RESNAIS/ BETTE DAVIS/ VALLÉE/ TARANTINO/ PEQUENO NICOLAU

DOIS FILMES JÁ COMENTADOS MESES ATRÁS ( MAS QUE SÓ AGORA ESTÃO EM CARTAZ ): A JOVEM RAINHA VITÓRIA e À PROVA DE MORTE de Jean-Marc Vallée e de Tarantino
A jovem rainha é um belíssimo filme. Não se apressa para contar sua história e a conta bem. Emily Blunt está encantadora e o filme é um prazer. Nota 7.
O filme de Quentin é puro rocknroll!!!! Kurt Russell brinca no papel e nós rimos com ele. É uma digna homenagem aos filmes de carrões dos anos 70. E tem uma Rose McGowan show! Nota 7.
SHERLOCK JR. de Buster Keaton
Uma obra-prima. Keaton era um gênio não-literário. Seu dom se revela em seu rosto, seus gestos e sua inventividade inesgotável. Este filme é um delírio de humor e surpreende-nos todo o tempo. Além de tudo ele tinha uma coragem física impressionante. Nota DEZ.
SOLTANDO OS CACHORROS de Brian Robbins com Tim Allen e Robert Downey jr
A história de um pai relapso que se torna cão. É muito engraçado. Allen, ao contrário de certos comediantes galãs, não tem medo de ser completamente ridículo. Ele baba, rasteja e dá a patinha. Convence como cão. Nota 6.
JEZEBEL de William Wyler com Bette Davis e Henry Fonda
Bette é jovem mimada nos EUA pré guerra de secessão. Perde seu noivo por ser fútil e não ter uma idéia de que seus atos tolos têm sempre uma consequencia. Então, em meio a peste amarela que assola a cidade, vem seu amadurecimento ( amargo e tardio ). Mais um grande filme de Wyler e segundo Oscar de Bette. O rosto dela tudo expressa neste papel : infantilidade, ódio, maldade pura e depois uma esperança que se perde. A cena do retorno de Fonda é inesquecível. Belo roteiro ( que ainda fala de racismo e da arrancada do norte progressista contra o sul atrasado ). Um comentário extra: este filme comprova a tese que diz que se o sul tivesse vencido a guerra, os EUA seriam hoje um Brasil. Nota 9.
PROVIDENCE de Alain Resnais com John Gielgud, Ellen Burstyn e Dirk Bogarde
Aaaaaah .... essa crítica esnobe.... este é considerado um dos maiores filmes dos anos 70. Resnais, trabalhando em inglês, nos mostra um rico autor morrendo de câncer. Enquanto ele agoniza, sua imaginação usa seu filho, um frio snob, e sua nora, como personagens de seu derradeiro romance. O filme é tão metido, tão "refinado" ( Yves St.Laurent fez o guarda-roupa ) tão cheio de erudição e de bom-gosto, que se torna o mais frio dos filmes de horror. É um pesadelo de cadáveres sendo dissecados, remédios, solidão e frases literárias. Odiei muito!!!!! Nota ZERO.
BOB, LE FLAMBEUR de Jean-Pierre Melville
Crítica abaixo. Melville filmava quando tinha dinheiro, usou atores amadores, o ator principal era alcoólatra, a atriz foi achada na rua e só tinha 15 anos. E mesmo assim, eis o resultado: uma obra-prima. O mais cool dos filmes, o mais viril dos heróis. Sexy, macho, frio e triste. Roger Ebbert cita em seu livro filmes de Paul Thomas Anderson, Neil Jordan e Soderbergh que o homenageiam. Melville merece muito mais. Bob é o cara! Nota DEZ!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
O PIRATA ESCARLATE de James Goldstone com Robert Shaw, Peter Boyle, Genevieve Bujold e Beau Bridges
Filme de piratas. Mas é um filme estranho, não se leva a sério sem ser uma comédia. Shaw faz um pirata sujo, estúpido. Genevieve faz uma heroína feminista. Dá pra ver, mas é um filme bastante banal. Nota 4.
O MAIOR ESPETÁCULO DA TERRA de Cecil B. de Mille com Charlton Heston, Betty Hutton, James Stewart, Gloria Grahame, Cornel Wilde
Um imenso sucesso detestado pela crítica. Mostra os bastidores de um muuuuuito rico circo. Heston é o gerente mandão, Betty uma trapezista, Stewart um palhaço e por aí vai. Os diálogos são tão idiotas que chegam a doer. Mas ao mesmo tempo o filme é tão colorido, tão otimista, tão cheio de acontecimentos, que ficamos lá, detestando aquilo tudo e interessados sem saber porque. Nota 6.
TITANIC de Jean Negulesco com Clifton Webb, Barbara Stanwyck e Robert Wagner
Não o mastodonte, mas sim um simples drama que conta sua história com objetividade e competência. Foi grande hit em seu tempo e tem efeitos bastante bons para sua época. Os passageiros desfilam suas histórias e vem o acidente final. Um pop dos 50's. Nota 6.
O PEQUENO NICOLAU de Laurent Tirard
Encantador! Um fato: se italianos fazem das crianças pequenos chorões e se americanos os vestem de adultos idiotas, são os franceses que sabem mostrá-las como elas são. Exemplos desse talento há as dúzias. De Guerra dos Botões à Idade da Inocência e Brinquedo Proibido. Aqui estão crianças que são crianças. O filme nos enternece e nos diverte. È obrigatório em tempos de histeria fútil. Vá e veja agora e já! Nota 7.

BOB, LE FLAMBEUR - UM FILME DE MELVILLE, REI DO COOL

O início já marca o tom: em poucos segundos voce já está capturado. O filme é madrugada, é seco-árido, urbano, é de macho!
Vemos Montmartre. Montmartre ainda com cheiro. O bairro cheirava e fedia. Tabaco, anís, urina, frituras, fumaça de carro, perfumes de putas, cachorro molhado, papel. A câmera ,de Henri Decae, viaja pelas esquinas nas primeiras horas da manhã. Parece um quase documentário. Mas então Bob entra em cena.
Bob é um jogador. Ganha a vida no jogo de bares suspeitos. Bob bota ordem entre os pequenos gatunos de araque e entre as damas da madrugada. Cumpriu pena e se fez amigo de policial. Vive só, e se encanta por jovem putaine, uma vagabunda muito jovem que está sempre ok.
Mas atenção!!!! Bob jamais se apaixona! Com ela ele é apenas um protetor. Bob é macho pacas! Ele usa sobretudo, fuma Galoises sem filtro e nunca sorri. Bob quer sobreviver, eis tudo. Bob seria Bogart mais Sartre. Lembramos que Bogart foi criado por Jean Gabin. No fim, tudo é França.
Bob quer um último golpe. Roubar um cassino em Deauville. Conseguirá? Não conto o resto. Basta dizer que o final é surpreendente e perfeito. Bob vencerá?
Todo homem que assistir este filme irá querer ser Bob, Le Flambeur. Hoje estou cheio de maneirismos Bobianos. E este filme é jazz todo o tempo, é sexy toda hora e tem uma fotografia em p/b que é ensaio sobre estilo cool. Talvez seja o mais cool dos filmes já feitos.
Jean-Pierre Melville o dirigiu. É uma obra-prima. Melville não se chamava Melville. Adotou o nome em homenagem ao autor de Moby Dick. Jean-Pierre tinha paixão pelos yankees. Se Gabin criou Bogart, Bogart melhorou Gabin e Bob refinou Bogart. O mundo gira e Montmartre fede.
È um cinema sem tempo. Tarantino e Soderbergh estão neste filme. E mais um monte de coisas boas deste século XXI. Este filme estava cinquenta anos à frente. Melville é o cara.
Bob, le Flambeur. Do cacete!!!!!!

SHERLOCK JR. - BUSTER KEATON, UM GÊNIO

Porque um gênio?
Este filme tem uma hora apenas. E em uma hora temos no mínimo quatro desenvolvimentos: primeiro, ele é um apaixonado injustamente acusado de roubo. Depois ele se torna um projecionista de cinema, que sonha estar na tela. Então ele é um herói das telas e ao final, um namorado apaixonado. Todos esses momentos independentes são entrelaçados naturalmente e citam os temas favoritos de Keaton : o ingênuo que se esforça para vencer, o trem e a água. Todo grande filme de Buster Keaton tem uma estação de onde se vai e se volta, e rios, lagos e cachoeiras, onde se "quase morre".
Porque um gênio?
Em seus filmes nada há de literário, de teatral, de século XIX. Ele é completamente cinematográfico. Seu gênio se revela na facilidade com que ele manipula, brinca, cria, ilude, usa a câmera e nosso olho. Na sequencia em que ele sonha estar dentro da tela, temos uma das mais geniais construções. As trucagens se encadeiam e Keaton brinca com seu talento. Seu personagem vai mudando e mudando de cena, as coisas vão se encadeando e nós começamos a agradecer por essa diversão.
Buster Keaton era também um ator maravilhoso. Seu rosto, estranhamente belo, crédulo e sempre alerta, é a face de um homem honesto, forte, e jamais derrotado. Ao contrário de Chaplin, Keaton não deseja nossa piedade. Ele pede nossa admiração. Ele é um estóico. E o rosto de Keaton é a imagem de toda uma filosofia. Mas há ainda o corpo deste herói.
Desde criança ele foi treinado por seu pai no circo. Era jogado ao palco, derrubado, fazia quedas, saltos, voava. O corpo de Keaton é o corpo de um atleta, de um bailarino e de um "esportista radical". Buster jamais utilizava dublês, e todos os seus filmes são cheios de cenas muito arriscadas. Aqui ele anda de moto de costas, pula de trem, cai em rio, despenca de casa. Há uma cena em que ele pula de uma janela e sai disfarçado pelo outro lado que é maravilha de engenho.
Nada então é mais cinema, mais pura luz e movimento que sua arte. Há uma alegria elétrica em seus filmes, uma sensação de que tudo pode acontecer e um maravilhoso otimismo.
Buster Keaton nunca ri dos outros, ele nos faz rir, apenas nos faz rir. Seu humor nada tem de amargo, de perverso e seu personagem nunca nos inspira dor ou lágrima, ele perde, mas não sofre. Luta.
Nada no cinema mudo é melhor que Keaton, e quase nada feito depois tem seu divino humanismo. Os filmes de Keaton são testemunhos de fé, de arrojo e de coragem. Se o mundo fosse lugar perfeito todos seríamos como Buster Keaton foi.

SELTON MELLO/ HAWKS/ JODIE FOSTER/ MIZOGUCHI/ REDFORD

NÃO TE MOVAS de Sergio Castellito com Penelope Cruz
Picaretagem braba! Uma coleção de clichés significando tédio e chatice inglória. nota zero.
IBÉRIA de Carlos Saura
É uma coleção de cenas com música e dança espanhola. A maestria de Saura em mover a câmera é aqui muito bem-vinda. O filme é aula de gosto e de melodia. Para quem gosta de som e dança é obrigatório. Nota 6.
O BANDIDO DA LUZ VERMELHA de Rogerio Sganzerla
Um filme barato, pobre, mal feito, mas que talvez seja o melhor já produzido por estes lados do mundo. Rogerio erra todo o tempo mas jamais baixa a guarda: o filme é uma explosão de som e de imagens toscas. Paulo Villaça imita o Belmondo de Godard e Helena Ignez é fatal. Welles e nouvelle vague made na boca do lixo. Nota Dez.
A BEIRA DO ABISMO de Howard Hawks com Humphrey Bogart e Lauren Bacall
Uma ode ao bom-humor. Neste roteiro de Faulkner, baseado em Chandler, nada faz o menor sentido. Os assassinatos rolam sem razão, o detetive investiga por investigar e nós, pobres expectadores, nada entendemos. Mas neste clássico do noir, nada disso importa. O que interessa é assistir ao filme como coleção de sketches, cenas independentes maravilhosamente bem feitas. Dá pra notar a alegria de Bogart em contracenar com sua nova mulher, Bacall; e notamos que tudo ali parece brilhar. Lendo livros sobre o filme ficamos sabendo que na verdade Bogart sofria pelo fim de seu segundo casamento com a violenta Mayo, mas há paixão nos olhares e isso ficou na película para sempre. A irmã ninfomaníaca feita por Martha Vickers é excelente. Nota 8.
O CHEIRO DO RALO de Heitor Dhalia com Selton Mello e Paula Braun
É uma sátira ao capitalismo? Ou trata-se de uma homenagem ao Monty Python? Este filme tem um grave problema que atinge a maioria dos filmes "esquisitos": seria um excelente curta-metragem. Mas falta história para um longa e depois de seus trinta minutos iniciais, tudo se perde. O que era um bom filme de humor torna-se uma chatice pretensiosa. Selton dá um show de humorismo, seu tipo é antológico. Nota 4.
O HOMEM DO ANO de J H Fonseca com Murilo Benicio e Claudia Abreu
A fotografia é interessante, mas tudo o que acontece é muuuuuito previsível. Do porquinho até a pirralha que vira crente, tudo é chavão e banal. Filminho que parece TV. Nota 3.
SE EU FOSSE MINHA MÃE de Gary Nelson com Barbara Harris e Jodie Foster
Antes de ser atriz adulta, Jodie foi atriz infantil da Disney. Aqui, aos 14 anos, ela faz o papel da filha que troca de corpo com a mãe. Serve como nostalgia do visual 1976: carrões, skates fininhos, bocas de sino e mobília vermelha. Fora isso..... nota 4.
O PRÍNCIPE VALENTE de Henry Hathaway com Robert Wagner, James Mason e Janet Leigh
Aventura baseada nos HQ de Hal Foster. É sobre vikings e rei Arthur, sir Gawain e o amadurecimento de jovem herói. Robert Wagner, muito jovem, está perfeito no papel, e Mason sempre faz um bom vilão. A trilha sonora de Miklos Rosza é das melhores de todos os tempos. Um velho clássico da Sessão da Tarde do tempo em que se passavam clássicos à tarde. Bem legal. Tem torneios de heróis, fugas à cavalo, traições e muita briga. Nota 7.
UM HOMEM FORA DE SÉRIE de Barry Levinson com Robert Redford, Robert Duvall, Glenn Close, Kim Basinger
Baseado em livro de Bernard Malamud, o filme, que fala de promissor astro do beisebol que desaparece após crime e recomeça já maduro, é uma parábola sobre a saga de um herói. É incrível como o beisebol é algo mágico para os americanos. Eles sentem o esporte como raiz, como nascimento, a relação deles com o jogo é como a relação de um filho com sua mãe. Eles vêem naquele diamante relvado o berço, o paraíso, o Eden. Este filme é então, meloso, nostálgico, mas mantém seu interesse graças ao bom elenco e a trilha de Randy Newman. Nota 6.
MOONFLEET de Fritz Lang com Stewart Granger, Viveca Lindfors, Joan Greenwood
Outro clássico Sessão da Tarde. É sobre contrabandistas na Inglaterra de 1750. Um menino vai morar com nobre e descobre que ele é o tal contrabandista. Lang sabia tudo. Tem lindas cenas com caveiras e tempestades. Um filme delicioso! Nota 7.
A RUA DA VERGONHA de Kenji Mizoguchi
Mizoguchi nasceu em família arruinada e viu sua irmã ser vendida como gueixa. Toda sua carreira versa sobre a condição da mulher num Japão em transição. Este é seu último filme. E é fascinante. Mostra, na Tokyo pós-guerra, a vida num bordel ocidentalizado. Não existe mais a figura da gueixa, que devia saber caligrafia, ikebama e tocar okotô. Aqui elas são simples "putas", prostitutas que se afundam em dívidas e pensam em sair "da vida". Impressiona a forma como Mizoguchi sabe enquadrar. Cada tomada é um show de imagem. Ele toma o lado das meninas, mas jamais as exibe como vítimas, elas escolheram aquela vida e pagam por sua escolha. Um filme que tem trilha sonora estranhamente de terror e que hipnotiza em sua verdade simples. As atrizes estão perfeitas: há desde a imitadora de estrelas americanas até a mãe abandonada. Um final digno para um dos três gênios do cinema japonês. Nota 9
SONATA DE AMOR de Clarence Brown com Kate Hepburn, Paul Henreid e Robert Walker
Neste hiper-novelão que trata da vida conjugal de Clara e Robert Schumann nada é muito real e tudo é exagerado e doce. Há ainda a figura de Brahms, feito sem jeito por Walker e de Liszt, feito bem por Henry Daniels. Mas, como Brown sabia dirigir, cenas como a da galinha na cozinha e o final com o concerto de despedida de Clara, se sustentam muito bem. O filme consegue ser bem-humorado mesmo tratando de compositor que morreu louco e de amor travado. Kate está magnética como sempre e Henreid faz um Schumann interessante. Tipo de filme papai/mamãe que Hollywood fazia às dúzias. Nota 6.

FILOSOFANDO SOBRE FUTEBOL

Domingo antes do rachão africano, dei uma olhada em Brasil x Inglaterra, México, 1970.
Minha mãe apareceu na sala e perguntou o que era aquilo na tv, aquilo com uma imagem tão ruim. Expliquei, e o primeiro comentário dela foi : "Nossa! Parece tão chato!"
Depois assistimos o vale-tudo africano e ela acabou dizendo : 'Mas isso também é bem chato! Tudo o que eles fazem é correr e se jogar uns sobre os outros." Weeeeel....comecei a pensar então....
Dizem que a copa de 70 foi a melhor e o que parece ser chato hoje seria assim tão chato se fosse ao vivo? Explico:
Daqui a quarenta anos ( em 2050 ) será que Brasil x Costa do Marfim terá algum interesse? Voce já tentou rever a final de 94, Brasil 0x0 Itália ? É masoquismo puro.
Vamos ao jogo de 1970.
Primeira coisa que estranhamos: o jogo tem muito espaço. Antes de 1974 não se marcava no campo do adversário. O campo do adversário era CAMPO DO ADVERSÁRIO. A marcação só ocorria a partir do ataque. Então havia muito tempo para se pensar a jogada. O cérebro funcionava com mais clareza, o stress era menor. Então a bola não se demorava na defesa. O jogo era basicamente de ataque para ataque.
Segundo. Uma total ausência de medo. Como não se marcava a saída de bola, nada de pavor de perder a bola. Se tocava com carinho, de lá pra lá ( sempre para a frente, eram 3 toques até estar no ataque ) e então se procurava resolver o ataque.
Terceiro. Não existe o toque de primeira, há um exibicionismo no trato com a pelota, o empurrão é muito raro. Se entra muito na canela, poucos carrinhos. A marcação na defesa é quase igual a de hoje. Cinco contra três. O meio campo é que fica vazio.
Mas há uma sensação de tempo, de lentidão, de usufruir o pensamento. Não vou entrar na inutilidade futil de dizer se Rivellino ou Bobby Charlton conseguiriam jogar hoje. Pelé hoje seria melhor preparado atleticamente, a medicina esportiva o protegeria mais. No final daria no mesmo. Eles enfrentariam melhores defesas mas estariam melhor condicionados. Em 1970 um problema de menisco ou uma fratura era fim de carreira. Mas o que mais percebo no futebol antigo é a ausência de stress. E foi minha mãe quem percebeu isso no meio do jogo africano: o stress que existe no jogo de hoje, a pressa absurda, os rostos completamente crispados, a ausência de prazer ( com excessão de Messi e de jogos que acabam em 7x0 ).
Penso que o futebol de Brasil e Inglaterra, 1970, ainda se pauta pela estética. Há tempo para se pensar uma bela jogada e para se apreciar essa jogada. Seria maravilhoso o super-slow naquele quarto gol contra a Itália. Conteúdo e pouca forma.
O futebol hoje é bloqueio e cortada. Milhões de bolas jogadas a esmo na área e uma tabela a cada 30 minutos jogados. Não há tempo para pensar e tudo o que nos fascina é o fato de NÃO SE SABER O FIM DA HISTÓRIA. Se for tirado o suspense do resultado final, quase nada resta que nos prenda a atenção.
Ficamos então fascinados pelo rosto em slow, pela rede que se estufa, pela bola girando. Tecnologia tentando preencher a miséria estética. Ninguém se interesserá por Brasil e Costa do Marfim em 2050. Nem eu e nem voce.

VIAGEM SENTIMENTAL - LAURENCE STERNE

Machado de Assis adorava Sterne, e lendo esse brilhante irlandês, logo notamos a influência que Laurence exerceu sobre o genial Machado. Como acontece no autor braileiro, Sterne brinca com o texto, comenta o que escreve, finge ser pessoa real aquilo que criou no papel e faz de gente de carne e osso, ficção. Mas tem mais:
Em pleno século XVIII, ele desobedece a pontuação, ignora regras, ignora maiúsculas, ignora parágrafo. Coloca uma Letra grande em meio a frase, começa diálogos sem travessão, E abandona uma narração ao meio e Inicia uma nova história sem mudar de parágrafo. Quando não, deixa um capítulo em branco por se confessar sem inspiração. Ou completa toda a folha com pontos por se envergonhar do que pensou em escrever. Para Sterne, uma Página em branco é um novo mundo. O humor É rei.
Mas não é autor fácil. Muito pelo contrário. Se este VIAGEM SENTIMENTAL é até que simples, TRISTRAM SHANDY é o ponto culminante da arte de Sterne e é o livro que prova sua genialidade. Em Shandy o satirista atinge a altura de Swift, em VIAGEM SENTIMENTAL, que ele deixou inacabado, apenas entrevemos aquilo que ele foi. Dá menos trabalho para ler e dá muito menos prazer.
Em Shandy este irlandês excêntrico chega a gastar 80 páginas para descrever uma escada sendo descida. Sim, oitenta páginas em letra miúda. MAS COMO? Ora, Sterne É o mago da viagem mental. Cada passo dado nessa escada traz uma conversinha que traz uma anedota que traz uma lembrança que traz uma personagem nova & que traz mais uma história & assim nos vamos e só bem depois disso & daquilo é Que voltamos a tal escada. Mas tem mais:
Laurence Sterne fala de Sexo todo o tempo. Tudo o que ele escreve é coito & gozo & foda cifrada. Neste VIAGEM SENTIMENTAL em suas andanças pela França, ele jamais descreve as paisagens, os lugares ou as estradas. Ele só fala das moças, sejam baronesas ou sejam empregadinhas de hotel. Por todas ele se apaixona, e todas ele esquece. E depois as leva a cama. Ou não? ( )?
Aliás o livro termina com uma frase pelo meio. E sabe-se que era pra acabar assim mesmo. O que Sterne não teve tempo de escrever foi o livro dois, Que se passaria na Itália. Que pena.....
Com o começo da industrialização britânica um monte de gente que era Matuto de aldeia virou urbano trabalhador. A alfabetização se fez em massa e uma montanha de jornais, revistas, livros e fascículos apareceram da noite pro dia. É o tempo em que Henry Fielding lança TOM JONES, e Defoe manda ROBINSON CRUSOE e Swift VIAGENS DE GULLIVER e surgem o dr. Johnson com seu diário e Sterne está nesse meio. Montes de escritores, de poetas, de jornalistas, de sátiras e de livros pornôs. O século XVIII foi o século...!
O inglês descobriu o prazer de ler. E STERNE nos exibe o prazer em escrever.
Se você está acostumado a ler, se você já chegou ao nivel de alfabetização de um inglês/leitor/de 1780, procure ler o TRISTRAM SHANDY. Mas se voce ainda lê só o que tem cem páginas sem grandes complicações & vôos, vá de VIAGEM SENTIMENTAL. Depois você lê o livro sobre meu amigo Shandy.
& então você escreve aqui o que achou.
morou ?
mas Que diabos de nome é esse? Tristram? e lá se vai o velho Laurence Sterne escrever 60 páginas sobre o porque desse nome: Tristram. Vá lá se saber.
Esse povo inventou o humor britânico. O Monty Python habita suas linhas. 1700 e uns quebrados e os caras eram uns safados ( estou falando de Swift e Fielding e Sterne e etc & etc .... ); !!!! caraca!!!!! Morou?

O BANDIDO DA LUZ VERMELHA- ROGERIO SGANZERLA

Seria este o mais genial filme feito no Brasil ? Veja o que digo, o mais genial é diferente de o melhor. Para ser o melhor é necessária a perfeição e perfeito o filme de Sganzerla não é. O som é deficiente, a montagem às vezes é feita às cacetadas e os atores se perdem. Mas genialidade não é perfeição, genialidade é fecundação, potência, coragem. E este filme é sim, a hora e vinte e cinco mais genial já feita no país.
Mas está longe de ser o melhor.
Rogerio Sganzerla tinha vinte anos quando o escreveu e dirigiu. Vinte anos... e sem dinheiro. Mas o texto deste filme, as frases cunhadas em sua narração esculachada ( destaco esta, que é jóia de filosofia : " se não podemos fazer a gente esculhamba" ), a vontade de explodir que há em cada fotograma, a garra genuína do sangue jovem tentado dizer tudo e se perdendo...é prova de talento verdadeiro, de brilho, de gênio. O filme mostra o país de seu tempo e antecipa o de agora. Bandidagem feita por manchetes de jornal, políticos misturados a bandidos, violência cega e suicida. O Kane de Orson Welles está presente na forma do enredo, mas Godard e seu Pierrot são citados sem parar. O final, hilário e hiper brasileiro, é homenagem explícita ao doido gênio francês.
São ruas e gente, câmera na mão, narração bombástica de rádio, tv e mentiras, e a solidão. O filme voa entre essas ruas, essas cenas mal ensaiadas, o som sem sincronização, a trilha sonora que sempre vem em volume errado. Mas com toda essa precariedade o filme sobrevive, cresce e nos faz sentir. Quando ele termina ainda fica na gente uma vontade de fazer.
Fazer um filme, fazer um texto, fazer um mico, um erro ou simplesmente ir pra rua andar e ver...........
Mais uma lista de 50 melhores saiu esta semana. Os 50 melhores filmes não-anglo/americanos de todos os tempos. Ganhou OS SETE SAMURAIS de Kurosawa, o que me deixou satisfeito. Mas em sétimo está CIDADE DE DEUS. Cidade é excelente, mas o sétimo melhor filme do século ? Batendo tudo de Bunuel, Renoir, Truffaut, Herzog, Lang, e um imenso etc. É lista de quem viu poucos filmes, só os mais recentes e meia dúzia de clássicos, mas o que quero falar é das mensagens que logo vieram, pedindo O BANDIDO DA LUZ VERMELHA no lugar de Cidade.
Cidade é muito melhor, não há como comparar. Mas, como falei, O BANDIDO tem mais inventividade, talento bruto, poder e alcance. Os americanos amam Cidade porque ele consegue ser exótico com suas favelas e favelados e ao mesmo tempo ele é muito próximo de qualquer americano por seu estilo de edição e de cor. É bem feito, profissional, bem narrado, perfeito. Um americano acharia O BANDIDO insuportável. ( A não ser que fosse um Scorsese da vida ).
É um filme brasileiro. Mais que isso, paulista. Mais que isso, ele é da boca do lixo.
Rogério explodiu. A tensão que há no filme, a eletricidade, a fagulha de destruição, e ao mesmo tempo, a vontade de viver não pode ser repetida. Como aconteceu com Welles e com Vigo, o filme foi começo e fim de uma carreira.
Só se explode uma vez. O resto é fumaça.

OZU/ MIZOGUCHI/ ALMODOVAR/ ROCK HUDSON/ DORIS DAY

A PRINCESA DAS OSTRAS de Ernst Lubistch
Mais um filme silencioso de Lubistch de sua fase alemã. É uma deliciosa história sobre herdeira milionária e seu principe. Trata-se de comédia mágica, encantadora. Os cenários, irreais, são por sí um prazer. O filme é todo alegria. Enjoy it. Nota 7.
O INTENDENTE SANSHO de Kenji Mizoguchi
Este clássico de Mizoguchi toca na maior chaga da história humana : a escravidão. Mas há mais, ele fala da relação entre mãe e filhos, entre irmãos, fala ainda da decadência e do gosto azedo de toda vingança. Visualmente trata-se de uma obra-prima. Cada cena é uma sinfonia de flores, rostos e de água. Mizoguchi, o mais feminino dos diretores do Japão, desenvolve este enredo, doloroso, triste, poético, com toques de pincel em porcelana. É um filme perfeito e que tende a ser ainda melhor ao ser revisto. O final é inesquecível. Nota DEZ.
CONFIDÊNCIAS A MEIA-NOITE de Michael Gordon com Doris Day, Rock Hudson e Thelma Ritter e ainda Tony Randall
Doris saiu de moda na era hippie. Foi chamada de a mais virgem das virgens do cinema. Mas é pura doideira freak dizer isso. Ao rever seus filmes notamos o quanto ela era sexy. É ainda o modelo de gente como Jennifer Anniston, Meg Ryan e Reese Witherspoon. Rock é um Clooney mais elegante ainda ( e mais afetado ). O filme, o primeiro dos dois, é aquela bobagem bacana sobre moça que odeia playboy e depois passa a amá-lo. O cenário é hiper colorido, Rock faz um mentiroso muito bem e Doris é deliciosa. Um clássico da sessão da tarde. Nota 7.
VOLTA MEU AMOR de Delbert Mann com Doris Day, Rock Hudson e Tony Randall
Sobre publicitário anti-ético e sua rival. É claro que acabam por se apaixonar. É claro que tudo é colorido, fake e muito divertido. E Doris não é uma chata virginal. O filme, o segundo dos dois, ainda é legal. Perfeito para uma tarde de frio. Nota 6.
LE BONHEUR de Agnés Varda
Um homem casado e feliz arruma uma amante. Ele continua feliz e a amante é feliz também. Mas ele, ingênuo e idealista, pensa que a mulher pode aceitar sua felicidade por ter duas mulheres que o amam e a quem ele também ama. Mas talvez não seja assim... de qualquer modo, ao final do filme, ele e a amante continuam felizes. Este filme, de belíssimo colorido, que tem um trio de atores lindos e contentes, não tem trama, não tem drama, não tem comédia. Ele mostra, com muita criatividade e engenho, com uma edição ágil, três adultos e duas crianças comuns e ao mesmo tempo muito especiais. Eis um clássico simples, um belo momento da nouvelle-vague. Lindo filme. Nota 7.
ABRAÇOS PARTIDOS de Pedro Almodóvar com Lluis Homar e Penélope Cruz
Já aviso: eu detestei este filme. Ele é chato, maneiroso, sem nenhum tipo de emoção verdadeira. Tudo parece forçado ou pior: previsível. Dá pra adivinhar tudo o que vai acontecer. Poderia ser uma comédia, mas é levado a sério. Imperdoávelmente vazio. Nota 1.
TOKYO STORY de Yasujiro Ozu
Após os 7 Samurais de Kurosawa, este é considerado normalmente o melhor filme japonês da história. É o filme favorito de Wenders e de vários diretores americanos moderninhos. O estilo de Ozu está todo aqui. Os atores conversam olhando para a câmera. Câmera que está sempre a altura do tatami. Ozu evita as emoções fortes, todas são sutis, mas essas emoções estão sempre presentes, batendo a porta, nos olhares e nos corpos que se encolhem. O tema é típico de Ozu : a família. Trata de dois pais, idosos, que vão à Tóquio visitar os filhos. Nenhum filho é ruim ou frio, mas eles simplesmente não têm tempo livre para os pais. Apenas a nora viúva parece os entender. Nada explode, não há nenhuma cena de dor ou de raiva, mas dentro de nós, lentamente, delicadamente, vai nascendo uma sensação de dor e de inevitabilidade. Misturando seus ingredientes, com precisão poética, Ozu nos leva para dentro daquelas casas, daqueles rostos, daquelas vidas. O filme é uma obra-prima absoluta. Ozu era um santo. Nota DEZ !!!!!!

MARCOVALDO OU AS ESTAÇÕES NA CIDADE - ITALO CALVINO

Eu sou Marcovaldo e Marcovaldo é um idiota. Ele vive numa cidade industrial e tem uma vida banal. Mas Marcovaldo ( e eu ) temos um segredo. Segredo que é dádiva e é maldição. Segredo que faz de nós dois idiotas. Eu e Marcovaldo não temos olhos para a cidade. Não enxergamos ruas, edifícios ou postes. Somos incapazes de perceber carros e lojas. Marcovaldo, assim como eu, idioticamente caminha pela cidade tendo olhos apenas para os ridículos fiapos de natureza que insistem em persistir.
Um pássaro que passa perdido, um cogumelo que brota em ponto de ônibus, uma planta presa em escritório, um peixe de riacho apodrecido, uma flor e uma borboleta condenada, uma árvore em meio ao caos. Marcovaldo se liga a tudo que é lembrete de natureza. Seu olhar reconhece importância somente no que deveria ser vivo. Eu e Marcovaldo somos prisioneiros da saudade daquilo que jamais conhecemos. Somos inapelávelmente patéticos.
Italo Calvino é o tipo de escritor mago. Seu dom não é o da observação ou da escrita. Seu dom é o da criação. Calvino cria barões que não pisam no chão, viscondes partidos ao meio, cidades invisíveis, amores ridículos. Todos os livros que tive o prazer de ler ( e Calvino é um prazer ) são festas de invenção. Calvino diante da folha em branco a preenche de fantasia e nos dá inesperados. Mas aqui, neste belo Marcovaldo, ele é quase realista. Quase. Pois em meio a verdade comum da vida na cidade, em meio a comédia que tanto lembra os bons filmes de Totó e de Monicelli, nasce a criação de Calvino, o fantástico surge, a surpresa. O livro faz rir. O livro nos faz tristes. Como em Fellini.
Coelho de laboratório, pombo da poluição, rio envenenado, planta em agonia, gato humanizado, noite na praça insone, montanha bosque de hospital. O natural-perfeito sempre manchado pela cidade podre. Luzes de neon que obscurecem a Lua. Marcovaldo ansia pela chuva e se perde encantado em nevoeiros espessos. Comemora quando a neve esconde a cidade. O livro de Marcovaldo/eu é feito de vários contos curtos, todos com uma estação do ano, a cidade de indústrias e a família de Marcovaldo. O livro é a mão de Italo Calvino desenhando quadros de desolação cômica. Faz rir.
Longe de ser uma obra-prima como são Cidades Invisíveis e As Cosmicômicas, este é um cativante relato sobre um imbecil simpático. A luta de Marcovaldo está perdida desde sempre. Mas é nessa derrota que reside sua nobreza.

BILL MURRAY/ CLOONEY/ BOGART/ GRIFFITH/ LUBISTCH/ TYRONE POWER

TARDE DEMAIS de William Wyler com Olivia de Havilland, Montgomery Clift, Ralph Richardson e Miriam Hopkins
Perfeito. Atores de gênio, roteiro com diálogos soberbos e a direção sempre impecável de Wyler. Um exemplo de que é possível transformar um livro genial ( de Henry James ) em filme memorável. Mais cometários abaixo. Nota DEZ!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
DESEJOS PROIBIDOS de Max Ophuls com Charles Boyer, Danielle Darrieux e Vittorio de Sica
Talvez em termos visuais seja o filme mais refinado que já assisti. Um aula de estética e de gosto. A história exemplifica a perfeição a diferença em amor entre homens e mulheres. Elas têm mais coragem. Ophuls foi um dos grandes. Este é seu melhor filme. Nota DEZ!!!!!!!!!!!!!!!!!
UM DIA ESPECIAL de Michael Hoffmann com George Clooney e Michelle Pfeiffer
Um filme todo centrado no charme de dois atores. Para nossa alegria eles são realmente bons de se olhar. George Clooney ainda em seus tempos de ator leve e Michelle bela como sempre. O filme, sobre casal que se odeia e que passa a se amar, se deixa ver. É Sessão da Tarde clássica. 6.
RECRUTAS DA PESADA de Ivan Reitmann com Bill Murray, John Candy e Harold Ramis
Segundo filme de Murray e primeiro de Candy. Sobre dois caras que se alistam pensando ser a vida no quartel fácil. As comédias nos anos 80 viveram grande momento. É a época de Steve Martin, Eddie Murphy, Dan Ackroyd, Lily Tomlin, Martin Short, Leslie Nielsen, John Candy e ainda de Mel Brooks e Woody Allen. Mas, que surpresa, este filme não tem graça nenhuma!!!! Murray está especialmente ruim, exagerando seu tipo de malandro sonolento. Candy está ok mas aparece pouco. O diretor é o pai de Jason Reitmann e ficamos sabendo nos extras que este roteiro era para Cheech and Chong e que acabou com Bill e Harold. Tiraram as piadas sobre marijuana e a graça se foi. Uma chatice. Nota 3.
O FALCÃO MALTÊS de John Huston com Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre
É o mais importante filme noir mas não é o melhor. Vemos aqui todo o nascimento de um gênero : música nervosa, imagens com sombras, mulher falsa, herói individualista e durão. O roteiro de Huston melhora o livro e Bogey está totalmente à vontade, ele nasceu para ser durão. Uma diversão de primeira e uma delicia para madrugadas frias e de chuva. Nota 9.
O FAVORITO DOS BÓRGIA de Henry King com Tyrone Power e Orson Welles
Filmado em palácios italianos, podemos ver a absurda beleza da renascença. O filme fala de tirania e de Tyrone como vassalo que muda de lado. King dirigia de tudo na Fox. Nunca foi genial, mas sabia fazer as coisas andarem. Tyrone era herói humano. O filme é ok. Nota 6.
INTOLERÂNCIA de David W. Griffith
Os Lumiere inventaram a imagem em movimento, Griffith inventou o cinema. Tudo o que pensamos ser "o cinema" foi idéia de Griffith : ação paralela, melodrama, correrias, cenários suntuosos ( aqui são gigantescos ), atores de carisma, movimento. Neste imenso filme ele conta várias histórias em várias épocas distintas, todas entrelaçadas. O filme ainda impressiona por sua inacreditável grandiosidade. Hoje ele seria impossívelmente caro. O cara era provávelmente louco. Ou não, seria o típico americano empreendedor do século XIX, o self-made man. Diversão que noventa e dois anos depois ainda se sustenta. Nota 7.
ENCONTROS E DESENCONTROS de Sofia Coppolla com Bill Murray e Scarlet Johansson
Revisto hoje após o burburinho da época o filme se mantém como modesto romance puritano. Nota-se algo de muito pudico em todo seu romantismo travado. É tristinho, engraçadinho, bobinho e bonitinho. Um belo raio x de uma geração toda "inha". Bill Murray faz bem Bill Murray no Japão. Scarlet está bonita e ruim. O filme é bacaninha. Nota 6.
MEU MELHOR COMPANHEIRO de Robert Stevenson com Dorothy McGuire e Fess Parker
Cachorro e família em fazenda texana do século XIX. Filme de cachorro de grande sucesso em seu tempo. Um dos clássicos da Disney. A diferença dos filmes de cachorro de hoje é que este cão é mais cachorro. Ele nada tem de criança, de humano, de tolinho. Briga com animais, foge, apronta e é absolutamente animalesco. Um bom filme. Nota 7.
EU NÃO QUERO SER UM HOMEM de Ernst Lubistch com Onny Oswalda
O instituto Goethe lança uma série de filmes mudos de Lubistch. Primeiro: é delicioso ver uma Alemanha em nada parecida com Lang ou Murnau. É um país muito alegre e de bem com a vida. O que pensamos da alegre Berlin dos anos 20 está aqui mostrado. A história, muito amoral, fala de moça que se veste de homem para poder sair a noite, e de dandy que se apaixona por esse "rapaz". O filme é hoje considerado um clássico gay. Lubistch faz tudo se parecer com champagne. O filme espuma e alegra. Nota 7.
GATINHA SELVAGEM de Ernst Lubistch com Pola Negri
Este vai mais longe. Soldados alegres, comandante bobão, batalhas de folia, rebeldes atrapalhados e muita malicia. Negri é a cara de Helena Bonham- Carter. Um detalhe histórico. Gente que é anti-americana gosta de dizer que foram os imigrantes do eixo Berlin-Vienna que fizeram Hollywood. Gente como Wyler, Wilder, Dieterle, Sirk, Lang, Murnau, Zinnemann, Preminger, e uma infinidade de roteiristas e fotógrafos. Dizem isso como se Ford, Buster Keaton, Vidor, Milestone, Fleming, Griffith, Wellman não estivessem lá desde sempre. O que se pode dizer é que os imigrantes trouxeram um tipo de filme mais urbano, mais ácido, mais sexy. Lubistch, que foi o imigrante de maior sucesso, se tornando um tipo de "dono" da Paramount, trouxe a comédia maliciosa, manhosa, vienense. Este filme, com sua leveza bem-humorada e seus cenários de bolo de noiva exemplifica todo seu glorioso talento. Nota 8.

A MORTE ( DE UMA PALESTRA DE SCARLET MARTON )

Quando eu fui pagão.
Enterrava meu morto ( e ele era meu, e a morte era minha ) em casa. Ele ficava habitando meu jardim e fertilizava minha vida vegetal. Seu espírito intercederia por mim e era ele quem faria minha rosa florir. E eu sabia que iria morrer sob céu e sobre terra e saberia fazer vicejar o verde das folhas e sabia que a morte é a parte principal da vida. Pois nesse universo primitivo tudo é morte: cada estrela e cada pedra é morta, todo presságio a anuncia. Toda casa tem seu túmulo e seu altar, todo jardim guarda um espirito. A morte regendo a vida, a morte sendo presente, a morte como parte de vida.
Quando me tornei cristão. Passei a crer apenas na vida. A morte tornou-se maldita. Sagrada é a vida, dada por Deus, a morte é incompreensível. E detestável. A vida continua como ressurreição, a morte deve ser vencida. Cemitérios para depositar corpos, corpos que contém alma, corpos que se erguerão, um dia. A morte deve ser banida.
Quando me fiz moderno. Lugares para morrer, de preferencia dormindo. Não posso encarar minha morte, que ela venha em sono de ópio ou em susto de acidente. Que o luto se faça por um dia em capela distante e que o resto seja depositado entre restos. Longe de mim a morte. Que ela se torne espetáculo ficcional, que se torne explosão, malabarismo, show de cores, mas que eu me esqueça de sua realidade. Passo a acreditar que toda morte é não-natural, que morrer é sempre um acidente, um erro médico, um cigarro a mais, uma alimentação errada. Esqueço que morrer é natural, corriqueiro, banal.
Ouço então que Pascal pensava exatamente o que sempre pensei: que toda a história da cultura é uma tentativa de se distrair da morte. O homem culto, racional, tem na morte algo de insuportável. Um intelecto desenvolvido não suporta a idéia do inevitável, do além de sua compreensão. Então ele foge dessa lembrança. E cada vez mais se entrega a distração. Teatro, ritual, livros, passeios, filmes, sexo, romance, drogas, disputas, consumo, virtualidades. Nos distraimos olhando estrelas ( que são mortas ), vendo espetáculos ( de autores mortos ), filosofando ( sobre idéias mortais ). Tentamos acreditar em religiões que consolam. Mas no íntimo todos sabemos: tudo isso nada significa diante da morte. Mas....
Porque o homem é o único bicho a saber de seu fim? Porque mesmo sabendo que tudo morre persistimos? Porque pensar na morte é viver? Memento mori.
Sempre tenho em mim a heróica imagem de um homem primitivo olhando para seu filho morto e pensando aturdido : Porque? Porque? Porque?
Não é a escrita ou a descoberta do fogo que fez de nós macacos mais evoluídos. Foi a consciencia do fim que nos fez humanos. O tentar preservar a memória dos que morreram, o tentar esquecer o próprio fim, o se proteger desse fim. Ser humano é saber-se finito.
Mas existe o risco da desumanização. Que seria ignorar a morte. Não mais preservar memórias, ignorar completamente a própria finitude e principalmente, deixar de respeitar e temer a morte. Em mundo sem a presença da morte seria o homem apenas um produtor de eternos presentes, sem qualquer compromisso com futuro ou responsabilidade por um passado. Insetos.
Quando morrer eu existirei como cinza. Misturarei meu pó ao pó de onde todos vieram. E estarei na situação de todos aqueles que vieram antes de mim. Serei mais um e perderei enfim a arrogancia de ser único. Meu pó será como é e sempre foi e sempre será o universo: para sempre.
Os pagãos sabiam disso. Morrer, para eles, era retornar a Terra. Voltar ao ciclo da natureza. Tornar-se solo. Humus- Humano. Ser um homem era saber morrer. Viver era preparar-se para morrer. E saber disso era aproveitar seu tempo aqui e agora. Carpe diem.
Não quero dizendo isso advogar o luto antecipado ou a morbidez fatalista. O que penso é que precisamos nos apequenar diante do inevitável, adquirir uma noção de importância perante o inevitável, entender que todos estamos nesse caminho.
Saber que na vida só existem dois momentos de súbita e completa clareza ( e que são os momentos onde cessa o tempo ): o momento do amor verdadeiro e o momento da morte. Todo o resto é preparação para amar e morrer ( em seu melhor ) ou covarde negação dessa prova de vida ( em seu pior ). Como dizia Montaigne, filosofar é aprender a morrer.

O PEQUENO ZACARIAS CHAMADO CINÁBRIO- E.T.A. HOFFMANN

Poeta, músico, pintor e principalmente contista. Hoffmann, alemão da grande era de Goethe e Beethoven, é o romântico mais lido de seu país. Principalmente seus contos de horror são hoje bastante populares. Ele foi inquieto, melancólico, idealista, proteico. Zacarias, finalmente traduzido, é um longo conto, ou curto romance, sobre fadas, magos e duendes. Mas é acima de tudo sobre a vida real.
Zacarias é pessoazinha disforme, repugnante e mal caráter. Uma fada sente piedade por ele e lhe concede o dom de ser admirado pelo trabalho dos outros. Zacarias, que se torna Cinábrio, continua o mesmo monstrinho de sempre, mas agora, todos vão enxergá-lo como possuidor do talento de quem estiver a seu lado.
O texto, simples e delicioso, com um humor ágil, joga ácido sobre o iluminismo ( para ele, o progresso é coisa imposta ao povo ) a ciência ( sempre cômica em suas deduções "profundas" nas quais fingimos dar importância ) a religião e até ao próprio romantismo. Mas ao contrário de Voltaire, que em seus contos nega qualquer consolo, em Hoffmann habita a esperança. Lendo, com grande prazer, este texto, sentimos que para ver o maravilhoso da vida, basta ter o desejo de perceber. Para Hoffmann ( e essa é a grande diferença entre os idealistas alemães e os cartesianos franceses ) o mundo é sim, mágico. As explicações científicas nada explicam, perdem-se em inúteis experimentos, provam o que é óbvio e fogem do inexplicável. Romântico que é, Hoffmann crê acima de tudo na maravilha humana. Seu modo de pensar seria massacrado no final do século XIX.
Freud tinha imenso apreço por Hoffmann. Seu texto é rico em símbolos de inconsciente. Ou não. Tudo o que voce esperava encontrar em Alice está aqui : maravilhamento. Zacarias daria um filme magnífico. Hoffmann continua vivo, e isso é fantástico.
Porque hoje, em época desiludida, precisamos mais que nunca dos tolos românticos para nos consolar, nos inspirar, fazer com que recordemos do tamanho que já tivemos. Vivemos um dia , faz tempo, em meio a titãs, acreditamos em mistérios; optamos por nos vulgarizar. Descemos.
No enfoque puramente político, eis um conto que expõe a tolice, atual e eterna, do puxa-saquismo, do conluio e da auto-ilusão. Cinábrio fala obviedades, faz banalidades e é tido por genial. Cercado de anônimos que trabalham e criam, é ele quem leva todo o crédito por tudo de bom que acontece.
Cinábrio poderia ser brasileiro e ter por nome Inácio. Hoffmann é de hoje.