Mas o filme, longe de ser ruim, não está à sua altura. Law é também perfeito como Bosie, o tolo amante mimado de Wilde. O clima de época é maravilhoso.
TARKOVSKI
O SACRIFÍCIO. No aniversário de um patriarca acontece a notícia do holocausto nuclear. É o mais assustador filme do russo. O cenário desaba em dor e em cenas quase incompreensíveis. Ele passa muito perto neste filme do absoluto fracasso, mas o filme acaba sendo salvo por algumas cenas inesquecíveis.
NOSTALGIA. Este não. Ele passa do ponto, e aqui, em seu último filme, Tarkovski erra. O filme é chato, chato se recompensa. Não há como suportar cenas tão longas e tão sem por que. Falta a poesia que tudo redimia.
Este filme, um original, começa bastante confuso. Isso porque Boorman mistura passado e presente, embaralha. Mas após 10 minutos as coisas começam a clarear. As pessoas falam que o filme tem influências da Nouvelle Vague, mas não, ele é puro Melville. Marvin, mais durão que nunca, é um bandido que foi traído. Procura vingança. Visual arrojado, trilha sonora invulgar, anguloso e estranhamente sexy. Tarantino ama esse filme. E faz tempo que Quentin não faz um filme tão bom quanto este. Obrigatório.
SINFONIA FANTÁSTICA de Christian-Jaque com Barrault, Berry, St.Cyr e Blier.
Biografia de Berlioz. O filme é chavão, cliché, mas a gente ainda o assiste com prazer. Berlioz sofre pacas e fica famoso já velho. Mesmo assim, não é feliz. Barrault foi o maior ator do teatro francês. O Olivier de lá. Jaque foi o diretor mais odiado pela Nouvelle Vague. Ele era correto. Profissional.
RETRATO DO ARTISTA QUANDO JOVEM de Joseph Strick
A adaptação do romance de Joyce até que funciona. Li o livro uns 20 anos atrás e detestei. O filme mostra toda a ira do jovem contra sua educação religiosa. Os padres são ruins pacas! Há um belo clima irlandês no filme e apesar de sua pobreza é um filme ok.
OS 39 DEGRAUS de Hitchcock com Robert Donat e Madeleine Carroll.
Ao conhecer uma menina que é fã de Hitch, resolvo assistir mais uma vez este filme da fase inglesa do mestre. Devo já ter visto cinco vezes, e continua sendo um prazer. Trata do tema central de Hitch: culpa. Fuga. Injustiça. Clássico.
OSCAR WILDE de Brian Gilbert com Stephen Fry e Jude Law.
Fry é Wilde. Nunca em um bio vi um ator tão adequado a um papel. Mas o filme, longe de ser ruim, não está à sua altura. Law é também perfeito como Bosie, o tolo amante mimado de Wilde. O clima de época é maravilhoso.
TARKOVSKI
O SACRIFÍCIO. No aniversário de um patriarca acontece a notícia do holocausto nuclear. É o mais assustador filme do russo. O cenário desaba em dor e em cenas quase incompreensíveis. Ele passa muito perto neste filme do absoluto fracasso, mas o filme acaba sendo salvo por algumas cenas inesquecíveis.
NOSTALGIA. Este não. Ele passa do ponto, e aqui, em seu último filme, Tarkovski erra. O filme é chato, chato se recompensa. Não há como suportar cenas tão longas e tão sem por que. Falta a poesia que tudo redimia.
BLAKE EDWARDS/ JULIE ANDREWS/ WYLER/ CUKOR/ CLIVE OWEN/ BINOCHE/ AUDREY/ WC FIELDS
FRONTERA com Ed Harris e Eva Longoria
Fujam! Um lixo sobre imigrantes ilegais.
POR FALAR DE AMOR de Fred Schepisi com Clive Owen e Juliette Binoche
O nome nada tem a ver com o filme. Ainda inédito aqui, fala de um professor de inglês com a corda no pescoço. Bebendo muito, corre o risco de perder o emprego. Uma nova professora de artes chega, amarga e com doença degenerativa. Os dois se odeiam e depois se amam. Parece uma tolice? Juro que não é! Tem bons diálogos, nunca desce a apelação, nada melado. Owen está excelente, faz um professor cínico, antipático e maníaco por palavras. Esse o centro do filme: a palavra ou a imagem, o que vale mais? Juliette, uma atriz por quem não morro de amores, está muito radiante.Nota 6.
OS 39 DEGRAUS de Alfred Hitchcock com Robert Donat, Madeleine Carroll e Peggy Ashcroft
Talvez seja o melhor filme inglês de Hitch. O roteiro é totalmente inverossímil, mas who cares? Hitch era sempre assumidamente inverossímil. O que ele queria era poder criar grandes cenas e este filme tem várias. A cena inicial, no show de variedades, com seu sabor expressionista. Depois as cenas na casa do casal que dá abrigo ao fugitivo. Cenas no trem, na estrada, no hotel e por aí vai. O tema é caro a Hitch, um homem foge acusado falsamente de crime. Ação sem parar, humor, e muito, muito clima. A fotografia de Bernard Knowles é brilhante. Observe logo no começo a luz sendo acesa no quarto, o canto da tela iluminado e todo o resto escuro...Ótimo! Hitch faz aqui uma das mais perfeitas diversões. Nota DEZ!
O MORRO DOS VENTOS UIVANTES de William Wyler com Laurence Olivier, Merle Oberon, David Niven, Flora Robson e Donald Crisp
Wyler foi o melhor diretor do cinema americano? Nada de surpreendente nessa pergunta! Ele tem 4 Oscars e dominou a arte de filmar comédias, westerns, dramas, peças filmadas e policiais. O livro de Bronte já foi filmado até por Bunuel e se aqui ele nunca atinge a magia do texto inglês, é de longe a melhor versão para a tela. E devo dizer, os primeiros 40 minutos são dignos do mais alto cinema. Heathcliff é adotado, se enamora da meia irmã, é banido e se vinga. O filme é tristíssimo. Olivier, jovem e belo, faz um Heathcliff vulnerável, sofrido. A cena na janela, em que ele acha ter visto o fantasma de Cathy, é soberba. Faça o teste do olho, veja como os olhos de Olivier mudam com o desenvolver da fala. Merle Oberon enfraquece o filme. Ela é bela e exótica, mas não tem a força selvagem de Cathy. A fotografia é soberba. Um belo filme do mesmo ano de ...E O Vento Levou. Nota DEZ.
DAVID COPPERFIELD de George Cukor com Freddie Bartholomew, W.C.Fields, Lionel Barrymore, Edna May Oliver, Roland Young
Tão bom voltar a ver meus filmes dos anos 30!!!!! Aqui temos Cukor, um dos mais consagrados dos diretores clássicos e a adaptação, luminosa, do clássico de Dickens. Esqueça a pavorosa atriz que faz a mãe de David Copperfield e relaxe, o filme é uma deliciosa e encantadora viagem. David sofre pacas, mas logo encontra quem o ajude. WC Fields dá um show! Sua voz enrolada e pomposa e seu tipo falso nobre picareta casam perfeitamente com o filme. Mas quem rouba o show é Edna May Oliver, aterradora e encantadora como a tia de David. Uma grande produção de David Selznick. Nota 9.
OS 3 MOSQUETEIROS de George Sidney com Gene Kelly, Lana Turner, June Allyson
Gene Kelly fazendo Dartagnan! Só em Hollywood! Esta versão, leve e colorida, alegre e boba, de Dumas, é um grande hit de seu tempo. E ainda diverte! Sidney foi um grande diretor de musicais, e apesar de ninguém cantar, o filme é levado no clima de um grande musical. Jogue fora seu senso de realidade e deixe-se apreciar tanta tolice bem feita. Vale muito a pena! Nota 7.
DESTINO TOKYO de Delmer Daves com Cary Grant e John Garfield
O patriotismo deste filme envelheceu mal. Acompanhamos a missão de um submarino rumo ao Japão. Cary é o capitão, Garfield um marujo meio tonto e mulherengo. Filmes da segunda guerra costumam envelhecer mal. Não é excessão. Delmer foi um bom diretor de filmes noir e de westerns. Aqui ele se perde. Cary Grant está elegante como sempre, mas pouco tem a fazer. Nota 4.
BREAKFAST AT TIFFANY`S ( BONEQUINHA DE LUXO ) de Blake Edwards com Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal e Martin Balsam
Nunca gostei muito deste filme. Acho-o superestimado. OK, Audrey esbanja chic, mas em qual filme ela não o faz? Então o reassisto pela segunda vez e nada espero dele, e talvez por causa disso o acho agora bacaninha. Incrível como toda coisa chic se mantém! Tudo em Audrey é chic, os óculos, as roupas, o gato, o modo desleixado de se portar, a loucurinha bobinha e até o jeitinho de falar. E acontece uma coisa engraçada, começo a achar que a personagem Holly é um travesti ! Pois é incrível como os travestís pegaram TUDO desta personagem!!!! O filme se torna então um tipo de farsa chic, um catálogo da Bazaar clássica, uma Vogue vintage, um luxo! Truman Capote escreveu e a trilha de Henry Mancini é tudo de bom! Um cocktail, um bibelô, uma mesinha de laca. Um mundo perdido que a gente insiste em amar. Nota 7.
THE SOUND OF MUSIC ( A NOVIÇA REBELDE ) de Robert Wise com Julie Andrews, Christopher Plummer e Eleanor Parker
Após Mary Poppins eis que Julie surge como a noviça que vai cuidar de crianças na Suiça e as ensina a ser crianças. E o mundo se rende a ela. Este é o filme que tirou ...E O Vento Levou do alto das paradas. Um fenômeno! NUNCA eu vira o filme. Tinha preguiça e confesso, apesar de amar musicais achava que ele fosse bobo. Bobo? Ele é uma aula de otimismo, de beleza e de ritmo. As músicas, de Richard Rodgers são obras-primas, a direção, do mestre Wise, um cara que fez clássicos de boxe, sci-fi, comédia e drama, e Julie, uma figura esfuziante, enfeitiçante, com malícia inocente e uma liberdade fantasiosa irresistível. O mundo em 1965 se apaixonou por ela. Ainda percebemos porque. É um grande, grande filme! São 3 horas de completo prazer! Viva! Nota DEZ!
Fujam! Um lixo sobre imigrantes ilegais.
POR FALAR DE AMOR de Fred Schepisi com Clive Owen e Juliette Binoche
O nome nada tem a ver com o filme. Ainda inédito aqui, fala de um professor de inglês com a corda no pescoço. Bebendo muito, corre o risco de perder o emprego. Uma nova professora de artes chega, amarga e com doença degenerativa. Os dois se odeiam e depois se amam. Parece uma tolice? Juro que não é! Tem bons diálogos, nunca desce a apelação, nada melado. Owen está excelente, faz um professor cínico, antipático e maníaco por palavras. Esse o centro do filme: a palavra ou a imagem, o que vale mais? Juliette, uma atriz por quem não morro de amores, está muito radiante.Nota 6.
OS 39 DEGRAUS de Alfred Hitchcock com Robert Donat, Madeleine Carroll e Peggy Ashcroft
Talvez seja o melhor filme inglês de Hitch. O roteiro é totalmente inverossímil, mas who cares? Hitch era sempre assumidamente inverossímil. O que ele queria era poder criar grandes cenas e este filme tem várias. A cena inicial, no show de variedades, com seu sabor expressionista. Depois as cenas na casa do casal que dá abrigo ao fugitivo. Cenas no trem, na estrada, no hotel e por aí vai. O tema é caro a Hitch, um homem foge acusado falsamente de crime. Ação sem parar, humor, e muito, muito clima. A fotografia de Bernard Knowles é brilhante. Observe logo no começo a luz sendo acesa no quarto, o canto da tela iluminado e todo o resto escuro...Ótimo! Hitch faz aqui uma das mais perfeitas diversões. Nota DEZ!
O MORRO DOS VENTOS UIVANTES de William Wyler com Laurence Olivier, Merle Oberon, David Niven, Flora Robson e Donald Crisp
Wyler foi o melhor diretor do cinema americano? Nada de surpreendente nessa pergunta! Ele tem 4 Oscars e dominou a arte de filmar comédias, westerns, dramas, peças filmadas e policiais. O livro de Bronte já foi filmado até por Bunuel e se aqui ele nunca atinge a magia do texto inglês, é de longe a melhor versão para a tela. E devo dizer, os primeiros 40 minutos são dignos do mais alto cinema. Heathcliff é adotado, se enamora da meia irmã, é banido e se vinga. O filme é tristíssimo. Olivier, jovem e belo, faz um Heathcliff vulnerável, sofrido. A cena na janela, em que ele acha ter visto o fantasma de Cathy, é soberba. Faça o teste do olho, veja como os olhos de Olivier mudam com o desenvolver da fala. Merle Oberon enfraquece o filme. Ela é bela e exótica, mas não tem a força selvagem de Cathy. A fotografia é soberba. Um belo filme do mesmo ano de ...E O Vento Levou. Nota DEZ.
DAVID COPPERFIELD de George Cukor com Freddie Bartholomew, W.C.Fields, Lionel Barrymore, Edna May Oliver, Roland Young
Tão bom voltar a ver meus filmes dos anos 30!!!!! Aqui temos Cukor, um dos mais consagrados dos diretores clássicos e a adaptação, luminosa, do clássico de Dickens. Esqueça a pavorosa atriz que faz a mãe de David Copperfield e relaxe, o filme é uma deliciosa e encantadora viagem. David sofre pacas, mas logo encontra quem o ajude. WC Fields dá um show! Sua voz enrolada e pomposa e seu tipo falso nobre picareta casam perfeitamente com o filme. Mas quem rouba o show é Edna May Oliver, aterradora e encantadora como a tia de David. Uma grande produção de David Selznick. Nota 9.
OS 3 MOSQUETEIROS de George Sidney com Gene Kelly, Lana Turner, June Allyson
Gene Kelly fazendo Dartagnan! Só em Hollywood! Esta versão, leve e colorida, alegre e boba, de Dumas, é um grande hit de seu tempo. E ainda diverte! Sidney foi um grande diretor de musicais, e apesar de ninguém cantar, o filme é levado no clima de um grande musical. Jogue fora seu senso de realidade e deixe-se apreciar tanta tolice bem feita. Vale muito a pena! Nota 7.
DESTINO TOKYO de Delmer Daves com Cary Grant e John Garfield
O patriotismo deste filme envelheceu mal. Acompanhamos a missão de um submarino rumo ao Japão. Cary é o capitão, Garfield um marujo meio tonto e mulherengo. Filmes da segunda guerra costumam envelhecer mal. Não é excessão. Delmer foi um bom diretor de filmes noir e de westerns. Aqui ele se perde. Cary Grant está elegante como sempre, mas pouco tem a fazer. Nota 4.
BREAKFAST AT TIFFANY`S ( BONEQUINHA DE LUXO ) de Blake Edwards com Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal e Martin Balsam
Nunca gostei muito deste filme. Acho-o superestimado. OK, Audrey esbanja chic, mas em qual filme ela não o faz? Então o reassisto pela segunda vez e nada espero dele, e talvez por causa disso o acho agora bacaninha. Incrível como toda coisa chic se mantém! Tudo em Audrey é chic, os óculos, as roupas, o gato, o modo desleixado de se portar, a loucurinha bobinha e até o jeitinho de falar. E acontece uma coisa engraçada, começo a achar que a personagem Holly é um travesti ! Pois é incrível como os travestís pegaram TUDO desta personagem!!!! O filme se torna então um tipo de farsa chic, um catálogo da Bazaar clássica, uma Vogue vintage, um luxo! Truman Capote escreveu e a trilha de Henry Mancini é tudo de bom! Um cocktail, um bibelô, uma mesinha de laca. Um mundo perdido que a gente insiste em amar. Nota 7.
THE SOUND OF MUSIC ( A NOVIÇA REBELDE ) de Robert Wise com Julie Andrews, Christopher Plummer e Eleanor Parker
Após Mary Poppins eis que Julie surge como a noviça que vai cuidar de crianças na Suiça e as ensina a ser crianças. E o mundo se rende a ela. Este é o filme que tirou ...E O Vento Levou do alto das paradas. Um fenômeno! NUNCA eu vira o filme. Tinha preguiça e confesso, apesar de amar musicais achava que ele fosse bobo. Bobo? Ele é uma aula de otimismo, de beleza e de ritmo. As músicas, de Richard Rodgers são obras-primas, a direção, do mestre Wise, um cara que fez clássicos de boxe, sci-fi, comédia e drama, e Julie, uma figura esfuziante, enfeitiçante, com malícia inocente e uma liberdade fantasiosa irresistível. O mundo em 1965 se apaixonou por ela. Ainda percebemos porque. É um grande, grande filme! São 3 horas de completo prazer! Viva! Nota DEZ!
HITCHCOCK/ POWELL/ CAROL REED/ JACK CARDIFF/
GESTAPO de Carol Reed com Margaret Lockwood, Rex Harrison e Paul Henreid
Ando revendo filmes ingleses. Carol Reed forma, ao lado de Powell, Lean e Hitchcock, o quarteto soberbo do cinema clássico da ilha. Cada um com seu estilo definido, eles são mestres consumados e sábios em sua forma de narrar e de seduzir. Reed é o mais realista. Aqui ele narra um jogo de gato e rato entre dois inimigos, um nazista e um inglês, ambos em busca de um cientista. Rex já tem aqui desenvolvida sua forma de atuação, leve, sorridente e elegante. O filme é pura diversão e demonstra magnificamente o modo como os ingleses se percebiam a si-mesmos. Nota 7.
E UM DE NOSSOS AVIÕES NÃO REGRESSOU de Michael Powell
Revejo os filmes menos famosos de Powell. O modo como ele e Pressburger viam a guerra tem muito a nos ensinar. Ele nunca deixa de ser patriota, afinal, este filme foi feito durante a guerra, mas o modo como ele vê os alemães é não só humano como também corajoso. Eles são gente também, diferentes dos ingleses, lutam pelo lado errado, mas não são monstros, têm alma. Aqui é narrada a missão de um grupo de aviadores que ao voltar de um bombardeio em Stuttgart são alvejados e caem na Holanda. A população holandesa os ajudará a voltar a sua terra. É um belo filme e tem retrato carinhoso do homem comum, não dos heróis. Nota 7.
PARALELO 49 de Michael Powell com Laurence Olivier, Leslie Howard e Eric Portman
Um grupo de marujos alemães é atacado nas costas do Canadá. Seu submarino afunda e eles devem em terra conseguir voltar a Alemanha. Este é o filme que deu fama a Powell. Sucesso nos EUA, é uma linda aventura filmada no Canadá. Os alemães são individualizados, sim, há um vilão, mas também há um alemão bom. Ver este filme durante a guerra deve ter sido muito estimulante. Nota 7.
A BATALHA DO RIO DA PRATA de Michael Powell com Peter Finch e Anthony Quayle
Aqui já estamos na fase dificil da carreira de Powell. Feito nos anos 50, o filme fala de um navio alemão famoso por afundar navios mercantes aliados nas águas do Atlântico Sul. O que se narra é sua caçada e sua agonia. Powell mostra o capitão do navio alemão como um homem honrado, quase um herói trágico. O estilo de Powell está todo aqui, ele exibe com calma e cuidado a civilidade dos homens, a camaradagem e o respeito entre os iguais. O filme emociona, mas em seu inicio pode irritar, não estamos acostumados a tanta educação! Revisto, este filme cresceu muito em meu conceito e hoje é dos meus filmes de Powell mais queridos. Estranha a sina desse diretor, a de ser querido só em revisões...todos os seus filmes me decepcionaram na primeira vista ( inclusive Red Shoes ) e se tornaram gigantes na segunda olhada. Nota 9.
FESTIM DIABÓLICO de Alfred Hitchcock com James Stewart, John Dall e Farley Granger
Que delicia!!! É o famoso filme de Hitch sem cortes. Eu o adoro, mas Hitch não gostava dele. Um casal gay mata um amigo só pelo prazer de cometer uma obra de arte. Convidam os pais da vitima para jantar, e o corpo está dentro de um baú que é usado como mesa de jantar. Dá pra ser mais macabro? O pai come carne sobre o corpo do filho. O humor de Hitch raras vezes foi tão afiado. James Stewart entra em cena como o professor dos assassinos. E nós nos alegramos ao rever esses ator-amigo. O filme é absolutamente perfeito. Nota DEZ.
CORRESPONDENTE ESTRANGEIRO de Alfred Hitchcock com Joel McCrea, Larraine Day e George Sanders
O excesso de ação atrapalha a narrativa desta aventura de Hitch. Joel é um repórter americano que vai a Holanda cobrir a guerra. Se envolve em jogo de espionagem. Sanders é excelente, mas Joel e Day são muito peso leve, estão no filme errado. Nota 6.
OS PÁSSAROS de Alfred Hitchcock com Rod Taylor, Tippi Hedren e Jessica Tandy
Uma mulher destrói a harmonia masculina de uma comunidade. Sim, esse é o sentido do filme. Desde a cena na loja de pássaros, até o final inesquecível, todo lugar em que ela pisa surge uma ameaça. Pássaros se juntam e passam a atacar. É um dos filmes aparentemente mais simples de Hitch e o mais absurdo ( em superficie ). Mas seus medos estão todos aqui. O maior de todos seu pavor das mulheres. Falar de suas cenas é chover no molhado, o filme é muito conhecido. As melhores são aquela que mostra os pássaro se reunindo atrás de Tippi, e o final, eles andando em meio as pássaros que se aquietam, talvez porque ela foi vencida... Vi esta obra-prima pela primeira vez em 1973, na velha TV Tupi. Eu era criança e confesso que tremi todo o tempo. Era uma época bacana pra se assistir filmes de suspense, basta dizer que o silêncio na rua ainda existia e a iluminação lá fora era precária. Nota DEZ.
FILHOS E AMANTES de Jack Cardiff com Dean Stockwell, Wendy Hiller e Trevor Howard
O mundo de D.H.Lawrence levado ao cinema. Numa comunidade pobre da Inglaterra, vemos uma familia de mineiros. Uma familia infeliz, onde o pai violento tem rancor pelo filho que o renega e a mãe, hiper protetora, mima esse filho que quer ser pintor. A vida desse filho é destruída pelo meio em que vive. Parece bom, mas não é. O primeiro erro é Stockwell. O outro é a falta de criatividade de Cardiff. Ele foi o grande diretor de fotografia de Red Shoes, mas como diretor nunca funcionou. O filme é chato. Nota 3.
Ando revendo filmes ingleses. Carol Reed forma, ao lado de Powell, Lean e Hitchcock, o quarteto soberbo do cinema clássico da ilha. Cada um com seu estilo definido, eles são mestres consumados e sábios em sua forma de narrar e de seduzir. Reed é o mais realista. Aqui ele narra um jogo de gato e rato entre dois inimigos, um nazista e um inglês, ambos em busca de um cientista. Rex já tem aqui desenvolvida sua forma de atuação, leve, sorridente e elegante. O filme é pura diversão e demonstra magnificamente o modo como os ingleses se percebiam a si-mesmos. Nota 7.
E UM DE NOSSOS AVIÕES NÃO REGRESSOU de Michael Powell
Revejo os filmes menos famosos de Powell. O modo como ele e Pressburger viam a guerra tem muito a nos ensinar. Ele nunca deixa de ser patriota, afinal, este filme foi feito durante a guerra, mas o modo como ele vê os alemães é não só humano como também corajoso. Eles são gente também, diferentes dos ingleses, lutam pelo lado errado, mas não são monstros, têm alma. Aqui é narrada a missão de um grupo de aviadores que ao voltar de um bombardeio em Stuttgart são alvejados e caem na Holanda. A população holandesa os ajudará a voltar a sua terra. É um belo filme e tem retrato carinhoso do homem comum, não dos heróis. Nota 7.
PARALELO 49 de Michael Powell com Laurence Olivier, Leslie Howard e Eric Portman
Um grupo de marujos alemães é atacado nas costas do Canadá. Seu submarino afunda e eles devem em terra conseguir voltar a Alemanha. Este é o filme que deu fama a Powell. Sucesso nos EUA, é uma linda aventura filmada no Canadá. Os alemães são individualizados, sim, há um vilão, mas também há um alemão bom. Ver este filme durante a guerra deve ter sido muito estimulante. Nota 7.
A BATALHA DO RIO DA PRATA de Michael Powell com Peter Finch e Anthony Quayle
Aqui já estamos na fase dificil da carreira de Powell. Feito nos anos 50, o filme fala de um navio alemão famoso por afundar navios mercantes aliados nas águas do Atlântico Sul. O que se narra é sua caçada e sua agonia. Powell mostra o capitão do navio alemão como um homem honrado, quase um herói trágico. O estilo de Powell está todo aqui, ele exibe com calma e cuidado a civilidade dos homens, a camaradagem e o respeito entre os iguais. O filme emociona, mas em seu inicio pode irritar, não estamos acostumados a tanta educação! Revisto, este filme cresceu muito em meu conceito e hoje é dos meus filmes de Powell mais queridos. Estranha a sina desse diretor, a de ser querido só em revisões...todos os seus filmes me decepcionaram na primeira vista ( inclusive Red Shoes ) e se tornaram gigantes na segunda olhada. Nota 9.
FESTIM DIABÓLICO de Alfred Hitchcock com James Stewart, John Dall e Farley Granger
Que delicia!!! É o famoso filme de Hitch sem cortes. Eu o adoro, mas Hitch não gostava dele. Um casal gay mata um amigo só pelo prazer de cometer uma obra de arte. Convidam os pais da vitima para jantar, e o corpo está dentro de um baú que é usado como mesa de jantar. Dá pra ser mais macabro? O pai come carne sobre o corpo do filho. O humor de Hitch raras vezes foi tão afiado. James Stewart entra em cena como o professor dos assassinos. E nós nos alegramos ao rever esses ator-amigo. O filme é absolutamente perfeito. Nota DEZ.
CORRESPONDENTE ESTRANGEIRO de Alfred Hitchcock com Joel McCrea, Larraine Day e George Sanders
O excesso de ação atrapalha a narrativa desta aventura de Hitch. Joel é um repórter americano que vai a Holanda cobrir a guerra. Se envolve em jogo de espionagem. Sanders é excelente, mas Joel e Day são muito peso leve, estão no filme errado. Nota 6.
OS PÁSSAROS de Alfred Hitchcock com Rod Taylor, Tippi Hedren e Jessica Tandy
Uma mulher destrói a harmonia masculina de uma comunidade. Sim, esse é o sentido do filme. Desde a cena na loja de pássaros, até o final inesquecível, todo lugar em que ela pisa surge uma ameaça. Pássaros se juntam e passam a atacar. É um dos filmes aparentemente mais simples de Hitch e o mais absurdo ( em superficie ). Mas seus medos estão todos aqui. O maior de todos seu pavor das mulheres. Falar de suas cenas é chover no molhado, o filme é muito conhecido. As melhores são aquela que mostra os pássaro se reunindo atrás de Tippi, e o final, eles andando em meio as pássaros que se aquietam, talvez porque ela foi vencida... Vi esta obra-prima pela primeira vez em 1973, na velha TV Tupi. Eu era criança e confesso que tremi todo o tempo. Era uma época bacana pra se assistir filmes de suspense, basta dizer que o silêncio na rua ainda existia e a iluminação lá fora era precária. Nota DEZ.
FILHOS E AMANTES de Jack Cardiff com Dean Stockwell, Wendy Hiller e Trevor Howard
O mundo de D.H.Lawrence levado ao cinema. Numa comunidade pobre da Inglaterra, vemos uma familia de mineiros. Uma familia infeliz, onde o pai violento tem rancor pelo filho que o renega e a mãe, hiper protetora, mima esse filho que quer ser pintor. A vida desse filho é destruída pelo meio em que vive. Parece bom, mas não é. O primeiro erro é Stockwell. O outro é a falta de criatividade de Cardiff. Ele foi o grande diretor de fotografia de Red Shoes, mas como diretor nunca funcionou. O filme é chato. Nota 3.
BLUE JASMINE/ WOLVERINE/ UM DIA EM NY/ CANTANDO NA CHUVA/ JOSH
BLUE JASMINE de Woody Allen com Cate Blanchett, Sally Hawkins, Alec Baldwin
Dizer que todo o elenco está ótimo é chover no molhado, todo filme de Woody tem grandes atuações. Cate Blanchett chega ao milagroso, sua Jasmine tem uma tensão bergmaniana. Penso ser o melhor desempenho feminino desde Helen Mirren fazendo a rainha Elizabeth. A história é uma adaptação de Um Bonde Chamado Desejo para os dias de hoje, ou seja, Blanche seria mais consumista e Stanley menos viril. ( Aliás o filme me deu uma vontade doida de rever o filme de Kazan com Brando e Vivien Leigh fazendo misérias ). Para quem não viu e não aguenta mais as repetições de Woody um toque: o filme nada se parece com um tipico Woody Allen. É drama duro, forte, trágico, Allen não tem pena da pobre Jasmine. Esqueça o humor, esqueça a doce vida dos ricos neuróticos, é um drama pungente. Pobre Jasmine!!! Não há lugar para ela num mundo que ela sempre ignorou. Nota 7.
LIGADOS PELO AMOR de Josh Boone com Greg Kinnear, Jennifer Connely, Lily Collins
Como um dia foi Jack ou Ted, Josh é hoje o nome da moda nos EUA. Cool... Então o diretor, Josh, ganha o troféu de Josh de uma ano cheio de Joshs. O filme, uma bobeirinha delicada sobre uma aluninho de escola cool tãaaaaao sensível e apaixonado!, é de uma imbecilidade joshiana. Nota ZERO.
UM DIA EM NOVA YORK de Stanley Donen e Gene Kelly com Gene Kelly, Frank Sinatra e Ann Miller
Exuberante! A primeira direção da dupla é baseada num show histórico de Leonard Bernstein e Jerome Robbins. Filmado nas ruas de NY, com uma energia viril contagiante, mostra 24 horas na vida de 3 marujos em licença. Uma obra-prima. Nota DEZ!
CANTANDO NA CHUVA de Stanley Donen e Gene Kelly com Gene Kelly, Debbie Reynolds, Donald O`Connor, Jean Hagen
Dizer o que? Tem alguns dos melhores e mais famosos momentos de toda a história do cinema. Impressionante ele não ter ganho o Oscar de melhor tudo. NOTA MIL !!!!!!!
SR E SRA SMITH de Alfred Hitchcock com Robert Montgomery e Carole Lombard
Hitch estava na companhia de Selznick e resolveu fazer um filme com sua amiga, a grande Carole Lombard. Um veículo para essa brilahnte comediante ( que morreria em desastre de avião na sequencia ), é o menos tipico dos filmes americanos de Hitch. Marido e esposa descobrem que na verdade seu casamento foi ilegal, estão solteiros de novo...Nada de especial. Alguns movimentos de câmera são puro Hitch. Nota 5.
WOLVERINE IMORTAL de James Mangold com Hugh Jackman
Mangold é o bom diretor de N filmes dos mais variados estilos. Ou seja, é um profissional a moda antiga, se exercitando em tudo quanto é gênero. Fez um bom western, uma ótima bio, bons policiais...e esta filme cartoon. Sério, sério até demais. É um bom filme, mas falta um bocado de ação. Nota 6.
Dizer que todo o elenco está ótimo é chover no molhado, todo filme de Woody tem grandes atuações. Cate Blanchett chega ao milagroso, sua Jasmine tem uma tensão bergmaniana. Penso ser o melhor desempenho feminino desde Helen Mirren fazendo a rainha Elizabeth. A história é uma adaptação de Um Bonde Chamado Desejo para os dias de hoje, ou seja, Blanche seria mais consumista e Stanley menos viril. ( Aliás o filme me deu uma vontade doida de rever o filme de Kazan com Brando e Vivien Leigh fazendo misérias ). Para quem não viu e não aguenta mais as repetições de Woody um toque: o filme nada se parece com um tipico Woody Allen. É drama duro, forte, trágico, Allen não tem pena da pobre Jasmine. Esqueça o humor, esqueça a doce vida dos ricos neuróticos, é um drama pungente. Pobre Jasmine!!! Não há lugar para ela num mundo que ela sempre ignorou. Nota 7.
LIGADOS PELO AMOR de Josh Boone com Greg Kinnear, Jennifer Connely, Lily Collins
Como um dia foi Jack ou Ted, Josh é hoje o nome da moda nos EUA. Cool... Então o diretor, Josh, ganha o troféu de Josh de uma ano cheio de Joshs. O filme, uma bobeirinha delicada sobre uma aluninho de escola cool tãaaaaao sensível e apaixonado!, é de uma imbecilidade joshiana. Nota ZERO.
UM DIA EM NOVA YORK de Stanley Donen e Gene Kelly com Gene Kelly, Frank Sinatra e Ann Miller
Exuberante! A primeira direção da dupla é baseada num show histórico de Leonard Bernstein e Jerome Robbins. Filmado nas ruas de NY, com uma energia viril contagiante, mostra 24 horas na vida de 3 marujos em licença. Uma obra-prima. Nota DEZ!
CANTANDO NA CHUVA de Stanley Donen e Gene Kelly com Gene Kelly, Debbie Reynolds, Donald O`Connor, Jean Hagen
Dizer o que? Tem alguns dos melhores e mais famosos momentos de toda a história do cinema. Impressionante ele não ter ganho o Oscar de melhor tudo. NOTA MIL !!!!!!!
SR E SRA SMITH de Alfred Hitchcock com Robert Montgomery e Carole Lombard
Hitch estava na companhia de Selznick e resolveu fazer um filme com sua amiga, a grande Carole Lombard. Um veículo para essa brilahnte comediante ( que morreria em desastre de avião na sequencia ), é o menos tipico dos filmes americanos de Hitch. Marido e esposa descobrem que na verdade seu casamento foi ilegal, estão solteiros de novo...Nada de especial. Alguns movimentos de câmera são puro Hitch. Nota 5.
WOLVERINE IMORTAL de James Mangold com Hugh Jackman
Mangold é o bom diretor de N filmes dos mais variados estilos. Ou seja, é um profissional a moda antiga, se exercitando em tudo quanto é gênero. Fez um bom western, uma ótima bio, bons policiais...e esta filme cartoon. Sério, sério até demais. É um bom filme, mas falta um bocado de ação. Nota 6.
JOÃO PEREIRA COUTINHO E O MAL ( HITCHCOCK )
João Pereira Coutinho escreve na Folha sobre o fascínio da obra-prima Os Pássaros de Hitchcock. Conta que por mais que críticos e psicólogos, filósofos e cinéfilos tenham discutido o filme, nunca ninguém conseguiu dar uma razão para a agressão das aves. Porque elas se tornam más? Coutinho aproveita para escrever sobre o mal. Hitchcock não dá pista alguma, ou melhor, afirma que o mal não tem motivos.
Seja o "anjo negro", a sombra mal aceita, a pulsão de morte ou o equilíbrio Divino, todas essas pseudo-explicações para o mal nada explicam. São apenas nomes, e como todo nome, é arbitrário. São modos de se tentar pacificar aquilo que nos angustia, a inexplicável ocorrência da maldade. O mal acontece, nasce, domina e se vai. Porque? Matar como vingança não é O Mal, o Mal é matar sem motivo. Atacar sem provocação, e é isso que acontece no filme.
Coutinho não resiste a dar a explicação mais usada, a de que os pássaros simbolizam a maldade feminina. Hitch, que temia as mulheres, faz deles arautos da mulher ( Tippi Hedren ) que chega a ilha do filme. Mas Coutinho mostra o quanto essa tese é arbitrária, depende de se desejar aceitá-la, ou não.
Esse o segredo da modernidade eterna de Hitch, do fato dele ser o mais visto dos diretores clássicos. Ele nada explica, não dá motivos. Todos os personagens são neuróticos, todos agem de forma doida, mas nada tem explicação. Ele evita a ciência, evita toda cena explícita. Nada de gente lavando as mãos até sangrar, nada de drogas ou alcóol, o mal surge em meio a normalidade, a rotina é aparentemente normal, mas o mal, O Mal inexplicável sempre está lá, dando sua cor sombria a cada ato.
Os Pássaros é considerado um Hitch de segundo nível. Não acho. Ele é tão grande quanto Vertigo ou Janela Indiscreta, tão divertido quanto Intriga Internacional ou Os 39 Degraus. Hitchcock é o maior dos mestres por conseguir unir, em doses iguais, a diversão Pop e a alta arte. Agrada ao povão e aos metidos.
Mais um bom texto de Coutinho.
RESNAIS/ BERTOLUCCI/ HATHAWAY/ TOTÓ/ MARIO MONICELLI
SIMBAD E O OLHO DO TIGRE de Sam Wanamaker com Patrick Wayne e Taryn Power
Ray Harryhausen produziu e escreveu. E, claro, fez os efeitos especiais. Que não encantam. Ray foi perdendo o jeito conforme o tempo avançava. Seu apogeu se deu entre 1960/1964...aqui estamos em 1977... Nota 2.
ADRENALINA de Neveldine e Taylor com Jason Statham e Amy Smart
Voces sabem: injetam uma droga num matador profissional. Sua adrenalina não pode parar ou ele morre. Então ele corre, briga, bebe cafeína, faz sexo e briga. O filme é hilário! Tem um milhão de efeitos e todos os vicios do cinema atual: é vazio, sem pensamento, anti-estético e grosseiro. Mas tudo é perdoado por sua falta de pose. Ele se sabe idiota e admite sua popicidade teen. Isso o redime. Como condenar algo que me deu hora e meia de prazer? Nota 6.
MR.MAGOO de Stanley Tong com Leslie Nielsen e Kelly Lynch
Se não é a pior comédia da história...chega perto disso. Leslie era ótimo, mas este filme é uma roubada! Em tempo: Inácio Araújo falou esta semana da boa fase que a comédia viveu nos anos 80. Ele citou Steve Martin, John Candy, Crystal, Murray...Comédias que ainda eram humanas, ainda tinham personagens com alguma profundidade. Ele se esqueceu de Leslie Nielsen. Este filme? Esqueça! Nota ZERO
POLICIA E LADRÃO de Mario Monicelli e Steno com Totó e Aldo Fabrizi
Seria Totó o maior humorista da história do século XX? Nascido como um nobre italiano, tornado ator, o rosto de Totó, sua voz, os movimentos de seu corpo, são das coisas mais elaboradas, mais encantadoras da arte do riso. Aqui ele é um malandro que vive de golpes. Aldo Fabrizi é o policial que o persegue. Estamos na Roma de 1951. Uma cidade inacreditávelmente pobre. O filme é todo entre lama e favelas. E seu povo. Um pensamento: o povo mais anti-americano do mundo nunca foi o russo. É o italiano. Vemos o porque neste filme. Há um orgulho em se burlar a lei, em não se fazer nada, um prazer no improviso, no diálogo cheio de duplos sentidos, na vagabundagem, na negação a produção e ao tempo como dinheiro. E ao final, o ápice do humanismo, o policial e o ladrão se reconhecem como atores de um mesmo drama, como faces da mesma verdade. Monicelli amava gente. Seu cinema é sempre um olhar amoroso a gente comum. A gente que luta para poder continuar a lutar. Este filme, em que pese o começo hesitante, é maravilhoso! Nota 9.
VOCÊS AINDA NÃO VIRAM NADA! de Alain Resnais com Pierre Arditi, Lambert Wilson, Sabine Azéma e Michel Picoli
Por quinze minutos o filme parece ser fascinante. Sentimos na tela a inteligência de Alain Resnais. Ele que é um dos mais intelectualizados dos diretores da história. Aos quase cem anos de idade, vemos nesses minutos a promessa de invenção. Como aconteceu com Altman, que morreu mais jovem que 99% dos diretores, Resnais nos provoca e promete. Mas então tudo se arruina. O filme morre em diálogos frios e em truques que se repetem. O tédio chega avassalador. Impossível suportar. Chato, chato e chato. Darei um 4 para Resnais? Ou sairei pela tangente da covardia do sem nota? Não, darei a nota: 3.
TRAMA MACABRA de Alfred Hitchcock com Bruce Dern, Barbara Harris e Karen Black
É o último filme do mestre e eu lembro das críticas da época: péssimas. Os críticos tinham prazer em falar da pobreza do roteiro e da indigência das imagens. Well...visto hoje, neste tempo de roteiros pobres e imagens banais, este filme parece menos ruim. Mas continua a ser comum. Na verdade ele é como um bom episódio de alguma série de tv. Toda a primeira parte é bem chata, a parte final se encontra em ação interessante e bom suspense. O mestre havia morrido para o cinema em 1964 com Marnie. Deu um suspiro em 1972 com o ótimo Frenesi. Este deve ser evitado. Nota 4.
EU E VOCÊ de Bernardo Bertolucci
Ainda não estreou aqui. Bernardo achou um jovem ator que tem a cara do Malcolm McDowell da Laranja Mecânica de Kubrick. E o filme é esse rosto. Confesso ser suspeito para falar deste filme. Eu fui aos 15 anos como aquele jovem. Ele usa cabelo longo e tem espinhas. Nas férias finge ir a excursão da escola. Na verdade ele se isola no porão de sua própria casa. Lá, com comida estocada, roupas e bebida, ele pensa poder ser feliz. Mas uma meia-irmã, junkie, surge e muda tudo. O filme termina ( ele é curto ), com David Bowie -Space Oddity. Bertolucci continua adolescente. Isso é emocionante. Ele olha para o garoto como cúmplice. Em 1968 ele filmou Partner, retrato do adolescente de então. Um filme esquizóide e hiper-radical. E desde então ele tem nos dado esses retratos de adolescentes e de seus tempos. Não sei se este jovem é um cara de 2013. Como falei, eu fui como ele e não fui/sou um adolescente de 2013. É um filme modesto, sem compromisso, franciscano, pobre. E que apesar de ter tanta coisa para me agradar me deixou entediado. Fácil saber porque. Se o garoto tem um rosto que funciona, a irmã é uma mala-sem-alça, feita por atriz limitada e pouco marcante. Quando ela surge o filme desaba. Já que o jovem me lembrou McDowell, bem que Bernardo podia ter conseguido uma "Maria Schneider". Nota 6.
A LEGIÃO SUICIDA de Henry Hathaway com Gary Cooper e David Niven
Hathaway foi um dos grandes diretores de aventura do cinema. Nos anos 30, ele, Wellman e Curtiz criaram toda a forma, todo o molde que seria usado naquilo que até hoje é o filme de aventuras. Um herói solitário e nobre, a ação que irrompe súbita, as façanhas, o humor do amigo do herói, a "mocinha" que o ajuda, o vilão frio e trapaceiro. Esqueça a modernidade, este filme prega o colonialismo desavergonhadamente. Filipinas. Americanos ensinam os "nativos" a se defender. Cooper, sempre elegante e sempre com sua voz firme e o olhar alegre, é um médico que serve o exército. O filme tem assassinatos, doenças, rivalidades, brigas e emboscadas. A ação é muito boa. Uma bela diversão à antiga. Nota 7.
O QUE É O CINEMA? - UMA VERDADE ESCRITA POR ANTHONY ROXY THE THIRD, EARL OF LADY TOWER'S FLAME
Desculpem, mas a verdade é esta.
Uma pessoa que não é muito amante de livros escolhe seus títulos pelo TEMA. Um livro que fale de seu trabalho ou de um lugar que ela quer conhecer ou um bio de um ídolo seu. Esse leitor NÂO está muito interessado em estilo. O que lhe importa é o que é DITO e não COMO é desenvolvido. Ele jamais irá se interessar por um livro sobre aquilo que ele não viveu ou viu. A ARTE passa a milhas de seu interesse.
O mesmo como cinema. Há quem confunda um grande filme com um TEMA que lhe interesse. Desse modo é comum, banal e até vulgar ver psicólogos que acham Cisne Negro um grande filme, sociólogos que adoram Michael Moore e deprimidos que caem no conto do vigário de Von Trier. São bons filmes? Claro que não. São temas que apaixonam a alguns e esses alguns geralmente nada sabem de cinema. São pessoas incapazes de se interessar por um filme que não ESPELHE aquilo que ela vive. O que as seduz não é a ARTE do autor ou do roteiro, é apenas o tema. São analfabetas em termos de linguagem cinematográfica.
Nenhuma ARTE sofre mais com isso que a música. A maioria dos ouvintes é incapaz de apreciar música instrumental pelo simples fato de que a música sem palavras não tem um tema, um discurso. A extrema abstração musical nada lhes diz. Precisam que a música também reflita o mundinho onde vivem. Música em si não importa.
Evito falar sobre ARTE com esses fariseus do mal-gosto. Sempre óbvios, serão fãs de filmes/ livros/ músicas que rodem sem parar sobre os mesmos assuntos. Pior, que sejam espelhos daquilo que eles são ou pensam ser. A LINGUAGEM da ARTE é um código sensível totalmente incompreensível a eles. Mais que isso, eles nem suspeitam de sua existência.
Por isso meu AMIGO, esqueça e fique frio.... Ou voce nunca leu algo sobre pérolas jogadas aos porcos?
PS: Qualquer cinéfilo sabe. O verdadeiro nó que diferencia aqueles que sabem LER filmes daqueles que apenas percebem o óbvio está em Howard Hawks e Hitchcock . Filmes em que o tema não tem a menor importãncia, filmes quase abstratos em que o que importa é a combinação de ritmos, de imagens e de emoções. Eles nada tinham a DIZER, pois Hawks e Hitch não faziam livros. Eles faziam cinema puro, ARTE do movimento. Falavam por luz e sombra. Ação.
Sacou?
ANNA KARENINA/ MARNIE/ EUGENE O'NEILL/ BLIER/ KIM KI DUK
O RISCO DE UMA DECISÃO de Richard Brooks com Gene Hackman, James Coburn e Candice Bergen
No início do século XX, uma corrida entre cavaleiros. O filme tem uma visão sensível, os cavalos são as vítimas. Hackman, excelente, é um cowboy humanizado. Ele ama os bichos. Coburn faz seu tipo de sempre, e isso é uma benção: um putanheiro, cachaceiro, malandro. O filme, do viril Brooks, é delicioso. A ação tem porque e os diálogos são ferinos. Brooks começou como pupilo de John Huston. Seu estilo é hustoniano: direto e sem firulas. Nota 7.
MARNIE de Alfred Hitchcock com Tippi Hedren, Sean Connery e Diane Baker
O filme mais doentio de Hitch. Fala de uma cleptomaníaca. Connery é o milionário assaltado por ela que tenta a ajudar. É um filme desagradável. Feio. Hitch vai fundo no aspecto neurótico da personagem. Ela suja as imagens, borra a música, desfaz qualquer chance de beleza. O filme resulta como um tipo de pesadelo febril. Longe de seus melhores filmes, mesmo assim é obra invulgar. Há quem o adore. Não eu. Nota 6.
PIETÁ de Kim Ki Duk
Um filme diferente dos habituais de Duk. Aqui o visual é pobre, feio. Tudo se passa num tipo de labirinto urbano, onde um homem trabalha como torturador. Ele quebra ossos de pessoas que devem dinheiro. Sem sentimentos, sua primeira cena é uma masturbação. Surge em sua vida uma mulher que confessa ser sua mãe. Ele bate nela, a humilha... O tema é religioso, Duk é budista. Todos cumprem carmas aqui. Mas o filme é aborrecido, sem emoção, frio. Nota 2.
A FILHA DA MINHA MULHER de Bertrand Blier com Patrick Dewaere
Blier sempre ousa. Às vezes acerta, e quando acerta faz um filme soberbo como Corações Loucos. Quando erra faz um filme irritante, como este. Dewaere é casado. A esposa morre e lhe deixa a filha de outro casamento. Ele rouba-a do pai verdadeiro e ela o seduz. Cenas de cama, nudez, tudo liberado. Sem culpas. Hoje seria pedofilia, em 1981 era apenas "bem louco". O filme é árido. Não há emoção, tudo é feito sem sentimentos e sem sentidos. No final ele fica sem sua enteada, mas já de olho numa menina de 9 anos, filha de sua nova esposa-adulta. Dewaere era ídolo do cinema francês. Aqui já mostra as marcas do vicio que o mataria em seguida. Parece um zumbi doente. Como disse, Blier é sublime ou nojento. Nota 3.
LONGA JORNADA NOITE ADENTRO de Sidney Lumet com Katharine Hepburn, Ralph Richardson, Jason Robards e Dean Stockwell
Eugene O'Neill foi, entre 1930-1960, o rei da intelectualidade americana. Um tipo de ídolo-gurú de quem era sério. Segundo americano a vencer o Nobel, suas peças são poços de angústia, desespero, vazio. Esta famosa peça foi sua herança. Escrita, ela só pode ser encenada após a morte do autor. Isso porque ela é muito autobiográfica. Uma familia está reunida numa casa de praia. O pai é um vaidoso e muito sovina ex-ator. A mãe é viciada em morfina e mergulha na loucura. O filho mais velho é um alcoólatra raivoso. E o mais novo é tuberculoso e volta à casa após ser marinheiro ( esse é Eugene O'Neill em auto-retrato ). A peça exibe as brigas, culpas e o aniquilamento do grupo familiar. É um tipo de texto que marcou a arte americana. Até hoje americanos sérios acham que arte deve ser assim, uma longa jornada noite adentro. O filme é pesado, estático, teatral e interminável. Lumet nada faz para disfarçar sua origem teatral. O que vemos são os atores e seu texto. Kate não está bem. Ela exagera. Ralph dá um show. O pai é tolo, frio, auto-centrado, um pavão egoísta. Jason Robards nos aterra. Tem ira, tem medo, tem inteligência destrutiva. E bebe. Dean está ok. Frágil, titubeante. Tennessee Willians roubaria de Eugene a centralidade do teatro americano. A ênfase deixaria de ser masculina-problemática e passaria a ser feminina-sonhadora. O filme não é bom. Mas vale a pena.
ANNA KARENINA de Joe Wright com Keira Knightley, Jude Law, Mathew MacFayden
Um grande filme! Dias depois ainda está em nossa alma. Bonito, forte, bem dirigido e muito bem interpretado, é o melhor filme de 2012. Algumas de suas cenas são obras-primas em encenação. Joe sabe tudo de montagem, de fotografia, orquestra uma polifonia de rostos e de vozes que fazem sentido todo o tempo. O filme, arriscado, nunca se perde. Navega pela obra de Tolstoi sem nunca ficar a deriva. Não é perfeito, não poderia ser, Tolstoi não se presta a simplificações. Mas em termos de cinema é um triunfo. Joe Wright ainda não errou. Nota 9.
UM PARTO DE VIAGEM de Todd Philips com Robert Downey Jr., Zach Galifianakis
Não tem graça. E pior, para quem conhece um pouco de cinema, dá para notar cada um dos plágios. Todd usa dúzias de ideias de outros filmes. Rouba, não cita. Mas, pasmem, o filme não é ruim! Graças a dois atores com carisma, voce consegue assistir toda aquela bobagem e melhor, é um filme curto. É sobre dois caras que são obrigados a cruzar 3 estados americanos juntos. Sim, Steve Martin e John Candy fizeram isso melhor em 1988... Nota 5.
O LADO BOM DA VIDA/ HITCHCOCK/ SOPHIA LOREN/ REVOLUÇÃO SEXUAL
O LADO BOM DA VIDA de David O. Russel com Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert De Niro, Chris Tucker, Jacki Weaver
Um casal de desajustados anda pelas ruas. Ele tem saudades da ex-esposa. Lentamente esse novo casal, que foi apresentado por amigos, vai se envolvendo. Mas seus problemas emotivos costumam atrapalhar tudo e dar ao filme seus momentos de humor. Poderia esse ser um resumo de Manhattan ou de Annie Hall. Mas infelizmente não é. O filme é este O Lado Bom da Vida. Ele não é ruim. É um filme muito gracinha. Um fofo. Um querido. Mas é ao mesmo tempo profundamente conservador, careta, reaça, antigo. Isento de sexo, de crítica social, de qualquer sinal de ousadia. Por que cobro ousadia deste filme? Porque me irrita essa coisa de se colocar gente pseudo-moderninha, gente com problemas "modernos" em filmes que no fundo são tão comodistas. Transforme o cara num alcoólatra vulgar no lugar de ser um bipolar, e transforme a mocinha numa descasada com roupas comuns e voce terá um filme de Doris Day. Mas dá pra ver algo de ainda pior. É uma comédia sem graça e um drama sem seriedade. E Jennifer Lawrence, por favor!, nada faz de especial, é uma atuação de rotina. A indústria resolveu que ela é a Jennifer da vez e poderá ganhar o Oscar numa atuação tão comum como as que premiaram Gwyneth Paltrow e Reese Witherspoon. O filme é de Mr.Cooper, e nos limites do roteiro pobre, ele se sai bem. Aliás se assistirmos ao filme esquecendo do absurdo de suas 8 indicações ( antigamente 8 indicações era coisa só para filmes excelentes ), poderemos ver um bom filme tipo Sessão da Tarde. Os personagens são simpáticos e torcemos pela mocinha e pelo mocinho. Torcemos mesmo. A gente sente peninha deles. O que nunca aconteceu com os personagens de Woody Allen. A gente pode odiar, mas nunca sente dó de Annie Hall e de Alvin. Escuta gente: a neurose foi extinta? Cooper nada tem de neurótico. Ele nada questiona, nada critica, não vai fundo em nada, nada tem a dizer. Nem chato ele é! Ele apenas sofre com seu TOC e fica nessa coisa de manias e obsessão. Não estou falando que ser neurótico é cool. Apenas digo que cada época tem sua doença e que hoje temos TOC e deprê. Em 1976 era a neurose. Talvez não tenhamos mais neuróticos porque não há bons comprimidos para eles. A neurose é traço da alma, não tem como curar. Não é sintoma, é um caráter. Termino dizendo que cada geração tem seu Annie Hall. Em 1989 foi Harry e Sally e em 2013 é este filme. Ah, ia esquecendo, De Niro faz De Niro de novo. Nota 6.
HITCHCOCK de Sacha Gervase com Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlet Johanson, Toni Colette, Jessica Biel e James D'Arcy
Tem uma comovente imitação de Anthony Perkins feita por James D'Arcy. E um belo retrato de Hitch por um Hopkins contido. Como em todo filme que tem sua presença, Helen Mirren engole todo o elenco e domina o filme. Sem forçar. Scarlet imita Janet Leigh. A esposa de Tony Curtis era tão adorável que fazendo Leigh até Scarlet ficou mais humana. O filme é uma delicia. O momento em que a trilha de Bernard Herrman comparece na cena do chuveiro em Psycho é sublime. Um adendo: crianças que começaram a ver filmes agora tendem a não compreender o porque de tanta idolatria por Hitchcock. Ora meus novatos, todos os filmes que voces amam são hitchcockianos! O mestre inglês foi o cara que criou o cinema como "manipulação das emoções do público". Filmes planejados para dar emoções e reações a seu público. Hitch não contava histórias, ele criava sensações. Esse é o cinema, quando bom, de agora. Este filme cria uma sensação: a de testemunharmos a criação de um filme ícone. Nota 8.
VÍCIOS PRIVADOS, VIRTUDES PÚBLICAS de Miklós Jancsó
Nudez frontal feminina e masculina todo o tempo. Masturbação explícita. Só dois cenários: um jardim e um salão. Um fiapo de história: dois jovens herdeiros resolvem sabotar o reino dopando toda a nobreza e fotografando uma orgia com duques, barões etc. Esse será o estopim da revolução. Jancsó é considerado por alguns o maior diretor do cinema húngaro. Foi famoso nos anos 60/70, e este filme, de 1976, tem a cara da década mais doida, é exagerado, otimista, tolo, brega, sem noção, despudorado, sujo e feio. E chato. Não tem história, não tem emoção, não tem nada. Tudo o que vemos são pênis, seios, muitas bundas, vaginas, e ouvimos risos, risos e mais risos. Hora e meia de uma cena dionisíaca. Seria bom estar lá, assistir cansa. Houve um tempo em que se tinha a certeza de que toda a tristeza do mundo vinha da repressão ao sexo. Liberando o sexo haveria naturalmente uma renascença. Os seres, livres, fariam uma revolução social e implantariam um socialismo libertário no planeta. Todos seriam felizes, sem patrões e com muito sexo. Essa era a fé da década. Daí seu otimismo. Jamais imaginaram que a liberdade sexual seria usada como produto e o gozo como objetivo em si-mesmo. Cães copulam a vontade e nem por isso são mais ou menos revolucionários. A liberdade é coisa muito mais individualista que a geração dos anos 60 queria crer. Não darei nota porque isto não é cinema. É uma tese.
A BELA MOLEIRA de Mario Camerini com Sophia Loren, Marcello Mastroianni e Vittorio de Sica
Não seria Sophia a maior estrela do cinema mundial ainda viva? Felizmente viva. Ela é tão grande quanto Audrey, Liz Taylor ou Brigitte Bardot. De todas é a mais sensual, carnal, saudável. Uma festa na tela. Aqui, muito jovem e ao lado do sempre brilhante Marcello, ela faz uma camponesa que por ser bonita não padece dos impostos cobrados pelos invasores espanhóis na Nápoles de 1700. Marcello é seu marido, um malandro que começa a sentir ciúmes. É apenas isso, um alegre passatempo sobre a bella e alegre Itália. A direção é bastante tosca, mas os atores nos dão calor e encanto. Vale a pena. Nota 6.
Um casal de desajustados anda pelas ruas. Ele tem saudades da ex-esposa. Lentamente esse novo casal, que foi apresentado por amigos, vai se envolvendo. Mas seus problemas emotivos costumam atrapalhar tudo e dar ao filme seus momentos de humor. Poderia esse ser um resumo de Manhattan ou de Annie Hall. Mas infelizmente não é. O filme é este O Lado Bom da Vida. Ele não é ruim. É um filme muito gracinha. Um fofo. Um querido. Mas é ao mesmo tempo profundamente conservador, careta, reaça, antigo. Isento de sexo, de crítica social, de qualquer sinal de ousadia. Por que cobro ousadia deste filme? Porque me irrita essa coisa de se colocar gente pseudo-moderninha, gente com problemas "modernos" em filmes que no fundo são tão comodistas. Transforme o cara num alcoólatra vulgar no lugar de ser um bipolar, e transforme a mocinha numa descasada com roupas comuns e voce terá um filme de Doris Day. Mas dá pra ver algo de ainda pior. É uma comédia sem graça e um drama sem seriedade. E Jennifer Lawrence, por favor!, nada faz de especial, é uma atuação de rotina. A indústria resolveu que ela é a Jennifer da vez e poderá ganhar o Oscar numa atuação tão comum como as que premiaram Gwyneth Paltrow e Reese Witherspoon. O filme é de Mr.Cooper, e nos limites do roteiro pobre, ele se sai bem. Aliás se assistirmos ao filme esquecendo do absurdo de suas 8 indicações ( antigamente 8 indicações era coisa só para filmes excelentes ), poderemos ver um bom filme tipo Sessão da Tarde. Os personagens são simpáticos e torcemos pela mocinha e pelo mocinho. Torcemos mesmo. A gente sente peninha deles. O que nunca aconteceu com os personagens de Woody Allen. A gente pode odiar, mas nunca sente dó de Annie Hall e de Alvin. Escuta gente: a neurose foi extinta? Cooper nada tem de neurótico. Ele nada questiona, nada critica, não vai fundo em nada, nada tem a dizer. Nem chato ele é! Ele apenas sofre com seu TOC e fica nessa coisa de manias e obsessão. Não estou falando que ser neurótico é cool. Apenas digo que cada época tem sua doença e que hoje temos TOC e deprê. Em 1976 era a neurose. Talvez não tenhamos mais neuróticos porque não há bons comprimidos para eles. A neurose é traço da alma, não tem como curar. Não é sintoma, é um caráter. Termino dizendo que cada geração tem seu Annie Hall. Em 1989 foi Harry e Sally e em 2013 é este filme. Ah, ia esquecendo, De Niro faz De Niro de novo. Nota 6.
HITCHCOCK de Sacha Gervase com Anthony Hopkins, Helen Mirren, Scarlet Johanson, Toni Colette, Jessica Biel e James D'Arcy
Tem uma comovente imitação de Anthony Perkins feita por James D'Arcy. E um belo retrato de Hitch por um Hopkins contido. Como em todo filme que tem sua presença, Helen Mirren engole todo o elenco e domina o filme. Sem forçar. Scarlet imita Janet Leigh. A esposa de Tony Curtis era tão adorável que fazendo Leigh até Scarlet ficou mais humana. O filme é uma delicia. O momento em que a trilha de Bernard Herrman comparece na cena do chuveiro em Psycho é sublime. Um adendo: crianças que começaram a ver filmes agora tendem a não compreender o porque de tanta idolatria por Hitchcock. Ora meus novatos, todos os filmes que voces amam são hitchcockianos! O mestre inglês foi o cara que criou o cinema como "manipulação das emoções do público". Filmes planejados para dar emoções e reações a seu público. Hitch não contava histórias, ele criava sensações. Esse é o cinema, quando bom, de agora. Este filme cria uma sensação: a de testemunharmos a criação de um filme ícone. Nota 8.
VÍCIOS PRIVADOS, VIRTUDES PÚBLICAS de Miklós Jancsó
Nudez frontal feminina e masculina todo o tempo. Masturbação explícita. Só dois cenários: um jardim e um salão. Um fiapo de história: dois jovens herdeiros resolvem sabotar o reino dopando toda a nobreza e fotografando uma orgia com duques, barões etc. Esse será o estopim da revolução. Jancsó é considerado por alguns o maior diretor do cinema húngaro. Foi famoso nos anos 60/70, e este filme, de 1976, tem a cara da década mais doida, é exagerado, otimista, tolo, brega, sem noção, despudorado, sujo e feio. E chato. Não tem história, não tem emoção, não tem nada. Tudo o que vemos são pênis, seios, muitas bundas, vaginas, e ouvimos risos, risos e mais risos. Hora e meia de uma cena dionisíaca. Seria bom estar lá, assistir cansa. Houve um tempo em que se tinha a certeza de que toda a tristeza do mundo vinha da repressão ao sexo. Liberando o sexo haveria naturalmente uma renascença. Os seres, livres, fariam uma revolução social e implantariam um socialismo libertário no planeta. Todos seriam felizes, sem patrões e com muito sexo. Essa era a fé da década. Daí seu otimismo. Jamais imaginaram que a liberdade sexual seria usada como produto e o gozo como objetivo em si-mesmo. Cães copulam a vontade e nem por isso são mais ou menos revolucionários. A liberdade é coisa muito mais individualista que a geração dos anos 60 queria crer. Não darei nota porque isto não é cinema. É uma tese.
A BELA MOLEIRA de Mario Camerini com Sophia Loren, Marcello Mastroianni e Vittorio de Sica
Não seria Sophia a maior estrela do cinema mundial ainda viva? Felizmente viva. Ela é tão grande quanto Audrey, Liz Taylor ou Brigitte Bardot. De todas é a mais sensual, carnal, saudável. Uma festa na tela. Aqui, muito jovem e ao lado do sempre brilhante Marcello, ela faz uma camponesa que por ser bonita não padece dos impostos cobrados pelos invasores espanhóis na Nápoles de 1700. Marcello é seu marido, um malandro que começa a sentir ciúmes. É apenas isso, um alegre passatempo sobre a bella e alegre Itália. A direção é bastante tosca, mas os atores nos dão calor e encanto. Vale a pena. Nota 6.
HITCHCOCK- SACHA GERVASE, UMA EXPLICAÇÃO SOBRE UM GÊNIO
Para aqueles que amam o cinema, é um filme emocionante. Para fâs de Hitchcock, obrigatório. O filme, discretamente dirigido, fala dos bastidores da produção de Psycho. Ao mesmo tempo revela a relação de Hitch com sua esposa, Alma. Para quem conhece Hitch, a coisa é uma delicia.
Tudo começa com o sucesso de INTRIGA INTERNACIONAL. O mais divertido dos filmes do mestre. Em seguida ele recebe a oferta de dirigir o primeiro filme de James Bond, que seria então Casino Royale. Hitch não aceita, não quer fazer sempre o mesmo filme. A Paramount, e essa é uma das delicias do filme, não quer um novo Hitch diferente, não quer mais Vertigo ou O Homem Errado, grandes fiascos de bilheteria. Ela quer mais Intriga Internacional. A Paramount briga com Hitch e ele tem de fazer em produção independente Psycho, um filme que ninguém quer produzir. Se o filme não der lucro Hitch estará quebrado.
Essa a base do filme, mas ele tem muito mais. Alma, frustrada no casamento frio e sem sexo, se envolve com um escritor banal. É ela quem salva Psycho na sala de edição e insiste em ter a música de Bernard Herrman na cena do chuveiro. Este filme revitaliza a música. Quando ouvimos a melodia das facadas sentimos o quanto Herrman era genial. Se sua trilha de Vertigo é a obra-prima das trilhas de cinema, os acordes de Psycho são os mais marcantes. No fim do filme, quando um Hitch tenso, espia a reação da platéia à cena do chuveiro, e observa que eles reagem exatamente como ele queria, nós, público de hoje, após mais de 50 anos de imitações de Psycho, sentimos toda a carga de emoção que deve ter havido naquela noite de 1960. Só por essa cena o filme já vale muito.
James D'Arcy faz Anthony Perkins. A atuação de Perkins como Norman Bates é uma das cinco ou seis mais icônicas dos últimos 50 anos. Perkins é uma figura comovente em sua mistura de fragilidade e crueldade. D'Arcy em suas poucas cenas dá um show. Ele é Anthony Perkins! O andar hesitante, a voz reprimida, o homossexualismo reprimido, a ansiedade, é uma atuação imitativa, não criativa, mas para quem como eu adora Perkins, é um prazer vê-lo vivo outra vez. Scarlet Johanssen está calorosa como Janet Leigh. Simpática, simples e sexy, como Leigh era. E fazer Scarlet parecer humana já é por si um mérito. O filme tem ainda em seu elenco sublime Toni Colette, Jessica Biel e o filho de John Huston, Danny, que tem filmado muito.
Anthony Hopkins é da velha escola inglesa de atuação. O estilo inglês não permite o surgimento de um Heath Ledger ou de um De Niro. O ator não se torna o personagem. Jamais deve se emocionar com a atuação. O controle sobre a atuação, essa é a lei. No estilo criado nos EUA por Brando, Dean e Montgomery Clift, o ator busca dentro de si o personagem. Ele mergulha dentro de suas emoções, encontra o personagem e passa a ser dominado por ele. No estilo inglês, sua inteligência observa o personagem "de fora", cria as peculariedades desse tipo e doma esse caráter. Hopkins é assim. Ele nunca foi Hannibal Lecter, ele criou Hannibal Lecter. Seu Hitch nunca é caricato. E não é Hitch. É sempre um ator, brilhante, fazendo o que seria um Hitchcock possível. Perfeito. Helen Mirren é da mesma escola. Acho que ela é a única atriz a ter trabalhado com Michael Powell e que ainda está viva. Dizer o que? Helen é tão perfeita aqui que não percebemos sua atuação. Nada parece dificil, forçado, sofrido. Ela é Alma Reville. Discreta, reprimida, dura, decidida. E que quase fraqueja com o escritor ruim vivido por Danny Huston. Nos últimos quinze anos nenhuma atriz tem a coleção de grandes atuações que Mirren tem. Não levará o Oscar, mas tem minha torcida. Sempre.
Ao final Psycho é um grande sucesso. E um corvo pousa no ombro de Hitch anunciando seu próximo filme, Os Pássaros. Que será mais uma obra-prima. Para quem conhece pouco a história do cinema, devo dizer que Hitch é tão importante por ter sido o criador do cinema como "emoção dirigida". Alfred Hitchcock foi o primeiro mestre a pensar, planejar e obter a emoção e reação que ele desejava. Antes dele o que guiava um diretor era o desejo de contar uma boa história. Com Hitch passa a ser o desejo de conseguir reações. E nesse processo ele criou todo o cinema feito de 1960 em diante. Uma busca incessante por reações, por emoções, por respostas imediatas.
Como diz o filme, ele não era levado a sério. Os críticos preferiam Elia Kazan, George Stevens ou John Huston. O público o amava. Truffaut e Chabrol foram os primeiros a observar que o que ele fazia era unir a alta arte ao popular. E nisso ele foi também um pioneiro. Ele expunha taras, frustrações, doenças, medos, e mesmo assim conseguia divertir. Apesar de Ford, Murnau, Kurosawa, ninguém chegou onde ele chegou.
PS: ele nunca ganhou um Oscar. Como Orson Welles, Kubrick, Michael Powell, Anthony Mann ou Tarantino. A seleção dos derrotados é tão boa quanto dos vencedores.
PS: E nos EUA de hoje ainda se fala de Jerry Lewis como exemplo de mal cinema!!! Que saco! Jerry era bom e não tinha culpa de ser o rei da Paramount. Esqueçam Jerry Lewis! Viva Jerry Lewis!
PS: Vertigo é hoje considerado o maior filme americano da história. Desbancou KANE. É a história de um impotente que força uma mulher a se tornar a ex-amada que morreu. Ele acaba por levar essa mulher à morte. Um dos mais trágicos filmes já feitos. E quase sem diálogos. Hitchcock riu por último.
Tudo começa com o sucesso de INTRIGA INTERNACIONAL. O mais divertido dos filmes do mestre. Em seguida ele recebe a oferta de dirigir o primeiro filme de James Bond, que seria então Casino Royale. Hitch não aceita, não quer fazer sempre o mesmo filme. A Paramount, e essa é uma das delicias do filme, não quer um novo Hitch diferente, não quer mais Vertigo ou O Homem Errado, grandes fiascos de bilheteria. Ela quer mais Intriga Internacional. A Paramount briga com Hitch e ele tem de fazer em produção independente Psycho, um filme que ninguém quer produzir. Se o filme não der lucro Hitch estará quebrado.
Essa a base do filme, mas ele tem muito mais. Alma, frustrada no casamento frio e sem sexo, se envolve com um escritor banal. É ela quem salva Psycho na sala de edição e insiste em ter a música de Bernard Herrman na cena do chuveiro. Este filme revitaliza a música. Quando ouvimos a melodia das facadas sentimos o quanto Herrman era genial. Se sua trilha de Vertigo é a obra-prima das trilhas de cinema, os acordes de Psycho são os mais marcantes. No fim do filme, quando um Hitch tenso, espia a reação da platéia à cena do chuveiro, e observa que eles reagem exatamente como ele queria, nós, público de hoje, após mais de 50 anos de imitações de Psycho, sentimos toda a carga de emoção que deve ter havido naquela noite de 1960. Só por essa cena o filme já vale muito.
James D'Arcy faz Anthony Perkins. A atuação de Perkins como Norman Bates é uma das cinco ou seis mais icônicas dos últimos 50 anos. Perkins é uma figura comovente em sua mistura de fragilidade e crueldade. D'Arcy em suas poucas cenas dá um show. Ele é Anthony Perkins! O andar hesitante, a voz reprimida, o homossexualismo reprimido, a ansiedade, é uma atuação imitativa, não criativa, mas para quem como eu adora Perkins, é um prazer vê-lo vivo outra vez. Scarlet Johanssen está calorosa como Janet Leigh. Simpática, simples e sexy, como Leigh era. E fazer Scarlet parecer humana já é por si um mérito. O filme tem ainda em seu elenco sublime Toni Colette, Jessica Biel e o filho de John Huston, Danny, que tem filmado muito.
Anthony Hopkins é da velha escola inglesa de atuação. O estilo inglês não permite o surgimento de um Heath Ledger ou de um De Niro. O ator não se torna o personagem. Jamais deve se emocionar com a atuação. O controle sobre a atuação, essa é a lei. No estilo criado nos EUA por Brando, Dean e Montgomery Clift, o ator busca dentro de si o personagem. Ele mergulha dentro de suas emoções, encontra o personagem e passa a ser dominado por ele. No estilo inglês, sua inteligência observa o personagem "de fora", cria as peculariedades desse tipo e doma esse caráter. Hopkins é assim. Ele nunca foi Hannibal Lecter, ele criou Hannibal Lecter. Seu Hitch nunca é caricato. E não é Hitch. É sempre um ator, brilhante, fazendo o que seria um Hitchcock possível. Perfeito. Helen Mirren é da mesma escola. Acho que ela é a única atriz a ter trabalhado com Michael Powell e que ainda está viva. Dizer o que? Helen é tão perfeita aqui que não percebemos sua atuação. Nada parece dificil, forçado, sofrido. Ela é Alma Reville. Discreta, reprimida, dura, decidida. E que quase fraqueja com o escritor ruim vivido por Danny Huston. Nos últimos quinze anos nenhuma atriz tem a coleção de grandes atuações que Mirren tem. Não levará o Oscar, mas tem minha torcida. Sempre.
Ao final Psycho é um grande sucesso. E um corvo pousa no ombro de Hitch anunciando seu próximo filme, Os Pássaros. Que será mais uma obra-prima. Para quem conhece pouco a história do cinema, devo dizer que Hitch é tão importante por ter sido o criador do cinema como "emoção dirigida". Alfred Hitchcock foi o primeiro mestre a pensar, planejar e obter a emoção e reação que ele desejava. Antes dele o que guiava um diretor era o desejo de contar uma boa história. Com Hitch passa a ser o desejo de conseguir reações. E nesse processo ele criou todo o cinema feito de 1960 em diante. Uma busca incessante por reações, por emoções, por respostas imediatas.
Como diz o filme, ele não era levado a sério. Os críticos preferiam Elia Kazan, George Stevens ou John Huston. O público o amava. Truffaut e Chabrol foram os primeiros a observar que o que ele fazia era unir a alta arte ao popular. E nisso ele foi também um pioneiro. Ele expunha taras, frustrações, doenças, medos, e mesmo assim conseguia divertir. Apesar de Ford, Murnau, Kurosawa, ninguém chegou onde ele chegou.
PS: ele nunca ganhou um Oscar. Como Orson Welles, Kubrick, Michael Powell, Anthony Mann ou Tarantino. A seleção dos derrotados é tão boa quanto dos vencedores.
PS: E nos EUA de hoje ainda se fala de Jerry Lewis como exemplo de mal cinema!!! Que saco! Jerry era bom e não tinha culpa de ser o rei da Paramount. Esqueçam Jerry Lewis! Viva Jerry Lewis!
PS: Vertigo é hoje considerado o maior filme americano da história. Desbancou KANE. É a história de um impotente que força uma mulher a se tornar a ex-amada que morreu. Ele acaba por levar essa mulher à morte. Um dos mais trágicos filmes já feitos. E quase sem diálogos. Hitchcock riu por último.
HITCHCOCK-O MELHOR DA TERRA/ TARANTINO/ PETER JACKSON/ NICOLAS CAGE/ RZA
KON-TIKI de Joachim Ronning e Espen Sandberg
Concorre a melhor filme estrangeiro no Oscar. E é melhor que Lincoln. Conta a história de Thor Heyerdahl, o antropólogo norueguês que em 1947 cruzou o Pacífico para provar sua teoria. Escrevi texto sobre o filme abaixo. Simples e bem narrado, é um filme bonito, inspirador. Nota 8.
O HOBBIT de Peter Jackson
O filme tem alguns problemas de planejamento. O livro é curto, Jackson resolveu fazer o filme em 3 partes. Dará um total de sete horas. Isso faz com que a narração seja lenta, feita de longas cenas de conversas. Ou seja, as crianças ficarão entediadas. Quanto aos adultos, bem, o filme é bastante infantil, então vá preparado para isso. Os cenários são lindos, as cenas de batalha excessivas, os diálogos infantis. Não é o lixo que alguns gostam de dizer, mas é aborrecido. Nota 3.
O HOMEM DOS PUNHOS DE FERRO de RZA com RZA
RZA escreveu, produziu, fez a trilha sonora, dirigiu e atuou. Vixe! Estamos diante de um novo Godard? Um novo Welles? Chaplin? Talvez seu ego ache isso, mas só seu ego ( e suas mocinhas ). O filme é risivel. Fala algo sobre a China de antigamente, misturado com rap, vingança e etc. O texto é tão babaca que parece piada. Os diálogos são dignos das piores letras de funk do Rio. É o pior filme do ano.
DJANGO de Tarantino com Jamie Foxx, Christoph Waltz e Leo di Caprio
Escrevi sobre ele abaixo. É uma boa diversão Pop. Cheio de humor, de boa ação e alguns diálogos afiados, tem atuações fantásticas de Waltz e de Leo. Os coadjuvantes também brilham, mas, que pena, Foxx não segura o personagem. O herói tem zero de carisma. E Tarantino estica o final, a meia hora derradeira podia ter sido eliminada. Mesmo assim temos o padrão Tarantino de diversão: boas músicas, frases bem sacadas e tipos interessantes. Divirta-se!!! Nota 7.
O RESGATE de Simon West com Nicolas Cage, Josh Lucas, Danny Huston e Malin Akerman
Bom filme de ação. Um cara rouba um banco e é preso. Após oito anos, solto, tem sua filha sequestrada. Adoro filmes de ação! São muito dificeis de fazer. É uma arte conseguir manter o suspense, a ação não parecer ofensivamente tola, saber quando cortar e quando deixar rolar. West é um bom diretor desse estilo. Assistimos o filme com prazer, torcemos, nos emocionamos. Cinema é arte de ação. Isto é cinema. Cage se diverte, e Malin Akerman é uma das mais bonitas atrizes de agora. Nota 6.
FRENESI de Alfred Hitchcock com Jon Finch, Alec McCowen e Vivien Merchant
Voce assiste os indicados ao Oscar deste ano. Tenta gostar deles, ver alguma arte naquilo tudo. Se convence de que o cinema ainda tem relevãncia. Mas daí vem o velho Hitch e acaba com as ilusões. Voce assiste Frenesi e lembra então de como um filme podia ser bom, do quanto o cinema era mágico. É até covardia!!! Hitchcock foi o maior cineasta da história! Veja este filme: Feito em 1972, é o penúltimo filme da carreira do mestre. Aqui Hitch volta a filmar em Londres, após 34 anos de USA. Nessa época, Hitchcock vinha de dois fracassos e era chamado de decadente. Mas com Frenesi ele ressuscita e volta ao sucesso. E que filme maravilhoso este é! Em Londres, mulheres são estranguladas com uma gravata. A policia procura o assassino. Ao mesmo tempo, acompanhamos um inocente que é acusado. Ou seja, tipico roteiro à la Hitchcock. Aqui escrito por Anthony Shaffer, um dos grandes teatrólogos ingleses de então. Este filme quebra alguns paradigmas de Hitch. As mulheres são todas feias, há cenas de nú e a violência é mais explícita. O filme é perfeito. Tem suspense, humor, e algumas cenas são aulas de direção. Veja aquela do estupro. A forma como a câmera foca os rostos, um seio, as pernas, os olhos. Veja a cena do segundo assassinato, a câmera saindo pelo corredor, descendo as escadas, e os sons da rua aumentando. São assinaturas de genialidade, são toques de estilo que Lincoln, Django ou PI não conseguem ter. A simplicidade refinada, o inesperado. As conversas do inspetor com a esposa são também obras-primas de humor, de inteligência artesanal. E o final, conciso, exato, matemático, sem apelação. Alfred Hitchcock, como não o venerar? Frenesi, que eu não revia a mais de 25 anos é absolutamente perfeito. Humilha a maioria dos filmes. Um maestro! NOTA UM MILHÃO.
Concorre a melhor filme estrangeiro no Oscar. E é melhor que Lincoln. Conta a história de Thor Heyerdahl, o antropólogo norueguês que em 1947 cruzou o Pacífico para provar sua teoria. Escrevi texto sobre o filme abaixo. Simples e bem narrado, é um filme bonito, inspirador. Nota 8.
O HOBBIT de Peter Jackson
O filme tem alguns problemas de planejamento. O livro é curto, Jackson resolveu fazer o filme em 3 partes. Dará um total de sete horas. Isso faz com que a narração seja lenta, feita de longas cenas de conversas. Ou seja, as crianças ficarão entediadas. Quanto aos adultos, bem, o filme é bastante infantil, então vá preparado para isso. Os cenários são lindos, as cenas de batalha excessivas, os diálogos infantis. Não é o lixo que alguns gostam de dizer, mas é aborrecido. Nota 3.
O HOMEM DOS PUNHOS DE FERRO de RZA com RZA
RZA escreveu, produziu, fez a trilha sonora, dirigiu e atuou. Vixe! Estamos diante de um novo Godard? Um novo Welles? Chaplin? Talvez seu ego ache isso, mas só seu ego ( e suas mocinhas ). O filme é risivel. Fala algo sobre a China de antigamente, misturado com rap, vingança e etc. O texto é tão babaca que parece piada. Os diálogos são dignos das piores letras de funk do Rio. É o pior filme do ano.
DJANGO de Tarantino com Jamie Foxx, Christoph Waltz e Leo di Caprio
Escrevi sobre ele abaixo. É uma boa diversão Pop. Cheio de humor, de boa ação e alguns diálogos afiados, tem atuações fantásticas de Waltz e de Leo. Os coadjuvantes também brilham, mas, que pena, Foxx não segura o personagem. O herói tem zero de carisma. E Tarantino estica o final, a meia hora derradeira podia ter sido eliminada. Mesmo assim temos o padrão Tarantino de diversão: boas músicas, frases bem sacadas e tipos interessantes. Divirta-se!!! Nota 7.
O RESGATE de Simon West com Nicolas Cage, Josh Lucas, Danny Huston e Malin Akerman
Bom filme de ação. Um cara rouba um banco e é preso. Após oito anos, solto, tem sua filha sequestrada. Adoro filmes de ação! São muito dificeis de fazer. É uma arte conseguir manter o suspense, a ação não parecer ofensivamente tola, saber quando cortar e quando deixar rolar. West é um bom diretor desse estilo. Assistimos o filme com prazer, torcemos, nos emocionamos. Cinema é arte de ação. Isto é cinema. Cage se diverte, e Malin Akerman é uma das mais bonitas atrizes de agora. Nota 6.
FRENESI de Alfred Hitchcock com Jon Finch, Alec McCowen e Vivien Merchant
Voce assiste os indicados ao Oscar deste ano. Tenta gostar deles, ver alguma arte naquilo tudo. Se convence de que o cinema ainda tem relevãncia. Mas daí vem o velho Hitch e acaba com as ilusões. Voce assiste Frenesi e lembra então de como um filme podia ser bom, do quanto o cinema era mágico. É até covardia!!! Hitchcock foi o maior cineasta da história! Veja este filme: Feito em 1972, é o penúltimo filme da carreira do mestre. Aqui Hitch volta a filmar em Londres, após 34 anos de USA. Nessa época, Hitchcock vinha de dois fracassos e era chamado de decadente. Mas com Frenesi ele ressuscita e volta ao sucesso. E que filme maravilhoso este é! Em Londres, mulheres são estranguladas com uma gravata. A policia procura o assassino. Ao mesmo tempo, acompanhamos um inocente que é acusado. Ou seja, tipico roteiro à la Hitchcock. Aqui escrito por Anthony Shaffer, um dos grandes teatrólogos ingleses de então. Este filme quebra alguns paradigmas de Hitch. As mulheres são todas feias, há cenas de nú e a violência é mais explícita. O filme é perfeito. Tem suspense, humor, e algumas cenas são aulas de direção. Veja aquela do estupro. A forma como a câmera foca os rostos, um seio, as pernas, os olhos. Veja a cena do segundo assassinato, a câmera saindo pelo corredor, descendo as escadas, e os sons da rua aumentando. São assinaturas de genialidade, são toques de estilo que Lincoln, Django ou PI não conseguem ter. A simplicidade refinada, o inesperado. As conversas do inspetor com a esposa são também obras-primas de humor, de inteligência artesanal. E o final, conciso, exato, matemático, sem apelação. Alfred Hitchcock, como não o venerar? Frenesi, que eu não revia a mais de 25 anos é absolutamente perfeito. Humilha a maioria dos filmes. Um maestro! NOTA UM MILHÃO.
GRACE KELLY- ROBERT LACEY, A MAIS BELA
Como namorou essa menina!!! Grace traçou todos os atores dos 11 filmes que fez. Desinibida, quando queria um homem ( seus favoritos eram bem mais velhos e seguros ), logo se jogava na cama e ia tirando a roupa. Mas seu fascínio, que fazia com que os homens a respeitassem, e mais que isso, ficassem loucos por ela, se devia ao fato de que por mais que ela se desse sem medo, havia algo nela que sempre parecia secreto, frio, não desvendado.
O pai de Grace Kelly foi herói olímpico americano. Campeão em remo individual, milionário no ramo de construções, morando na Filadélfia, Jack Kelly, católico, foi um exemplo para a América dos anos 20. Belo, rico, musculoso, viril, sempre sorrindo. Ele teve cinco filhos. Um deles também ganhou ouro em olimpíada e as outra foram todas um retrato do pai. Menos Grace Kelly. Ela não se interessava por esportes. Era frágil, sonhadora, quieta e muito tímida. A mãe, alemã luterana, rigida, tinha um irmão, tio George, ganhador de um pulitzer como autor de teatro. Solteirão, alegre, cheio de histórias, é esse ramo que Grace irá puxar. Grace irá estudar teatro, aprimorar a voz ( onde cada consoante é pronunciada ) e começará a carreira na tv, em peças ao vivo. Sempre elegante, quieta, católica devota, ela era vista no meio como alguém que não parecia ser como eles eram. Não parecia boêmia. Grace nunca precisou passar pelos testes, pelos apuros que atores iniciantes passam. Se tornou modelo e logo no primeiro filme, Matar ou Morrer, obteve sucesso. Com Hitchcock ela se torna uma estrela e em 1954 ganha um imerecido Oscar de melhor atriz ( adoro Grace, mas foi uma das maiores injustiças da história ). Em meio a esses bons modos, às idas à igreja e as compras, Grace manteve vários casos. Ela jamais foi desleal com ninguém, nunca manteve duas relações ao mesmo tempo, mas era, segundo relatos, um vulcão absoluto. Ela amava sexo.
O melhor filme de Grace, claro, é de Hitchcock : Janela Indiscreta. Onde ela está mais bonita, também é de Hitch: Disque M para Matar. Mas onde ela é mais ela-mesma, onde tudo é feito para ela: High Society.
Em 1956 Grace Kelly larga o cinema no auge de seu sucesso. Tinha só 26 anos. Casa-se com Rainier, o principe de Mônaco. Seu novo papel é ser princesa. Dedica-se a causas sociais e tem 3 filhos, Albert, Caroline e Stephanie. Em 1982, eu lembro do dia, acabara de voltar da França, ela morre em acidente de carro em Mônaco. Num Land Rover que ela dirigia. Tinha 52.
Grace Kelly, como James Dean, poderia ter passado como estrela pelo cinema dos anos 60. Em 1970 ela teria 40 anos, ou seja, estaria em seu apogeu ( ela nasceu no mesmo ano que Clint ). Poderia ter feito filmes chiques com Blake Edwards e Stanley Doner, ter participado da renovação com Lumet e Pollack. Ter contracenado com Steve McQueen ( outro nascido em 1930 ) e Paul Newman. Mas, se ela tivesse feito tudo isso não seria Grace Kelly. Na verdade o cinema lhe foi um acidente. Ela deu a ela a honra de sua presença, tão breve ( 1952/1956 ) e tão inesquecível.
O livro não tem muito o que dizer. Na verdade ele é muito interessante enquanto fala da familia de Grace, os Kelly. Quando ela vai para Hollywood o livro cai, isso porque a vida de Grace foi simples, sem grandes dramas. Não há bebida, droga ou doença. Tudo se resume a sexo, roupas e filmes.
Há uma cena em Janela Indiscreta em que Hitch dá um close em Grace. É logo em sua entrada em cena, a hora em que a vemos no filme. Amigos, eu vos digo, essa é a mais bela imagem de feminilidade que o cinema já mostrou. O rosto dela brilha de tal maneira, há tanta saúde e confiança naqueles olhos, que me sinto completamente subjugado ao rever a cena.
Grace Kelly foi a imagem idealizada da América. Saúde, retidão e bons modos. Se Audrey foi um anjo, e se Ava era um diabinho, Grace foi a imagem da pura beleza. Ideal, inacessível, incorruptível. Sensacional.
O pai de Grace Kelly foi herói olímpico americano. Campeão em remo individual, milionário no ramo de construções, morando na Filadélfia, Jack Kelly, católico, foi um exemplo para a América dos anos 20. Belo, rico, musculoso, viril, sempre sorrindo. Ele teve cinco filhos. Um deles também ganhou ouro em olimpíada e as outra foram todas um retrato do pai. Menos Grace Kelly. Ela não se interessava por esportes. Era frágil, sonhadora, quieta e muito tímida. A mãe, alemã luterana, rigida, tinha um irmão, tio George, ganhador de um pulitzer como autor de teatro. Solteirão, alegre, cheio de histórias, é esse ramo que Grace irá puxar. Grace irá estudar teatro, aprimorar a voz ( onde cada consoante é pronunciada ) e começará a carreira na tv, em peças ao vivo. Sempre elegante, quieta, católica devota, ela era vista no meio como alguém que não parecia ser como eles eram. Não parecia boêmia. Grace nunca precisou passar pelos testes, pelos apuros que atores iniciantes passam. Se tornou modelo e logo no primeiro filme, Matar ou Morrer, obteve sucesso. Com Hitchcock ela se torna uma estrela e em 1954 ganha um imerecido Oscar de melhor atriz ( adoro Grace, mas foi uma das maiores injustiças da história ). Em meio a esses bons modos, às idas à igreja e as compras, Grace manteve vários casos. Ela jamais foi desleal com ninguém, nunca manteve duas relações ao mesmo tempo, mas era, segundo relatos, um vulcão absoluto. Ela amava sexo.
O melhor filme de Grace, claro, é de Hitchcock : Janela Indiscreta. Onde ela está mais bonita, também é de Hitch: Disque M para Matar. Mas onde ela é mais ela-mesma, onde tudo é feito para ela: High Society.
Em 1956 Grace Kelly larga o cinema no auge de seu sucesso. Tinha só 26 anos. Casa-se com Rainier, o principe de Mônaco. Seu novo papel é ser princesa. Dedica-se a causas sociais e tem 3 filhos, Albert, Caroline e Stephanie. Em 1982, eu lembro do dia, acabara de voltar da França, ela morre em acidente de carro em Mônaco. Num Land Rover que ela dirigia. Tinha 52.
Grace Kelly, como James Dean, poderia ter passado como estrela pelo cinema dos anos 60. Em 1970 ela teria 40 anos, ou seja, estaria em seu apogeu ( ela nasceu no mesmo ano que Clint ). Poderia ter feito filmes chiques com Blake Edwards e Stanley Doner, ter participado da renovação com Lumet e Pollack. Ter contracenado com Steve McQueen ( outro nascido em 1930 ) e Paul Newman. Mas, se ela tivesse feito tudo isso não seria Grace Kelly. Na verdade o cinema lhe foi um acidente. Ela deu a ela a honra de sua presença, tão breve ( 1952/1956 ) e tão inesquecível.
O livro não tem muito o que dizer. Na verdade ele é muito interessante enquanto fala da familia de Grace, os Kelly. Quando ela vai para Hollywood o livro cai, isso porque a vida de Grace foi simples, sem grandes dramas. Não há bebida, droga ou doença. Tudo se resume a sexo, roupas e filmes.
Há uma cena em Janela Indiscreta em que Hitch dá um close em Grace. É logo em sua entrada em cena, a hora em que a vemos no filme. Amigos, eu vos digo, essa é a mais bela imagem de feminilidade que o cinema já mostrou. O rosto dela brilha de tal maneira, há tanta saúde e confiança naqueles olhos, que me sinto completamente subjugado ao rever a cena.
Grace Kelly foi a imagem idealizada da América. Saúde, retidão e bons modos. Se Audrey foi um anjo, e se Ava era um diabinho, Grace foi a imagem da pura beleza. Ideal, inacessível, incorruptível. Sensacional.
AS CENTENAS DE FILMES DA SIGHT AND SOUND
TerrEnce Malick deve ser o maior diretor da história do cinema. É o único que obteve 100% de seus filmes indicados. Acabo de ver os cerca de 1500 filmes que foram citados pelos votantes na enquete dos 250 melhores da revista inglesa Sight and Sound. Nessa lista, publicada em ordem alfabética, temos várias justiças, algumas surpresas boas e esquecimentos surpreendentes. Malick é o único diretor a ter tudo o que produziu
citado, e seu ARVORE DA VIDA é o filme melhor classificado ( dentre os americanos ), dos que foram feitos de 2000 pra cá. O que a gente logo percebe é que neste século a produção se pulverizou. Hong Kong, Coréia, China, Irã, Turquia, Formosa....são esses os países com a nata das citações.
Wes Anderson tem apenas um filme entre os 1500 citados e Tim Burton apenas Edward Mãos de Tesoura. Já Tarantino tem seis filmes lembrados, e os irmãos Coen quase todos. Mas não vou ficar aqui falando detalhes, quem quiser que veja a lista. Está disponível a dois toques de teclado. Prefiro comentar as surpresas.
Maravilhosamente Chuck Jones tem cinco desenhos dos Looney Tunes entre os maiores. Desenho é arte e Jones, assim como Tex Avery, Bob Clampett e alguns outros sempre soube disso. Mas ao mesmo tempo vemos uma injustiça com a Disney. Citaram apenas Mogli !!! Logo Mogli, um dos menos bons da fase clássica. Deixar Pinóquio ou Dumbo de fora é esquecimento de gente que deveria ter pensado melhor. De qualquer modo, WALL E éstá ente os 80 melhores filmes já feitos. Justo.
Michael Powell continua valorizado. Tem seus principais filmes citados ( mais de dez ), esqueceram CONTOS DE HOFFMANN, mas tudo bem, Powell está no posto que merece, é um dos 3 melhores da história do cinema britânico. Esqueceram Stephen Frears, nenhum de seus filmes foi lembrado, e Carol Reed está em baixa, citaram apenas 3 de seus filmes. Com David Lean se esqueceram de OLIVER TWIST, provávelmente por ter fama de racista. OS EMBALOS DE SÁBADO A NOITE está entre os 1500, mas senti uma certa má vontade com o cinema dos anos 70. De qualquer modo, os básicos da década mais louca estão lá. O que não aceito é entre oito filmes de Robert Altman citados, ninguém ter lembrado de MASH....imperdoável.
O Brasil tem lembrado quase tudo de Glauber e muita coisa de Nelson Pereira dos Santos. Adorei ver meus dois filmes favoritos made in Brasil lembrados: MACUNAÍMA e O BANDIDO DA LUZ VERMELHA estão presentes.
Bacana lembrarem do pouco visto AS 3 MORTES DE MELQUÍADES de Tommy Lee Jones. Esse filme, de 2007, é uma bela homenagem a Sam Peckimpah.
Vincente Minelli, Raoul Walsh, Howard Hawks, Billy Wilder, o cinema clássico americano está muito lembrado. Buster Keaton tem um monte de filmes citados e John Ford aparece com mais de 12 filmes. Mas é estranho não terem citado Scarface de Hawks, Asas de Wellman e Inimigo Público de Le Roy.
Jean-Luc Godard é talvez o maior vencedor da lista. São dezenas de filmes lembrados. Godard fazia aquilo que todo cinéfilo sonhava, se divertia filmando. Interrompia a narração quando se entediava, enfiava cenas improvisadas ao ter uma inspiração, liberava seu desejo. Godard fazia tudo o que um diretor não pode fazer hoje, inventar . Daí sua valorização atual. É de longe o francês mais citado. Bresson vem logo depois.
Todos os grandes gênios estão fartamente lembrados. Não há um só Bergman ou Kurosawa que merecesse ser citado que tenha sido esquecido. São 19 Bergmans e 15 Kurosawas. E há também uma tonelada de Dreyer, Bunuel, Lang, Kieslowski, Tarkovski, Fellini...
A Itália é o grande perdedor. Sim, eles citam os De Sica, Antonioni e Visconti obrigatórios. Tem Pasolini às dezenas, tem Bertolucci, Rosselini...mas o cinema da Itália foi tão grande que dá uma frustração ver apenas um Scola, um Risi, dois Zurlini e dois Monicelli.... Lembraram dos ETERNOS DESCONHECIDOS, mas esqueceram BRANCALEONE!!!!!
Todos os Clint Eastwood que valem a pena foram lembrados ( esqueceram Bird, e eu acho justo isso ), assim como Scorsese, De Palma e Woody Allen.
Vertigo de Hitchcock é o maior de todos. Não sei se é o maior, mas também não sei se ele não é o maior. Hitchcock tem mais de vinte filmes na lista. E mesmo assim tem alguns que mereciam ser incluídos e que ficaram de fora. Ele conseguia unir o cinema pop a arte mais sofisticada. Ação e introspecção. Humor e horror. Senso de imagem e dom para diálogo. Erotismo e romantismo. E tudo isso mantendo sempre o senso de beleza, de diversão e de comunicação. Não sei se foi o maior de todos, mas se for, lhe fica muito bem.
citado, e seu ARVORE DA VIDA é o filme melhor classificado ( dentre os americanos ), dos que foram feitos de 2000 pra cá. O que a gente logo percebe é que neste século a produção se pulverizou. Hong Kong, Coréia, China, Irã, Turquia, Formosa....são esses os países com a nata das citações.
Wes Anderson tem apenas um filme entre os 1500 citados e Tim Burton apenas Edward Mãos de Tesoura. Já Tarantino tem seis filmes lembrados, e os irmãos Coen quase todos. Mas não vou ficar aqui falando detalhes, quem quiser que veja a lista. Está disponível a dois toques de teclado. Prefiro comentar as surpresas.
Maravilhosamente Chuck Jones tem cinco desenhos dos Looney Tunes entre os maiores. Desenho é arte e Jones, assim como Tex Avery, Bob Clampett e alguns outros sempre soube disso. Mas ao mesmo tempo vemos uma injustiça com a Disney. Citaram apenas Mogli !!! Logo Mogli, um dos menos bons da fase clássica. Deixar Pinóquio ou Dumbo de fora é esquecimento de gente que deveria ter pensado melhor. De qualquer modo, WALL E éstá ente os 80 melhores filmes já feitos. Justo.
Michael Powell continua valorizado. Tem seus principais filmes citados ( mais de dez ), esqueceram CONTOS DE HOFFMANN, mas tudo bem, Powell está no posto que merece, é um dos 3 melhores da história do cinema britânico. Esqueceram Stephen Frears, nenhum de seus filmes foi lembrado, e Carol Reed está em baixa, citaram apenas 3 de seus filmes. Com David Lean se esqueceram de OLIVER TWIST, provávelmente por ter fama de racista. OS EMBALOS DE SÁBADO A NOITE está entre os 1500, mas senti uma certa má vontade com o cinema dos anos 70. De qualquer modo, os básicos da década mais louca estão lá. O que não aceito é entre oito filmes de Robert Altman citados, ninguém ter lembrado de MASH....imperdoável.
O Brasil tem lembrado quase tudo de Glauber e muita coisa de Nelson Pereira dos Santos. Adorei ver meus dois filmes favoritos made in Brasil lembrados: MACUNAÍMA e O BANDIDO DA LUZ VERMELHA estão presentes.
Bacana lembrarem do pouco visto AS 3 MORTES DE MELQUÍADES de Tommy Lee Jones. Esse filme, de 2007, é uma bela homenagem a Sam Peckimpah.
Vincente Minelli, Raoul Walsh, Howard Hawks, Billy Wilder, o cinema clássico americano está muito lembrado. Buster Keaton tem um monte de filmes citados e John Ford aparece com mais de 12 filmes. Mas é estranho não terem citado Scarface de Hawks, Asas de Wellman e Inimigo Público de Le Roy.
Jean-Luc Godard é talvez o maior vencedor da lista. São dezenas de filmes lembrados. Godard fazia aquilo que todo cinéfilo sonhava, se divertia filmando. Interrompia a narração quando se entediava, enfiava cenas improvisadas ao ter uma inspiração, liberava seu desejo. Godard fazia tudo o que um diretor não pode fazer hoje, inventar . Daí sua valorização atual. É de longe o francês mais citado. Bresson vem logo depois.
Todos os grandes gênios estão fartamente lembrados. Não há um só Bergman ou Kurosawa que merecesse ser citado que tenha sido esquecido. São 19 Bergmans e 15 Kurosawas. E há também uma tonelada de Dreyer, Bunuel, Lang, Kieslowski, Tarkovski, Fellini...
A Itália é o grande perdedor. Sim, eles citam os De Sica, Antonioni e Visconti obrigatórios. Tem Pasolini às dezenas, tem Bertolucci, Rosselini...mas o cinema da Itália foi tão grande que dá uma frustração ver apenas um Scola, um Risi, dois Zurlini e dois Monicelli.... Lembraram dos ETERNOS DESCONHECIDOS, mas esqueceram BRANCALEONE!!!!!
Todos os Clint Eastwood que valem a pena foram lembrados ( esqueceram Bird, e eu acho justo isso ), assim como Scorsese, De Palma e Woody Allen.
Vertigo de Hitchcock é o maior de todos. Não sei se é o maior, mas também não sei se ele não é o maior. Hitchcock tem mais de vinte filmes na lista. E mesmo assim tem alguns que mereciam ser incluídos e que ficaram de fora. Ele conseguia unir o cinema pop a arte mais sofisticada. Ação e introspecção. Humor e horror. Senso de imagem e dom para diálogo. Erotismo e romantismo. E tudo isso mantendo sempre o senso de beleza, de diversão e de comunicação. Não sei se foi o maior de todos, mas se for, lhe fica muito bem.
SIGHT AND SOUND, NOVA LISTA DOS 50 MELHORES FILMES
Um amigo me envia a nova lista da revista inglesa Sight and Sound, nela os 50 melhores filmes da história do cinema. Pela primeira vez Kane não é o primeiro ( é o segundo ). Tentativa de ser diferente? Não sei. Kane está longe de ser meu filme favorito, mas ainda é o mais influente. Porque? Porque em duas horas ele exibe TODOS os tipos de cinema, todos os estilos, tanto do passado, como daquilo que se faria desde então. É por esse motivo que Kane é o filme de quem conhece e compreende o cinema. Ele recapitula e antecipa o próprio cinema.
Mas quem venceu desta vez? VERTIGO de Hitchcock. E já aviso, ele é um de meus mais amados filmes. Faz tempo que Vertigo vem crescendo em todas as listas. Ele se beneficia do dvd. As novas gerações se surpreendem ao vê-lo, o adoram. Ele toca nos temas que são mais relevantes em 2012: solidão, real e imaginário, compulsão sexual, fetichismo e sadismo. Tudo isso com a técnica perfeita do gênio inglês. Vertigo ser o number one não surpreende ninguém. Ele é magnífico.
A lista, como já disse, é influenciada pela voga do dvd. Filmes que eram famosos como lenda, ao serem vistos em casa, confirmam ou não sua fama. Vendo a lista em seu todo, três diretores sobressaem como renascidos em revisão: Tarkovsky, Ozu e Dreyer. Três filmes de cada um deles se colocam entre os 50 e o russo tem muito destaque. Devo dizer que dos 50 só não assisti um, História do Cinema de Godard, aliás vivemos um tempo godardiano, sua obra é bem representada.
A lista nada tem de Tarantino, Woody Allen, Joel Coen, Clint ou PT Anderson. Os diretores em atividade representados são Wong Kar Wai, Lynch, Bela Tarr, Scorsese e Kiarostami. Estão longe de serem meus favoritos.
Mas é uma boa lista. Apesar de não dar o destaque a Bergman que eu daria ( temos Persona em 18 e só ), vemos Ozu em terceiro, Murnau em quinto e Rastros de Ódio de Ford num belo sétimo lugar. Fellini está em décimo e Os Sete Samurais de Kurosawa é o 17. É bacana ver Bresson e seu Balthazar entre os topo 20 e meu querido L'Atalante de Vigo em 12.
Listas nunca são como voce gostaria, mas esta não me causa revolta ou hilariedade. Sóbria, essa a palavra que a define.
1 VERTIGO - HITCHCOCK
2 KANE - WELLES
3 TOKYO STORY - OZU
4 A REGRA DO JOGO - RENOIR
5 SUNRISE - MURNAU
6 2001 - KUBRICK
7 RASTROS DE ÓDIO - FORD
8 CÂMERA - DZIGA VERTOV
9 JOANA D'ARC - DREYER
10 OITO E MEIO - FELLINI
11 POTEMKIN - EISENSTEINE
12 O ATALANTE - VIGO
13 ACOSSADO - GODARD
14 APOCALYPSE NOW - COPPOLLA
15 LATE SPRING - OZU
16 AU HAZARD DU BALTHAZAR - BRESSON
17 OS SETE SAMURAIS - KUROSAWA
18 PERSONA - BERGMAN
19 O ESPELHO - TARKOVSKI
20 CANTANDO NA CHUVA - DONEN
21 L'AVVENTURA - ANTONIONI
22 O DESPREZO - GODARD
23 O PODEROSO CHEFÃO - COPPOLLA
24 A PALAVRA - DREYER
25 IN THE MOOD - WONG KAR WAI
26 RASHOMON - KUROSAWA
27 ANDREI RUBLOV - TARKOVSKI
28 MULLHOLLNAD DRIVE - LYNCH
29 STALKER - TARKOVSKI
30 SHOAH - LANZMANN
31 O CHEFÃO II - COPPOLLA
32 TAXI DRIVER - SCORSESE
33 LADRÕES DE BICICLETA - DE SICA
34 A GENERAL - KEATON
35 METROPOLIS - LANG
36 PSYCHO - HITCHCOCK
37 JEANNE DIELMAN - AKERMAN
38 SANTANGO - BELA TARR
39 OS INCOMPREENDIDOS - TRUFFAUT
40 VIAGEM À ITÁLIA - ROSSELINI
41 PATHER PANCHALI - SATYAJIT RAY
42 SOME LIKE IT HOT - WILDER
43 GERTRUD - DREYER
44 PIERROT LE FOU - GODARD
45 PLAY TIME - JACQUES TATI
46 CLOSE UP - KIAROSTAMI
47 A BATALHA DE ARGEL - PONTECORVO
48 LUZES DA CIDADE - CHAPLIN
49 CONTOS DA LUA VAGA - MIZOGUCHI
50 HISTÓRIA DO CINEMA - GODARD
Devemos lembrar que filmes recentes tendem a cair sempre de posição, assim que seu impacto vai se extinguindo. Dificilmente veremos Lynch em listas futuras. O tempo é sempre o melhor juiz de toda arte. Vencer a passagem do tempo é o grande mérito.
Como vivemos em tempos pouco imaginativos, Bunuel fica de fora. Assim como a elegãncia de Visconti ou de Resnais. Não são bons anos para requinte ou para delicadeza.
Destaquemos a definitiva consagração de Ozu e os vários criticos discípulos de Godard se fazendo notar. Toda escolha reflete o momento em que ela é feita. O modo de filmar godardiano é hoje muito valorizado. Esta lista confirma isso.
Mas quem venceu desta vez? VERTIGO de Hitchcock. E já aviso, ele é um de meus mais amados filmes. Faz tempo que Vertigo vem crescendo em todas as listas. Ele se beneficia do dvd. As novas gerações se surpreendem ao vê-lo, o adoram. Ele toca nos temas que são mais relevantes em 2012: solidão, real e imaginário, compulsão sexual, fetichismo e sadismo. Tudo isso com a técnica perfeita do gênio inglês. Vertigo ser o number one não surpreende ninguém. Ele é magnífico.
A lista, como já disse, é influenciada pela voga do dvd. Filmes que eram famosos como lenda, ao serem vistos em casa, confirmam ou não sua fama. Vendo a lista em seu todo, três diretores sobressaem como renascidos em revisão: Tarkovsky, Ozu e Dreyer. Três filmes de cada um deles se colocam entre os 50 e o russo tem muito destaque. Devo dizer que dos 50 só não assisti um, História do Cinema de Godard, aliás vivemos um tempo godardiano, sua obra é bem representada.
A lista nada tem de Tarantino, Woody Allen, Joel Coen, Clint ou PT Anderson. Os diretores em atividade representados são Wong Kar Wai, Lynch, Bela Tarr, Scorsese e Kiarostami. Estão longe de serem meus favoritos.
Mas é uma boa lista. Apesar de não dar o destaque a Bergman que eu daria ( temos Persona em 18 e só ), vemos Ozu em terceiro, Murnau em quinto e Rastros de Ódio de Ford num belo sétimo lugar. Fellini está em décimo e Os Sete Samurais de Kurosawa é o 17. É bacana ver Bresson e seu Balthazar entre os topo 20 e meu querido L'Atalante de Vigo em 12.
Listas nunca são como voce gostaria, mas esta não me causa revolta ou hilariedade. Sóbria, essa a palavra que a define.
1 VERTIGO - HITCHCOCK
2 KANE - WELLES
3 TOKYO STORY - OZU
4 A REGRA DO JOGO - RENOIR
5 SUNRISE - MURNAU
6 2001 - KUBRICK
7 RASTROS DE ÓDIO - FORD
8 CÂMERA - DZIGA VERTOV
9 JOANA D'ARC - DREYER
10 OITO E MEIO - FELLINI
11 POTEMKIN - EISENSTEINE
12 O ATALANTE - VIGO
13 ACOSSADO - GODARD
14 APOCALYPSE NOW - COPPOLLA
15 LATE SPRING - OZU
16 AU HAZARD DU BALTHAZAR - BRESSON
17 OS SETE SAMURAIS - KUROSAWA
18 PERSONA - BERGMAN
19 O ESPELHO - TARKOVSKI
20 CANTANDO NA CHUVA - DONEN
21 L'AVVENTURA - ANTONIONI
22 O DESPREZO - GODARD
23 O PODEROSO CHEFÃO - COPPOLLA
24 A PALAVRA - DREYER
25 IN THE MOOD - WONG KAR WAI
26 RASHOMON - KUROSAWA
27 ANDREI RUBLOV - TARKOVSKI
28 MULLHOLLNAD DRIVE - LYNCH
29 STALKER - TARKOVSKI
30 SHOAH - LANZMANN
31 O CHEFÃO II - COPPOLLA
32 TAXI DRIVER - SCORSESE
33 LADRÕES DE BICICLETA - DE SICA
34 A GENERAL - KEATON
35 METROPOLIS - LANG
36 PSYCHO - HITCHCOCK
37 JEANNE DIELMAN - AKERMAN
38 SANTANGO - BELA TARR
39 OS INCOMPREENDIDOS - TRUFFAUT
40 VIAGEM À ITÁLIA - ROSSELINI
41 PATHER PANCHALI - SATYAJIT RAY
42 SOME LIKE IT HOT - WILDER
43 GERTRUD - DREYER
44 PIERROT LE FOU - GODARD
45 PLAY TIME - JACQUES TATI
46 CLOSE UP - KIAROSTAMI
47 A BATALHA DE ARGEL - PONTECORVO
48 LUZES DA CIDADE - CHAPLIN
49 CONTOS DA LUA VAGA - MIZOGUCHI
50 HISTÓRIA DO CINEMA - GODARD
Devemos lembrar que filmes recentes tendem a cair sempre de posição, assim que seu impacto vai se extinguindo. Dificilmente veremos Lynch em listas futuras. O tempo é sempre o melhor juiz de toda arte. Vencer a passagem do tempo é o grande mérito.
Como vivemos em tempos pouco imaginativos, Bunuel fica de fora. Assim como a elegãncia de Visconti ou de Resnais. Não são bons anos para requinte ou para delicadeza.
Destaquemos a definitiva consagração de Ozu e os vários criticos discípulos de Godard se fazendo notar. Toda escolha reflete o momento em que ela é feita. O modo de filmar godardiano é hoje muito valorizado. Esta lista confirma isso.
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