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GOODFELLAS, SCORSESE
Ontem vi esse filme pela segunda vez. Tinha visto a primeira vez em 1991. Na época ele me deixou meio louco. Ele tem um efeito de droga. Não sei se ele é um grande filme. Não sei nem se é bom. Tecnicamente é perfeito, mas o roteiro...voce nota que ele não tem um alvo, não tem diálogos memoráveis, tem montanhas de erros de continuidade, e todos os personagens parecem terrivelmente rasos. Mas há algo diabólico nele. A mistura de edição genial ( Thelma Schoonmaker, a esposa de Michael Powell ), grandes atuações, trilha sonora precisa e visual sempre rico e hiper hot ( Michael Ballhaus fez a fotografia, vindo dos filmes de Fassbinder ), toda essa sopa de talento fez deste filme algo muito, muito difícil de classificar. ------------------- Falei grandes atuações? Ray Liotta e Lorraine Bracco estão magníficos porém De Niro quase destroi o filme. Está insuportavelmente caricato. É o De Niro de anedota. Ridículo. -------------- Todo o resto brilha, muito. Mas cá entre nós, quem não atua bem em filme do cara? Só De Niro. --------------------- Scorsese faz aqui, de novo, a coisa católica: sofrer e ser salvo. É preciso sofrer. A gente meio que sofre vendo vários dos filmes de Scorsese. Mas depois sentimos que valeu a pena. A gente não sofre muito neste. Ele é sempre divertido. Tem aqueles rostos tipo Fellini. Scorsese usa a cãmera como Jeff Beck usava a guitarra, faz o que quer mas nunca à toa. ------------- Okay. É um grande filme. Lembro que na época a crítica ficou como eu: Como classificar este filme? Eu acho que ficamos assim porque é um filme sem uma só pessoa que preste. TODOS são maus, muito, muito maus. E mesmo quando Ray se regenera o que o motiva não é o bem, é o medo. ------------------ Um aluno veio tomar conselhos comigo, uns dois anos atrás. Ele estava adorando ganhar dinheiro, muito dinheiro, trabalhando pro tráfico aos 16 anos. Mas um amigo seu, o que o levara para lá, morrera e esse aluno sentia medo agora. O que fazer? Fui duro com ele. Eu disse: voce vai morrer. Não tem conversa, voce vai morrer. Então escolhe. Um ou dois anos com dinheiro e a morte, ou tentar viver na linha e duro. ----------------- Ele saiu do crime depois de 3 dias. Está vivo e trabalha. Ganha pouco, muito pouco, mas nunca se arrependeu. Diz que salvei sua vida. Goodfellas é sobre isso.
MOTT THE HOOPLE E BAD COMPANY
De todos o estilos de rock, nada está mais morto que o hard rock. Estilo dominante nos anos 70, ele era leve demais para ser metal e pesado demais para ser POP. Seus temas eram geralmente amor, sexo, estrada, os amigos, a revolta, leve, contra o sistema. Tinham uma alegria que transparecia mesmo nas baladas e uma técnica não exibicionista. Eram bandas para se divertir escutando e eles se divertiam tocando. A partir dos anos 80 esse estilo se mediocrizou em chatices que prefiro não citar ( voce conhece todas ). O que era um grupo de homens tocando rock em volume alto se transformou em bando de ídolos sexy se exibindo no palco. Virou a coisa mais fake do mundo. ---------------- Mott The Hoople era a banda de Ian Hunter, um grande letrista que em 1973 tinha como líder de seu fã clube um moleque chamado Morrissey. O som era hard rock, mas com fartas pitadas de Kinks e Dylan. MOTT, seu melhor disco, é quase uma obra prima e veio após Bowie ter salvo a banda com all the young dudes. Aqui Bowie não participa. O filme de Scorsese, ALICE NÃO MORA MAIS AQUI usa este disco na trilha sonora, ele abre com uma sequência linda, na estrada, ao som de all the way from Memphis, uma obra prima que abre o LP. Mick Ralphs, o guitarrista, poderia solar duas horas, mas não, no hard rock os solos são concisos. O disco todo transpira inspiração e a voz de Ian Hunter, mesmo não sendo do tipo que eu aprecio, funciona. É um som que me embala desde minha adolescência e reouvindo agora me deu muito prazer. ------------------ Bad Company foi um supergrupo surgido em 1974. Super porque todos os quatro integrantes tinham sucesso em seus ex grupos: Paul Rogers era vocal do Free, Simon Kirke batera da mesma banda, Mick Ralphs vinha do Mott The Hoople e Boz Burrell tocava baixo no King Crimson. O primeiro disco, Bad Company, é o mais simples e direto exemplo de hard rock dos anos 70. Riffs que acertam o alvo. Bateria pesada. Vocal rouco. Baixo que pulsa. Um som limpo, claro, nítido, direto. São apenas 8 faixas e nenhuma é menos que afiada. Neste disco percebemos o melhor dom do hard rock: ele nos enche de vontade de fazer coisas. Ir à rua, viajar na estrada, procurar alguém. É viril. De todos os estilos é o que menos me enjoa, o bom e velho rock pauleira. Ah sim, o disco foi number one nas paradas do mundo. Bons tempos...
CINEMA GANGSTER
Vejo seis filmes de gangster da Warner. Todos feitos nos anos 30. Se voce nunca viu esse tipo de filme corra pra ver. Foi um dos modismos mais fortes do cinema americano. ------------------- Dá pra dizer que a coisa começou em 1930 com O INIMIGO PÚBLICO. Em estilo semi documental, eram filmes com roteiros baseados em notícias de jornal e as notícias eram sobre criminosos, gangsters. Mostrava-se a ascensão de um chefão, seu apogeu, seus crimes, amores e seu fim. Os filmes eram duros, nada sentimentais, viris. As imagens eram cheias de carrões, metralhadoras, ternos listrados, charutos, boates, ruas escuras. Barulhentos, violentos, esses filmes fizeram a riqueza da Warner, viraram mania, e assim passaram a influenciar os jovens. Os gangsters ( como acontece hoje no RAP ), se tornaram fetiche, alvo de vida, comportamento a ser imitado. A censura começou a agir a partir de 1935. Mas mesmo assim alguns dos melhores filmes de gangster são de 1938, 39. ---------------- James Cagney era o melhor e o maior. Os bandidos que ele faz são como bombas prestes a detonar. Ele tinha o gestual certo, a voz perfeita, foi o molde do bandido perverso, perigoso e ao mesmo tempo charmoso. ROARING TWENTIES é seu apogeu. Lá está sua energia sem fim, sua humanidade impefeita, o fogo em cada gesto que queima nosso olhar. Há Humphrey Bogart também, o Bogart antes de O FALCÃO MALTÊS, o Bogey bandido, mal, que as pessoas queriam ver morto, o coadjuvante de luxo, o vilão. Humphrey Bogart trai, conspira, atira pelas costas, é covarde. Cagney não. É um assassino que tem um código. --------------- RAOUL WALSH, MICHAEL CURTIZ, MERVYN LE ROY, ARCHIE MAYO, HOWARD HAWKS, são esses os diretores. Em comum, eles são rápidos, machos, não enrolam, não enganam, exibem a coisa inteira, são econômicos. Chegam a fazer quatro, sim, quatro filmes por ano. Se vêm como trabalhadores, artesãos, produtores de histórias. Um filme em 45 dias. E pasmem, são grandes filmes, duram até hoje, 90 anos depois. ------------------- ANJOS DE CARA SUJA é talvez a obra prima do estilo. É de Michael Curtiz. Tem Cagney. Ele é um gangster que vira ídolo da molecada que vive na rua. Tenho uma história com esse filme. Eu devia ter uns 7 anos e meus pais viram esse filme na TV. Sou velho meus queridos...eu vivi no tempo em que a TV passava filmes dos anos 30. Pois bem...fiquei apavorado com o fim do filme. Jamais esqueci. Cagney caminha para a cadeira elétrica. E berra. NÃO QUERO MORRER! NÃO! NÃO ME MATEM! Esse berro ficou marcado em mim. É junto com SONHO DE UMA NOITE DE VERÃO, outro filme dos anos 30, também da Warner, também com Cagney, visto mais ou menos na mesma época, as lembranças mais antigas de filmes que eu tenho em mim. Só que a memória infantil de SONHO DE UMA NOITE é pura magia, encanto, quase um enfeitiçamento; já ANJOS DE CARA SUJA é uma lembrança dura, terrível. Revendo hoje, tantas décadas depois, observo a perfeição do filme. ------------------- Por fim uma história de Scorsese. Ele, quando fazia o filme sobre Howard Hughes, passou um filme de James Cagney para seu elenco. Martin Scorsese diz que os atores aplaudiram o fim do filme e na cena em que James Cagney entra se ouviu um ator dizer: Eis uma atuação realmente moderna. Esse cara criou aquilo que fazemos hoje. ------------------- São divertidos. São POP. E são cinema perfeito.
A BELEZA SALVARÁ O MUNDO....CONSIDERAÇÕES SOBRE DOIS FILMES QUE TENTAM SER BELOS
Me admira o fato de como a esquerda vive em um mundo completamente diferente do meu. Então, se voce for de esquerda, provavelmente voce não sabe que uma das frases mais amadas pela direita, e que virou mania na rede, é aquela que diz : NADA É MAIS REVOLUCIONÁRIO NO MUNDO DE HOJE QUE A BELEZA. Claro que como esquerdista voce deverá perguntar: DEFINA BELEZA. Nossa resposta é simples: SUA PERGUNTA É FEIA. O fato de voce precisar que alguém te explique o que é belo prova que desse assunto voce nada sabe. Touché! --------------------------- A quantidade de gente hoje, no meio do cinema, que diz amar os filmes de Michael Powell serve apenas para o desvalorizar. É muito provável que o amem pelo motivo errado. Ou pior, digam que sentem amor quando na verdade querem apenas provar ter raízes cinematográficas. Scorsese o amou muito antes da moda. Nos anos 70 ninguém lembrava de Powell porque politicamente ele é direitista. Mas Martin já entendia que a beleza é o bem supremo. O americano nunca mais deixou de crer nisso. Powell felizmente morreu velho. Houve tempo de ganhar homenagens. E se casou com a montadora de Scorsese, a multi premiada Thelma Schoomaker. ( Se escrevi errado é porque voce sabe quem ela é ). ------------------- Rubens Ewald Filho odiava Powell. Ele dizia que o inglês era brega, datado e risível. Sempre gostei do anti intelectualismo de Rubens, ele gostava de filmes por serem bons e apenas por isso. Mas nessa ele nada entendeu. Powell é acima de tudo bonito e logo em seguida divertido. ------------------------ Ontem revi CONTOS DE HOFFMAN, pela quarta vez. Quando o asssiti pela primeira vez, uns dez anos atrás, dormi no meio da exibição. Na segunda tentativa gostei muito e na terceira me emocionei. Ontem pensei no ROXY MUSIC. ------------------------- Roxy Music é uma banda inglesa de rock progressivo e pop. Em seus melhores discos voce nunca sabe se eles estão falando a sério ou se estão brincando. O alvo deles é sempre a beleza, e, como todo homem que entende o que o belo seja, eles jogam ao lixo o pudor e o bom gosto. Bryan Ferry e seus asseclas não temem ser brega. Eles sabem que a beleza moldada em bom tom nunca é totalmente convincente. Se é para chorar, o Roxy derrama rios de dor, e se é pra ser chique, eles misturam tuxedos com purpurina. Os clips de Ferry nos anos 80 e 90 são incrivelmente lindos. E soberbamente bregas. Auto confiança. Ferry é formado em artes plásticas, ele conhece Klimt. --------------------- CONTOS DE HOFFMAN é o maior clip de Bryan Ferry já feito e é a mais bela capa do Roxy Music imaginada. Powell e seu camarada, Pressburger, sempre em dupla, Powell dirigia, Pressburger produzia, os dois escreviam, usam as duas formas de arte mais demodé do século XX: Opera e ballet clássico, e ousam fazer um filme que é um desfile gay de afetação e breguice explícita. É lindo, e por isso é profundamente revolucionário. ------------------------ Scorsese ousou dizer, mais de uma vez, que entre 1942-1952, Powell e Pressburger fizeram a sequência de filmes mais ousada de TODA A HISTÓRIA DO CINEMA. Nem Bergman em 1954-1968 ou Godard em 1959-1967 foram tão longe. Porque isso? ---------------------------- Nessa sequência de filmes não há duas obras que se pareçam. Eles vão de contos das mil e uma noites à romance espiritualista, filme sobre religião e fé e filme sobre o sentido da arte, filme sobre guerra e filme sobre viagem interior. Todos os gêneros, todos os estilos, mas sempre dentro do mundo criado pelos dois, Powell e Pressburger ( assinavam The Archers ): Beleza e fantasia, nobreza e sonho. ------------------------------- CONTOS DE HOFFMAN não hestia em usar pérolas penduradas em óculos cor de rosa, batom e lamê, sedas e veludos às toneladas, penteados esquisitos, vapores e cores berrantes, efeitos sonhadores. É uma busca de beleza epifânica sem trégua. A flecha viaja e o alvo a espera. ------------------- THomas Beecham, talvez o maior maestro da história inglesa rege Jacques Offenbach. Hoffman é uma opereta, e o fato de Powell não ter optado pelos mais "finos" Mozart ou Verdi diz muito sobre sua arte. Ele busca a imagem cinematográfica. Não importa onde. --------------------------- A música é bela, às vezes divina, mas jamais complexa. È o pop do seculo XIX. A fotografia, technicolor farto e generoso, é de Christopher Challis. Moira Shearer dança, Ashton faz a coreografia, Ludmila Tcherina tem uma beleza imorredoura. -------------------- Eu não gosto de ballet clássico e ainda não aceito a ópera, e mesmo assim amo este filme. Porque ele não faz sentido. Não é elegante. Não exibe filosofices. É apenas e tão somente bonito. E é dos poucos filmes que realmente atingem o mundo onírico. É um vasto sonho. E sonhos meu bebê, são bregas. --------------------------------- Depois, com insonia, assisti FANTASIA, o de 1940. Como já esperava, Paul Dukas, Mickey e o Aprendiz de Feiticeiro são a melhor coisa. Stravinsky quase chega lá. E Beethoven é assassinado. A Sexta Sinfonia com unicórnios coloridos, arco íris, crianças com bundinhas de fora, centauros atléticos e centaurinhas de 13 anos, a natureza escorrendo mel e a bondade fake mandando nesse mundo de algodão doce? Deus meu! Eis o mundo PC de 2021 em 1940 !!!!! Quase vomito vendo tamanha bobagem. Pobre Beethoven....
MEL GIBSON...MARTIN SCORSESE...KIRK DOUGLAS...MILESTONE
ATÉ O ÚLTIMO HOMEM de Mel Gibson com Andrew Garfield, Vince Vaughan
E aqui temos Andrew Garfield de volta ao Japão, de volta a questões cristãs, sofrendo pacas outra vez. Parece que ele fez um tipo de treino aqui para depois fazer o filme do Scorsese. Mas, falando a real, ele está excelente nos dois. São papéis difíceis, que poderiam cair facilmente no exagero ou então na frieza blasé. Ele acerta o ponto. Agora falando do filme. Ele é excelente. A violência, de que tanto se falou, nunca é abjeta. Antes, é bela. O fogo, o sangue, a terra seca, tudo é esteticamente tratado. E têm uma função, um porque: existem para mostrar a miséria da carne, o vazio que há em tudo que é matéria, apenas matéria. Felizmente há no fim no filme os depoimentos das pessoas reais, dos que lá estiveram. Pois o que Desmond Doss fez foi um milagre. Um desses milagres que só quem não quer perceber não vê. Sua ação foi mais incrível que aquelas de qualquer personagem Marvel ou DC. Porque ele não tinha superpoderes e nem era um mutante. Era alguém como eu e voce, e fez aquilo que eu ou voce não faríamos. Gibson não erra. O filme tem o ritmo exato e as cenas familiares são excelentes. De ruim, e é uma pena, a trilha sonora melosa, invasiva, forçada. Ela dá ao filme uma melosidade que ele não tem. Penso que se feito em tempos menos lobistas teria ganho seu Oscar.
SILÊNCIO de Martin Scorsese com Andrew Garfield, Adam Driver e Liam Neeson.
É uma obra de arte feita por uma pessoa adulta. E como tal deve ser julgada. Não é um filme belo. Ele é árduo, duro, difícil e nos deixa muitas vezes sem saber o que pensar. Afinal, Scorsese defende os jesuítas ou não...Martin é adulto. As questões não são simples. São complexas. O filme, magistral, é inesquecível. ( Mais comentários abaixo ).
MANCHESTER A BEIRA MAR de Kenneth Lonergan com Casey Affleck
Falo deste filme abaixo. E explico porque ele é tão fraco. Tanto que o vi faz uma semana e já não recordo do que trata.
ENVOLTO NAS SOMBRAS de Henry Hathaway com Lucille Ball, Clifton Webb e William Bendix
Armações. Um filme noir sobre uma trama de um marido que deseja matar sua esposa. É uma rede de mentiras que nos envolve. O filme tem ritmo, quase todo noturno e soturno. Fascina o modo como as coisas vão se encadeando, o tipo de personalidade má dos personagens, as ruas suspeitas e os escritórios sujos. É quase uma obra prima de um diretor que filmou muito e acertava quase sempre.
O TEMPO NÃO APAGA de Lewis Milestone com Barbara Stanwyck e Kirk Douglas.
É o primeiro filme de Kirk Douglas. Feito em 1947, ele faz um homem fraco, mimado, que se casa com uma mulher rica, ambiciosa, e depois procura domina-la e não consegue. É um bom filme. Drama novelesco sobre a maldade. Milestone fez uma obra prima, Nada de Novo no Front.
E aqui temos Andrew Garfield de volta ao Japão, de volta a questões cristãs, sofrendo pacas outra vez. Parece que ele fez um tipo de treino aqui para depois fazer o filme do Scorsese. Mas, falando a real, ele está excelente nos dois. São papéis difíceis, que poderiam cair facilmente no exagero ou então na frieza blasé. Ele acerta o ponto. Agora falando do filme. Ele é excelente. A violência, de que tanto se falou, nunca é abjeta. Antes, é bela. O fogo, o sangue, a terra seca, tudo é esteticamente tratado. E têm uma função, um porque: existem para mostrar a miséria da carne, o vazio que há em tudo que é matéria, apenas matéria. Felizmente há no fim no filme os depoimentos das pessoas reais, dos que lá estiveram. Pois o que Desmond Doss fez foi um milagre. Um desses milagres que só quem não quer perceber não vê. Sua ação foi mais incrível que aquelas de qualquer personagem Marvel ou DC. Porque ele não tinha superpoderes e nem era um mutante. Era alguém como eu e voce, e fez aquilo que eu ou voce não faríamos. Gibson não erra. O filme tem o ritmo exato e as cenas familiares são excelentes. De ruim, e é uma pena, a trilha sonora melosa, invasiva, forçada. Ela dá ao filme uma melosidade que ele não tem. Penso que se feito em tempos menos lobistas teria ganho seu Oscar.
SILÊNCIO de Martin Scorsese com Andrew Garfield, Adam Driver e Liam Neeson.
É uma obra de arte feita por uma pessoa adulta. E como tal deve ser julgada. Não é um filme belo. Ele é árduo, duro, difícil e nos deixa muitas vezes sem saber o que pensar. Afinal, Scorsese defende os jesuítas ou não...Martin é adulto. As questões não são simples. São complexas. O filme, magistral, é inesquecível. ( Mais comentários abaixo ).
MANCHESTER A BEIRA MAR de Kenneth Lonergan com Casey Affleck
Falo deste filme abaixo. E explico porque ele é tão fraco. Tanto que o vi faz uma semana e já não recordo do que trata.
ENVOLTO NAS SOMBRAS de Henry Hathaway com Lucille Ball, Clifton Webb e William Bendix
Armações. Um filme noir sobre uma trama de um marido que deseja matar sua esposa. É uma rede de mentiras que nos envolve. O filme tem ritmo, quase todo noturno e soturno. Fascina o modo como as coisas vão se encadeando, o tipo de personalidade má dos personagens, as ruas suspeitas e os escritórios sujos. É quase uma obra prima de um diretor que filmou muito e acertava quase sempre.
O TEMPO NÃO APAGA de Lewis Milestone com Barbara Stanwyck e Kirk Douglas.
É o primeiro filme de Kirk Douglas. Feito em 1947, ele faz um homem fraco, mimado, que se casa com uma mulher rica, ambiciosa, e depois procura domina-la e não consegue. É um bom filme. Drama novelesco sobre a maldade. Milestone fez uma obra prima, Nada de Novo no Front.
SILÊNCIO...O MAIS DURO FILME DE MARTIN SCORSESE.
Cada vez menos gente sabe história, então conto aqui o contexto do filme: No século XVII, com medo do protestantismo, Roma dava força total aos jesuítas. Os jesuítas foram uma criação do século XVI que visava converter almas. Guerreiros de Deus, sua missão era levar a fé para o máximo de pessoas pagãs. Assim, eles se espalharam pelo mundo. Futuramente, o próprio catolicismo os tornaria proscritos. Portugal, país ocidental que primeiro tocou o Japão, tomou para sí a missão de catequizar os japoneses. No fundo dessa questão havia o desejo de provar aos protestantes que a igreja de Roma era a verdadeira. Para os marxistas, que tudo gostam de simplificar, tudo era mera questão de mercado. Mas não era só isso. Na verdade o cristianismo começava a duvidar de si-mesmo. Converter era um modo de reafirmar-se. Mas, e o filme mostra isso também, ao ter contato com outras culturas, o jesuíta entrava em questionamento. E, se forte, saía com uma nova certeza.
Scorsese consegue mostrar tudo isso. E sem nunca parecer didático. O filme, feito sem orgulho, sem espetáculo, humilde, simples e extremamente triste, é difícil de assistir. As cenas de sofrimento são insuportáveis; as torturas absurdas e revoltantes, a dor se espalha por todo lado. Mas Scorsese é honesto. Ele mostra, exibe, fala, e nunca se exibe. O filme é isento de "arte". É uma obra de fé.
Generoso, o filme pode ser visto como refutação de Deus. Passamos quase 3 horas com o desespero da dúvida. Deus não fala, tudo é dor e silêncio. Mas há o final...O belo e exato final. O fim do filme tudo clareia. Não o contarei. Que assista quem puder.
O tema do filme é, percebemos então, a humildade. Todo mal vem do orgulho e da vaidade. E um homem só percebe isso quando é humilhado. Scorsese dá uma esperança a nós, seres vazios do século XXI. Na figura do japonês tolo, aquele que peca sem parar e se confessa após cada erro, vejo a nossa época. Somos todos aquele traidor. Todos tentamos manter o que podemos dos dois mundos: o mundo da alma e o mundo da carne. Não somos de todo maus. Apenas confusos e covardes. Ou, é isso que o filme diz, filhos favoritos.
Para não revelar o final do filme falarei que Bergman tem um filme chamado O Silêncio. Nesse filme um padre se mata por não poder ouvir Deus. Bergman, que foi um homem de fé que acreditava não a possuir, fez um filme que o trai. Ele não tem final. Fica em suspenso. Já Scorsese repete esse desespero. Mas vai além e lhe dá uma nota final. O americano aceita sua crença ancestral. Bergman, sempre adolescente genial, não pode fazer isso. Bergman, que eu adoro, morreu ainda adolescente. Scorsese atinge a velhice. Reconcilia-se.
Para mim, sangue luso que passou 40 anos brigado com meu passado, o filme mostra além de tudo, mais um dos brilhantes desastres portugueses. Por insistir em catequizar, os lusos perdem o Japão para a Holanda, que desejam apenas vender e comprar. Portugal, um dos mais complicados dos países, não pode e não quer apenas vender. Ele precisa batizar, salvar, mudar a alma do Japão. E, como o filme mostra, os lusos não percebem que um japonês não é um europeu. Ele vê o mundo de outra forma.
Essa a grande chave do filme. E é a imagem que fica, que me ficou entre lágrimas. Um japonês não consegue ver o mundo sem o molde budista-taoísta. Para ele Deus é a natureza e as estações. Um tipo de nada anímico. Pois para nós, mesmo nós, materialistas herdeiros do ocidente, tudo sempre é tocado por um Deus único e humanizado, que se sacrifica e morre, e ressuscita e pode falar conosco. Essas imagens conduzem a cultura. Inclusive da ciência. Da história. Dos nossos sentimentos. O renascer é a condição de todo herói. E de cada homem vivo.
Nós sabemos disso. Tudo nos é familiar. E talvez, Scorsese diz isso, sejamos parte da Verdade. O Silêncio da natureza é a voz de Deus.
Perto deste filme, falho e chato, lindo e inesquecível, todos os filmes do Oscar são obras de crianças.
Scorsese consegue mostrar tudo isso. E sem nunca parecer didático. O filme, feito sem orgulho, sem espetáculo, humilde, simples e extremamente triste, é difícil de assistir. As cenas de sofrimento são insuportáveis; as torturas absurdas e revoltantes, a dor se espalha por todo lado. Mas Scorsese é honesto. Ele mostra, exibe, fala, e nunca se exibe. O filme é isento de "arte". É uma obra de fé.
Generoso, o filme pode ser visto como refutação de Deus. Passamos quase 3 horas com o desespero da dúvida. Deus não fala, tudo é dor e silêncio. Mas há o final...O belo e exato final. O fim do filme tudo clareia. Não o contarei. Que assista quem puder.
O tema do filme é, percebemos então, a humildade. Todo mal vem do orgulho e da vaidade. E um homem só percebe isso quando é humilhado. Scorsese dá uma esperança a nós, seres vazios do século XXI. Na figura do japonês tolo, aquele que peca sem parar e se confessa após cada erro, vejo a nossa época. Somos todos aquele traidor. Todos tentamos manter o que podemos dos dois mundos: o mundo da alma e o mundo da carne. Não somos de todo maus. Apenas confusos e covardes. Ou, é isso que o filme diz, filhos favoritos.
Para não revelar o final do filme falarei que Bergman tem um filme chamado O Silêncio. Nesse filme um padre se mata por não poder ouvir Deus. Bergman, que foi um homem de fé que acreditava não a possuir, fez um filme que o trai. Ele não tem final. Fica em suspenso. Já Scorsese repete esse desespero. Mas vai além e lhe dá uma nota final. O americano aceita sua crença ancestral. Bergman, sempre adolescente genial, não pode fazer isso. Bergman, que eu adoro, morreu ainda adolescente. Scorsese atinge a velhice. Reconcilia-se.
Para mim, sangue luso que passou 40 anos brigado com meu passado, o filme mostra além de tudo, mais um dos brilhantes desastres portugueses. Por insistir em catequizar, os lusos perdem o Japão para a Holanda, que desejam apenas vender e comprar. Portugal, um dos mais complicados dos países, não pode e não quer apenas vender. Ele precisa batizar, salvar, mudar a alma do Japão. E, como o filme mostra, os lusos não percebem que um japonês não é um europeu. Ele vê o mundo de outra forma.
Essa a grande chave do filme. E é a imagem que fica, que me ficou entre lágrimas. Um japonês não consegue ver o mundo sem o molde budista-taoísta. Para ele Deus é a natureza e as estações. Um tipo de nada anímico. Pois para nós, mesmo nós, materialistas herdeiros do ocidente, tudo sempre é tocado por um Deus único e humanizado, que se sacrifica e morre, e ressuscita e pode falar conosco. Essas imagens conduzem a cultura. Inclusive da ciência. Da história. Dos nossos sentimentos. O renascer é a condição de todo herói. E de cada homem vivo.
Nós sabemos disso. Tudo nos é familiar. E talvez, Scorsese diz isso, sejamos parte da Verdade. O Silêncio da natureza é a voz de Deus.
Perto deste filme, falho e chato, lindo e inesquecível, todos os filmes do Oscar são obras de crianças.
LISTAS DA CRITERION COLECTION
Criterion Colection top 10`s.
Encontro essa lista na net, e como sou fã de listas...
Tem mais de 50 caras dando listas. A maioria nunca ouvi falar. Críticos novatos dos EUA. A lista é legal. A pior é de Diablo Cody. Aff... Destaco a lista de Wes Anderson, boa pacas! Lá vai:
1...MADAME DE...de Max Ophuls.
2...AU HASARD DE BALTHAZAR de Robert Bresson
3...PIGS de Imamura
4...A MULHER INSETO de Imamura
5...LOUIS XIV de Rosselini
6...O ESPIÃO QUE SAIU DO FRIO de Martin Ritt
7....EDDIE COYLE de Peter Yates
8....CLASSES TOUS RISQUES de Maurice Pialat
9....A INFÂNCIA NUA de Maurice Pialat
10..MISHIMA de Paul Schrader
Digo que os dois primeiros poderiam estar em meus top 10. Dos outros, não conheço os filmes de Pialat. O filme de Ritt é espetacular.
Não dou muita bola para Christopher Nolan, mas sua lista é muito boa.
1....THE HIT de Stephen Frears
2....12 ANGRY MEN de Sidney Lumet
3....THE THIN RED LINE de Malick
4....DR MABUSE de Fritz Lang
5....BAD TIMING de Nicholas Roeg
6....MERRY XMAS de Nagisa Oshima
7....FOR ALL de Al Reinart
8....KOYANAQSTIKY de Reggio
9....MR. ARKADIN de Orson Welles
10...GREED de Stroheim
Acho que ele não conhece cinema da Europa.
Guillermo del Toro tem uma lista de conhecedor. Ele ama Kurosawa e Bergman e coloca entre os dez, 3 filmes de Akira e dois do gênio suéco. Seu favorito é TRONO MANCHADO DE SANGUE.
Adam Yauch bota cinco filmes de Kurosawa!!!! Um fã maior que eu !
E há Martin Scorsese:
1....PAISÁ de Rosselini
2....THE RED SHOES de Michael Powell
3....THE RIVER de Jean Renoir
4....UGETSU de Mizoguchi
5....CINZAS E DIAMANTES de Wajda
6....A AVENTURA de Antonioni
7....SALVATORE GIULIANO de Francesco Rosi
8....8 E 1/2 de Fellini
9....A VERDADE de Godard
10..O LEOPARDO de Luchino Visconti
Lista de mestre. Falar o que?
Olhando toda a lista noto que o DVD fez com que certos nomes fossem reavaliados.
Dos diretores atuais, Wes Anderson e David Lynch são muito citados. E do passado há uma redescoberta de Schlesinger, Mizoguchi e Jules Dassin. E, que surpresa!, o documentário GIMME SHELTER é muito citado como grande filme de rock da história!
Legal né?
Encontro essa lista na net, e como sou fã de listas...
Tem mais de 50 caras dando listas. A maioria nunca ouvi falar. Críticos novatos dos EUA. A lista é legal. A pior é de Diablo Cody. Aff... Destaco a lista de Wes Anderson, boa pacas! Lá vai:
1...MADAME DE...de Max Ophuls.
2...AU HASARD DE BALTHAZAR de Robert Bresson
3...PIGS de Imamura
4...A MULHER INSETO de Imamura
5...LOUIS XIV de Rosselini
6...O ESPIÃO QUE SAIU DO FRIO de Martin Ritt
7....EDDIE COYLE de Peter Yates
8....CLASSES TOUS RISQUES de Maurice Pialat
9....A INFÂNCIA NUA de Maurice Pialat
10..MISHIMA de Paul Schrader
Digo que os dois primeiros poderiam estar em meus top 10. Dos outros, não conheço os filmes de Pialat. O filme de Ritt é espetacular.
Não dou muita bola para Christopher Nolan, mas sua lista é muito boa.
1....THE HIT de Stephen Frears
2....12 ANGRY MEN de Sidney Lumet
3....THE THIN RED LINE de Malick
4....DR MABUSE de Fritz Lang
5....BAD TIMING de Nicholas Roeg
6....MERRY XMAS de Nagisa Oshima
7....FOR ALL de Al Reinart
8....KOYANAQSTIKY de Reggio
9....MR. ARKADIN de Orson Welles
10...GREED de Stroheim
Acho que ele não conhece cinema da Europa.
Guillermo del Toro tem uma lista de conhecedor. Ele ama Kurosawa e Bergman e coloca entre os dez, 3 filmes de Akira e dois do gênio suéco. Seu favorito é TRONO MANCHADO DE SANGUE.
Adam Yauch bota cinco filmes de Kurosawa!!!! Um fã maior que eu !
E há Martin Scorsese:
1....PAISÁ de Rosselini
2....THE RED SHOES de Michael Powell
3....THE RIVER de Jean Renoir
4....UGETSU de Mizoguchi
5....CINZAS E DIAMANTES de Wajda
6....A AVENTURA de Antonioni
7....SALVATORE GIULIANO de Francesco Rosi
8....8 E 1/2 de Fellini
9....A VERDADE de Godard
10..O LEOPARDO de Luchino Visconti
Lista de mestre. Falar o que?
Olhando toda a lista noto que o DVD fez com que certos nomes fossem reavaliados.
Dos diretores atuais, Wes Anderson e David Lynch são muito citados. E do passado há uma redescoberta de Schlesinger, Mizoguchi e Jules Dassin. E, que surpresa!, o documentário GIMME SHELTER é muito citado como grande filme de rock da história!
Legal né?
LEONARDO DI CAPRIO/ MATHEW MCCORNAGHY/ BRUCE DERN/ BEN STILLER/ JULIE CHRISTIE/ ROCK HUDSON
NEBRASKA de Alexander Payne com Bruce Dern, June Squibb, Stacy Keach e Bob Odenkirk
Ao contrário de seu costume Payne não fez o roteiro deste filme sem nenhuma concessão. Em preto e branco deslumbrante, acompanhamos um momento na vida medíocre de um velho. Ele crê em prêmio de loteria e tenta de todo modo viajar para receber o pretenso prêmio. O filho fracassado o leva de carro. Lento, com algumas cenas de humor amargo, é um daqueles filmes que nos anos 70 se fazia aos montes. O tal "pequeno grande filme". Bruce Dern, eterno coadjuvante, tem aqui seu segundo melhor papel ( em Amargo Regresso ele teve o papel de sua vida ). Payne está construindo uma bela carreira. Nota 7.
A VIDA SECRETA DE WALTER MITTY de Ben Stiller com Ben Stiller
Talvez o pior filme deste ano. Uma hiper-pretensiosa comédia sem graça nenhuma e sem conteúdo algum. Walter Mitty sonha acordado. O filme tenta fazer graça no contraste entre sua vida de loser e seus sonhos. O tema é bom, mas Stiller não tem mérito algum nisso, Mitty foi filmado anteriormente nos anos 50. Stiller causa antipatia de tanta vaidade. ZEROOOOOOO!
LONGE DESTE INSENSATO MUNDO de John Schlesinger com Julie Christie, Peter Finch, Alan Bates, Terence Stamp e Prunella Ramsome.
Épico inglês feito no auge da popularidade de seus atores. Schlesinger, vindo de filmes ousados, faz aqui seu filme tipo David Lean. Cheio de belas paisagens, conta a história de uma dona de terras que é cortejada por três homens. Um soldado mulherengo que lhe desperta desejo, um velho amargo e rico que se casa com ela, e um trabalhador simples e persistente, que salva seus negócios. Julie está belíssima, leva o filme com facilidade. Os 3 homens são muito bem escalados, Stamp é o soldado, Alan o camponês e Finch o homem amargo. Dificil saber quem está melhor. Um lindo filme. Nota 9.
O CLUBE DALLAS de Jean-Marc Valée com Mathew McCornaghy, Jennifer Garner e Jared Letto.
E Mathew levou seu Oscar. Ele está ótimo como um cowboy machista que tem aids. Com a doença ele muda e se torna um cara melhor. Valée fez um filme maravilhoso e emocionante: CRAZY. Este é apenas comum. Um tipo de telefilme. Só isso. Nota 5.
INSIDE LLEWYN DAVIS de Joel e Ethan Coen com Oscar Isaac, Carey Mulligan, John Goodman, Justin Timberlake
Os Coen são talvez os diretores americanos de quem mais gosto ( claro que falo dos vivos ). Este filme, que não se parece com nada do que fizeram, apenas os cenários lembram algo de sua obra, tem um grande defeito: Oscar Isaac. Sem nenhum carisma. Mas, por outro lado, não será proposital? Afinal, esta é a história de um cantor folk que quase chega ao sucesso. Não chega porque ele se revela um desastrado, teimoso e até mesmo petulante tipo. Ou seja, um cara feito para perder. O filme se equilibra num fio muito perigoso, ele quase cai na pura chatice e consegue fugir da comédia ( ele tem tudo para virar um pastelão ), é um trabalho de direção muito sutil, dificil de manter. Eles conseguem. Mas é um filme seco, sem emoção. Gostamos, mas não queremos nunca ver de novo. A trilha sonora é muito boa, de T, Bone Burnett. Nota 6.
O LOBO DE WALLSTREET de Martin Scorsese com Leonardo di Caprio, Jonah Hill, Margot Hobbie, Jean Dujardim e Mathew McCornaghy
Uma porrada. Febril, engraçado, amoral, o filme demonstra a genialidade de seu diretor e de todos os envolvidos. Scorsese faz, com prazer e com facilidade, tudo o que quer. Vai do drama ao pastelão, do suspense a farsa, com supremo savoir faire, know how, sabedoria. Uma aula de cinema, uma obra de um mestre, do maior diretor vivo. Aos 70 anos, Martin exibe um vigor que faria a maioria dos jovens diretores passar vergonha. Um muito grande filme, é, com A Grande Beleza e Branca de Neve de Pablo Berger, os grandes filmes de 2013. Nota DEZ.
A ESPADA DE DAMASCO de Nathan Juran com Rock Hudson e Piper Laurie
Nos tempos pré-TV, o cinema mandava sózinho. E produzia toneladas de filmes B. Eram filmes simples, alguns muito bons, outros ruins. O objetivo era preencher as telas todo o ano, afinal, as pessoas iam ao cinema 3 vezes por semana em média. Este é um filme da Universal estilo 1001 noites. Rock Hudson ainda não era uma estrela e o filme dá pro gasto. Nota 5.
Ao contrário de seu costume Payne não fez o roteiro deste filme sem nenhuma concessão. Em preto e branco deslumbrante, acompanhamos um momento na vida medíocre de um velho. Ele crê em prêmio de loteria e tenta de todo modo viajar para receber o pretenso prêmio. O filho fracassado o leva de carro. Lento, com algumas cenas de humor amargo, é um daqueles filmes que nos anos 70 se fazia aos montes. O tal "pequeno grande filme". Bruce Dern, eterno coadjuvante, tem aqui seu segundo melhor papel ( em Amargo Regresso ele teve o papel de sua vida ). Payne está construindo uma bela carreira. Nota 7.
A VIDA SECRETA DE WALTER MITTY de Ben Stiller com Ben Stiller
Talvez o pior filme deste ano. Uma hiper-pretensiosa comédia sem graça nenhuma e sem conteúdo algum. Walter Mitty sonha acordado. O filme tenta fazer graça no contraste entre sua vida de loser e seus sonhos. O tema é bom, mas Stiller não tem mérito algum nisso, Mitty foi filmado anteriormente nos anos 50. Stiller causa antipatia de tanta vaidade. ZEROOOOOOO!
LONGE DESTE INSENSATO MUNDO de John Schlesinger com Julie Christie, Peter Finch, Alan Bates, Terence Stamp e Prunella Ramsome.
Épico inglês feito no auge da popularidade de seus atores. Schlesinger, vindo de filmes ousados, faz aqui seu filme tipo David Lean. Cheio de belas paisagens, conta a história de uma dona de terras que é cortejada por três homens. Um soldado mulherengo que lhe desperta desejo, um velho amargo e rico que se casa com ela, e um trabalhador simples e persistente, que salva seus negócios. Julie está belíssima, leva o filme com facilidade. Os 3 homens são muito bem escalados, Stamp é o soldado, Alan o camponês e Finch o homem amargo. Dificil saber quem está melhor. Um lindo filme. Nota 9.
O CLUBE DALLAS de Jean-Marc Valée com Mathew McCornaghy, Jennifer Garner e Jared Letto.
E Mathew levou seu Oscar. Ele está ótimo como um cowboy machista que tem aids. Com a doença ele muda e se torna um cara melhor. Valée fez um filme maravilhoso e emocionante: CRAZY. Este é apenas comum. Um tipo de telefilme. Só isso. Nota 5.
INSIDE LLEWYN DAVIS de Joel e Ethan Coen com Oscar Isaac, Carey Mulligan, John Goodman, Justin Timberlake
Os Coen são talvez os diretores americanos de quem mais gosto ( claro que falo dos vivos ). Este filme, que não se parece com nada do que fizeram, apenas os cenários lembram algo de sua obra, tem um grande defeito: Oscar Isaac. Sem nenhum carisma. Mas, por outro lado, não será proposital? Afinal, esta é a história de um cantor folk que quase chega ao sucesso. Não chega porque ele se revela um desastrado, teimoso e até mesmo petulante tipo. Ou seja, um cara feito para perder. O filme se equilibra num fio muito perigoso, ele quase cai na pura chatice e consegue fugir da comédia ( ele tem tudo para virar um pastelão ), é um trabalho de direção muito sutil, dificil de manter. Eles conseguem. Mas é um filme seco, sem emoção. Gostamos, mas não queremos nunca ver de novo. A trilha sonora é muito boa, de T, Bone Burnett. Nota 6.
O LOBO DE WALLSTREET de Martin Scorsese com Leonardo di Caprio, Jonah Hill, Margot Hobbie, Jean Dujardim e Mathew McCornaghy
Uma porrada. Febril, engraçado, amoral, o filme demonstra a genialidade de seu diretor e de todos os envolvidos. Scorsese faz, com prazer e com facilidade, tudo o que quer. Vai do drama ao pastelão, do suspense a farsa, com supremo savoir faire, know how, sabedoria. Uma aula de cinema, uma obra de um mestre, do maior diretor vivo. Aos 70 anos, Martin exibe um vigor que faria a maioria dos jovens diretores passar vergonha. Um muito grande filme, é, com A Grande Beleza e Branca de Neve de Pablo Berger, os grandes filmes de 2013. Nota DEZ.
A ESPADA DE DAMASCO de Nathan Juran com Rock Hudson e Piper Laurie
Nos tempos pré-TV, o cinema mandava sózinho. E produzia toneladas de filmes B. Eram filmes simples, alguns muito bons, outros ruins. O objetivo era preencher as telas todo o ano, afinal, as pessoas iam ao cinema 3 vezes por semana em média. Este é um filme da Universal estilo 1001 noites. Rock Hudson ainda não era uma estrela e o filme dá pro gasto. Nota 5.
O LOBO DE WALLSTREET, UM FILME DO CACETE!
Uma vez um cara que respeito muito escreveu que The Who define quem gosta de rock pelos motivos certos. Gente que gosta da banda de Daltrey e Pete sabe, instintivamente, o que significa rock. Existem fãs de Beatles, Bowie ou Radiohead que nada sabem da coisa. Mais que isso, podem ter uma visão deturpada do que seja rock. Não sei se o Who é tão definidor. Pela minha experiência acho que a prova dos nove está no rock de garagem.
Este filme é o equivalente ao rock de garagem em cinema. Explico ( precisa? ).
Ele não é teatro. Não corre atrás de frases marcantes e não dá aos atores momentos preparados para seus egos. Este filme não é pintura. Nada tem de belo, de composto, de sublime. Também nada tem de literatura. O enredo nunca se faz de esperto, complicado, original a todo custo. Então o que é este filme?
Vamos adiante: Ele nada tem de informativo. Nada se fala de relevante em termos de história, sociologia ou politica. Não tem cenas em hospitais, escolas ou campos de refugiados. Ninguém é doce e frágil, nem tem gente que desperte nossa pena. O que ele é?
CINEMA PORRA!
Scorsese, com um tesão que jovens diretores desta geração fofa não têm, pega a câmera e filma. E o que vemos são corpos, rostos, atos, movimentos, lutas, tudo com a força e a febre daquele que fez ( 24 anos atrás!!! ) Goodfellas. Se eu quiser posso ver no filme o retrato da América que nasceu nos anos 80 e que vive bem e forte até hoje. Mas o coração do filme não é esse, o filme é sobre um velho de 70 anos e sua vibrante alegria de filmar. É um filme, ALELUIA!. feliz pra caralho! Porque ele sabe que fazer um filme é um prazer e uma honra. ( E quantos filmes voce tem visto que parecem um castigo que o elenco e o diretor pagam? ).
Muita gente detestou o filme. Porque ele não tem história. Não percebem que ele não precisa de história. Ele é movimento. Apenas isso. E nos dá o prazer de o assistir. Nós rimos com ele, ficamos estupefatos com ele, nos surpreendemos, nos enervamos e ficamos excitados. Mas não nos aborrecemos. E além de tudo se trata de um filme viril. É um filme para homens. Seu mundo é o mesmo dos velhos westerns.
Leonardo segue os passos de Al Pacino e de Paul Newman, quando vai levar seu Oscar? Tenho certeza que nossos filhos vão dizer um dia:: Quê???? Ele perdeu o prêmio em 2014??????? A atuação dele é estupenda. Há um momento, entre vários, em que ele faz uma cara de bulldog, a mandíbula projetada, que é coisa de gênio. É o melhor ator da América. O que mais ele tem de fazer? Perder 20 quilos? ( Aliás o filme tem dois vencedores, Mathew, ótimo, e Jean Dujardim, excelente ).
Scorsese quase foi padre. Seus melhores filmes falam sempre de pecado, condenação e ressurreição. O que desconcerta aqui, e deixou tantos moralistas bravinhos, é que o castigo é leve. A droga e o sexo parecem divertidos. Não há uma razão doentia ou sofrida para as drogas. Eles detonam porque é bom, dá prazer, e é só. Isso hoje é inaceitável num filme.
Ao final vejo que a edição é de Thelma Schoonmaker, a editora de Martin desde 1977, a mulher que conheceu Michael Powell via Martin e se casou com o mestre que fez The Red Shoes. E vejo que os figurinos são de Sandy Powell, que também está sempre com ele e fez filmes com Kubrick. A trilha sonora, que vai de Bo Diddley até Cypress Hill, é de responsabilidade de Robbie Robertson, o guitarrista gênio de The Band, outro velho amigo de Scorsese. Martin pega essa turma e faz com que trabalhem como um time. A coisa rola, rola como rola desde Main Streets ( lembrei muito dele vendo este filme ), rola em velocidade, em clima de sonho, de paranóia, de barato, de ressaca. E tudo se encaixa. O menino Martin que diz ter visto filmes todo dia desde os 9 anos, que diz ter sonhado acordado no clima onírico dos filmes que mais o marcaram, agora, do alto de sua filmografia, ainda consegue tocar a mão e lembrar daquele moleque do Bronx e olhar através do visor com a mesma fé, força e paixão de quando ele ia com o pai assistir De Sica, Powell e Welles nos cinemas de veludo.
É um puta de um filmaço!
Este filme é o equivalente ao rock de garagem em cinema. Explico ( precisa? ).
Ele não é teatro. Não corre atrás de frases marcantes e não dá aos atores momentos preparados para seus egos. Este filme não é pintura. Nada tem de belo, de composto, de sublime. Também nada tem de literatura. O enredo nunca se faz de esperto, complicado, original a todo custo. Então o que é este filme?
Vamos adiante: Ele nada tem de informativo. Nada se fala de relevante em termos de história, sociologia ou politica. Não tem cenas em hospitais, escolas ou campos de refugiados. Ninguém é doce e frágil, nem tem gente que desperte nossa pena. O que ele é?
CINEMA PORRA!
Scorsese, com um tesão que jovens diretores desta geração fofa não têm, pega a câmera e filma. E o que vemos são corpos, rostos, atos, movimentos, lutas, tudo com a força e a febre daquele que fez ( 24 anos atrás!!! ) Goodfellas. Se eu quiser posso ver no filme o retrato da América que nasceu nos anos 80 e que vive bem e forte até hoje. Mas o coração do filme não é esse, o filme é sobre um velho de 70 anos e sua vibrante alegria de filmar. É um filme, ALELUIA!. feliz pra caralho! Porque ele sabe que fazer um filme é um prazer e uma honra. ( E quantos filmes voce tem visto que parecem um castigo que o elenco e o diretor pagam? ).
Muita gente detestou o filme. Porque ele não tem história. Não percebem que ele não precisa de história. Ele é movimento. Apenas isso. E nos dá o prazer de o assistir. Nós rimos com ele, ficamos estupefatos com ele, nos surpreendemos, nos enervamos e ficamos excitados. Mas não nos aborrecemos. E além de tudo se trata de um filme viril. É um filme para homens. Seu mundo é o mesmo dos velhos westerns.
Leonardo segue os passos de Al Pacino e de Paul Newman, quando vai levar seu Oscar? Tenho certeza que nossos filhos vão dizer um dia:: Quê???? Ele perdeu o prêmio em 2014??????? A atuação dele é estupenda. Há um momento, entre vários, em que ele faz uma cara de bulldog, a mandíbula projetada, que é coisa de gênio. É o melhor ator da América. O que mais ele tem de fazer? Perder 20 quilos? ( Aliás o filme tem dois vencedores, Mathew, ótimo, e Jean Dujardim, excelente ).
Scorsese quase foi padre. Seus melhores filmes falam sempre de pecado, condenação e ressurreição. O que desconcerta aqui, e deixou tantos moralistas bravinhos, é que o castigo é leve. A droga e o sexo parecem divertidos. Não há uma razão doentia ou sofrida para as drogas. Eles detonam porque é bom, dá prazer, e é só. Isso hoje é inaceitável num filme.
Ao final vejo que a edição é de Thelma Schoonmaker, a editora de Martin desde 1977, a mulher que conheceu Michael Powell via Martin e se casou com o mestre que fez The Red Shoes. E vejo que os figurinos são de Sandy Powell, que também está sempre com ele e fez filmes com Kubrick. A trilha sonora, que vai de Bo Diddley até Cypress Hill, é de responsabilidade de Robbie Robertson, o guitarrista gênio de The Band, outro velho amigo de Scorsese. Martin pega essa turma e faz com que trabalhem como um time. A coisa rola, rola como rola desde Main Streets ( lembrei muito dele vendo este filme ), rola em velocidade, em clima de sonho, de paranóia, de barato, de ressaca. E tudo se encaixa. O menino Martin que diz ter visto filmes todo dia desde os 9 anos, que diz ter sonhado acordado no clima onírico dos filmes que mais o marcaram, agora, do alto de sua filmografia, ainda consegue tocar a mão e lembrar daquele moleque do Bronx e olhar através do visor com a mesma fé, força e paixão de quando ele ia com o pai assistir De Sica, Powell e Welles nos cinemas de veludo.
É um puta de um filmaço!
O CINEMA ROMÂNTICO DE VIGO, OPHULS, GONDRY, LUHRMAN, WRIGHT....
Tenho uma preguiça enorme, assistir O Gatsby de Luhrman aumenta essa minha indolência. Detestei Moulin Rouge e achei Romeu e Julieta bacaninha. Mas admiro Luhrman mesmo assim. Como admiro Gondry, apesar de achar que nenhum de seus filmes tenha dado certo. Quero muito ver o novo, porque gosto de Boris Vian, um tipo de Serge Gainsbourg mais velho e menos pop. Luhrman, como Gondry, como Aronofski, é um romântico. Eles criam mundos dentro do cinema. Seus filmes não se preocupam com utilidade, verdade ou realismo, eles criam. E por desejarem criar, erram muito. Falam de sentimentos. Ou pelo menos tentam isso. E não se sentem censurados. Vão até a breguice extrema. E daí?
O que lhes faz falta são melhores roteiros. Tiveram o azar de nascer num tempo que não lhes dá bom material para trabalhar em cima. Quando topam com bom roteiro, acertam; quando não, fazem apenas pastiche, ou looooongos video-clips. Em comum, todos são fãs do cinema hiper-romântico de Cocteau, Ophuls, Vigo e principalmente de Michael Powell. Todos esses mestres trabalharam com roteiristas de gênio. E todos criaram o apuro visual de Gondry e etc. Cocteau com cenários de sonho, Ophuls com seus movimentos de câmera à valsa vienense, Vigo com a poesia de seu mundo lunar e Powell na criação de universos irreais.
O jornal The Guardian publica matéria sobre Powell. Diz que no cinema inglês, ele é o único que pode ser comparado a Hitchcock e a David Lean. O cinema de Powell não se interessa pela alma do personagem ( e nisso ele é o oposto de Bergman ), mas sim no mundo que cerca esse personagem. A contemporaniedade desse cinema se revela aí: o cinema de Powell, como o mais moderno cinema que hoje se faz, fala do meio e não do ser, do lugar e não do homem, da ação e nunca do pensamento. É cinema puro, visual, espetacular e muito romântico por ser uma busca pelo ser diferente.
Um depoimento de Scorsese. Ele diz ter visto THE RED SHOES aos 9 anos. Uma cópia estragada. E diz Martin que esse filme mudou sua vida. THE RED SHOES fez na criança Marty a certeza de querer criar, de querer ser artista. Hoje, em 2013, Scorsese se dedica a restaurar todos os filmes de Powell. Todos.
Em 1975 era Michael Powell o mais esquecido dos mestres. Na época do hiper-realismo, os filmes de Powell pareciam fake. Foi então que Scorsese foi se encontrar com Powell na Inglaterra e lhe contou sua história de amor a seus filmes. Não só ele. Spielberg, Coppolla, De Palma, Schrader, o diretor inglês ficou abobado ao saber que os jovens diretores dos EUA eram seus fãs. Coppolla lhe deu emprego, consultor de roteiros e Scorsese organizou uma mostra de seus filmes em NY. Quando os anos 80 começam, Michael Powell tem seu nome reabilitado. Para sempre.
J.G.Ballard também conta que os filmes de Powell despertaram nele a vontade de escrever. E ainda se diz que T.S.Eliot, cujo filme favorito era o TRONO MANCHADO DE SANGUE de Kurosawa, amava os filmes de Michael Powell também. Eles são poesia, claro. Dizem tudo falando pouco. Sugerem. São pura música.
Agora, 2013, época de cinema em crise, onde em vinte anos mal se produziram vinte filmes eternos e absolutos, os filmes de Powell, revistos e revistos, restaurados e estudados, analisados e copiados, dão, aos diretores que tentam ainda algo de diferente, a esperança de um dia acertar. Joe Wright tentou isso em ANNA KARENINA e foi terrivelmente mal entendido. A suntuosidade da forma em função do sentimento. Só que lhe faltou a coragem de ir mais longe no sentimento, erro que Powell nunca cometeu ( seus filmes são cheios de emoções ). É como se hoje se copiasse a forma e se tivesse medo do sentimento. Why?
O motivo é claro: Não dá pra ser romântico e ser cool ao mesmo tempo. Cool é assistir os filmes de Vigo ou de Ophuls, cool é ter o visual rico e onírico de seus filmes, mas não seria cool crer, como eles, no amor ou nos sentimentos "quentes". Para salvar a imagem cool, se fica no meio do caminho.
Interessante saber que O TOURO INDOMÁVEL foi feito com dicas visuais de Powell ( ele morreu em 1990, casado com a editora de Martin ), e que há um filme de Martin que é seu sonho de fazer um filme à Powell ( A ERA DA INOCÊNCIA ).
Para finalizar, no festival de Cannes de 2009 foi exibido em grande gala, a cópia restaurada de THE RED SHOES. Para a crítica, foi a melhor coisa do festival.
Novo, belíssimo, emocionante, enigmático. Romântico pois.
O que lhes faz falta são melhores roteiros. Tiveram o azar de nascer num tempo que não lhes dá bom material para trabalhar em cima. Quando topam com bom roteiro, acertam; quando não, fazem apenas pastiche, ou looooongos video-clips. Em comum, todos são fãs do cinema hiper-romântico de Cocteau, Ophuls, Vigo e principalmente de Michael Powell. Todos esses mestres trabalharam com roteiristas de gênio. E todos criaram o apuro visual de Gondry e etc. Cocteau com cenários de sonho, Ophuls com seus movimentos de câmera à valsa vienense, Vigo com a poesia de seu mundo lunar e Powell na criação de universos irreais.
O jornal The Guardian publica matéria sobre Powell. Diz que no cinema inglês, ele é o único que pode ser comparado a Hitchcock e a David Lean. O cinema de Powell não se interessa pela alma do personagem ( e nisso ele é o oposto de Bergman ), mas sim no mundo que cerca esse personagem. A contemporaniedade desse cinema se revela aí: o cinema de Powell, como o mais moderno cinema que hoje se faz, fala do meio e não do ser, do lugar e não do homem, da ação e nunca do pensamento. É cinema puro, visual, espetacular e muito romântico por ser uma busca pelo ser diferente.
Um depoimento de Scorsese. Ele diz ter visto THE RED SHOES aos 9 anos. Uma cópia estragada. E diz Martin que esse filme mudou sua vida. THE RED SHOES fez na criança Marty a certeza de querer criar, de querer ser artista. Hoje, em 2013, Scorsese se dedica a restaurar todos os filmes de Powell. Todos.
Em 1975 era Michael Powell o mais esquecido dos mestres. Na época do hiper-realismo, os filmes de Powell pareciam fake. Foi então que Scorsese foi se encontrar com Powell na Inglaterra e lhe contou sua história de amor a seus filmes. Não só ele. Spielberg, Coppolla, De Palma, Schrader, o diretor inglês ficou abobado ao saber que os jovens diretores dos EUA eram seus fãs. Coppolla lhe deu emprego, consultor de roteiros e Scorsese organizou uma mostra de seus filmes em NY. Quando os anos 80 começam, Michael Powell tem seu nome reabilitado. Para sempre.
J.G.Ballard também conta que os filmes de Powell despertaram nele a vontade de escrever. E ainda se diz que T.S.Eliot, cujo filme favorito era o TRONO MANCHADO DE SANGUE de Kurosawa, amava os filmes de Michael Powell também. Eles são poesia, claro. Dizem tudo falando pouco. Sugerem. São pura música.
Agora, 2013, época de cinema em crise, onde em vinte anos mal se produziram vinte filmes eternos e absolutos, os filmes de Powell, revistos e revistos, restaurados e estudados, analisados e copiados, dão, aos diretores que tentam ainda algo de diferente, a esperança de um dia acertar. Joe Wright tentou isso em ANNA KARENINA e foi terrivelmente mal entendido. A suntuosidade da forma em função do sentimento. Só que lhe faltou a coragem de ir mais longe no sentimento, erro que Powell nunca cometeu ( seus filmes são cheios de emoções ). É como se hoje se copiasse a forma e se tivesse medo do sentimento. Why?
O motivo é claro: Não dá pra ser romântico e ser cool ao mesmo tempo. Cool é assistir os filmes de Vigo ou de Ophuls, cool é ter o visual rico e onírico de seus filmes, mas não seria cool crer, como eles, no amor ou nos sentimentos "quentes". Para salvar a imagem cool, se fica no meio do caminho.
Interessante saber que O TOURO INDOMÁVEL foi feito com dicas visuais de Powell ( ele morreu em 1990, casado com a editora de Martin ), e que há um filme de Martin que é seu sonho de fazer um filme à Powell ( A ERA DA INOCÊNCIA ).
Para finalizar, no festival de Cannes de 2009 foi exibido em grande gala, a cópia restaurada de THE RED SHOES. Para a crítica, foi a melhor coisa do festival.
Novo, belíssimo, emocionante, enigmático. Romântico pois.
HUGO/ SPIELBERG/ KIRK DOUGLAS/ JOHN WAYNE/ MUPPETS
A INVENÇÃO DE HUGO CABRET de Martin Scorsese com Ben Kingsley
São os mais belos cenários digitais da história. E Martin demonstra um amor inocente ao cinema. O filme é um imenso cartão postal para Georges Méliés. E tem cenas comoventes com Buster Keaton. Mas eu duvido que alguém vá gostar do cinema que Martin homenageia só por ter gostado deste filme. O público que predomina nas salas de hoje está pouco se lixando para o que seja a tal "arte cinematográfica". Se lixa menos ainda para o que seja sua história, sua origem. Eles querem emoções simples, rasteiras e óbvias. De agora. Mas devo dizer que com toda essa beleza e nobres intenções, é um filme com miolo enjoativo, cheio de momentos chatos. De qualquer modo seu terço final é bastante bom. Para cinéfilos é fascinante ver a recriação dos estúdios de Méliés e dos bastidores de seus filmes. Nota 7.
O CAVALO BRANCO de Albert Lamorisse
Curta de diretor que depois se tornaria famoso com O Balão Vermelho. Aqui ele fala de garoto que tenta domar cavalo selvagem. De melhor há a paisagem da Camargue, região do estuário do rio Rône. Um pântano sem fim, plano e muito agreste. Nota 5.
TINTIM de Steven Spielberg
Se voce gosta de Hergé, fuja. Nada há aqui do visual limpo, elegante, solar do desenhista belga. Pior que isso, o capitão Haddock se tornou um patético alcoólatra. O filme nem sequer usa suas blasfêmias. Em tempos moralistas, fizeram de um bêbado simpático, um doente chato. O filme é barulhento, histérico, excessivo. A ação nunca consegue empolgar, o filme não tem humor e não tem suspense. Pior que tudo, o roteiro acaba por se revelar mal cosido. Nota 2 por algumas belas paisagens.
GIGANTES EM LUTA de Burt Kennedy com Kirk Douglas e John Wayne
Já foi feito no ocaso do western. É sobre um plano de assalto a diligência. Wayne e Kirk são ex-inimigos que resolvem agir juntos. O filme é ok. Tem ação e tem leveza. Mas tem principalmente a verve safada de Kirk Douglas. Ele adora fazer esse tipo de mulherengo sujo, mentiroso e sorridente. Gostamos de vê-lo na tela. Wayne está cansado. Deixa que o filme fuja de suas mãos. Apenas está lá, sendo o mito da velha América. Para quem ama westerns é uma bela diversão. Nota 6.
OS MUPPETS de James Bobin
É o recente filme dos geniais bonecos de Jim Henson. E este filme prova o dom único de Jim. Caco é comandado por outra pessoa, Henson já morreu. E juro que dá pra notar que não é ele. Caco perde em humanidade, os movimentos estão mais duros, a mão se move com menos precisão. O filme em si é muito fraco. O problema não é o fato das novas gerações não conhecerem os bonecos, o problema é o roteiro muito ruim. Nota 1.
O CAÇADOR de Daniel Nettheim com Willem Dafoe
Como cinema é banal. Filmado sem emoção e sem criatividade. Mas ele tem duas coisas que o notabilizam: o cenário e o tema. É filmado na Tasmânia, um lugar que não se parece com nehum outro do planeta. E fala de um caçador que é contratado por uma corporação cientifica para matar o último Tigre da Tasmânia e recolher suas vísceras e sangue para pesquisas. O que vemos é toda a caçada desse homem calado, e sua súbita tomada de consciência. O final é bem triste. O tema mexeu bastante comigo. É o tipo de filme comum ( mas nada ruim ), que dá margem a horas de conversa. Nota 5.
QUASE FAMOSOS de Cameron Crowe
Não gosto de pensar neste filme e revê-lo foi uma experiência ruim. Ele me dói. Fico louco de saudades daquilo que fui, daquilo que presenciei e daquilo que a gente perdeu. A inocência só se perde uma vez. O mundo nunca mais será ingênuo. Restam as músicas, a trilha do filme é covardia, tá tudo aqui, de Neil Young à Thin Lizzy. Absolutamente deslumbrante. Mas me dá uma tristeza cruel.... Nota 9.
JOVEM NO CORAÇÃO de Richard Wallace com Janet Gaynor, Douglas Fairbanks Jr e Paulette Goddard
Uma familia que vive de golpes malandros, envolve uma velhinha solitária em suas tramóias. Os atores são excelentes e fazem tudo aquilo que dele se espera. Temos Douglas sendo jovial, Janet como uma doce mulher e ainda Roland Young fazendo seu ótimo tipo excêntrico. É gostoso de ver, mas às vezes cai num melô forçado. A senhora solitária é boazinha demais. Nota 5.
São os mais belos cenários digitais da história. E Martin demonstra um amor inocente ao cinema. O filme é um imenso cartão postal para Georges Méliés. E tem cenas comoventes com Buster Keaton. Mas eu duvido que alguém vá gostar do cinema que Martin homenageia só por ter gostado deste filme. O público que predomina nas salas de hoje está pouco se lixando para o que seja a tal "arte cinematográfica". Se lixa menos ainda para o que seja sua história, sua origem. Eles querem emoções simples, rasteiras e óbvias. De agora. Mas devo dizer que com toda essa beleza e nobres intenções, é um filme com miolo enjoativo, cheio de momentos chatos. De qualquer modo seu terço final é bastante bom. Para cinéfilos é fascinante ver a recriação dos estúdios de Méliés e dos bastidores de seus filmes. Nota 7.
O CAVALO BRANCO de Albert Lamorisse
Curta de diretor que depois se tornaria famoso com O Balão Vermelho. Aqui ele fala de garoto que tenta domar cavalo selvagem. De melhor há a paisagem da Camargue, região do estuário do rio Rône. Um pântano sem fim, plano e muito agreste. Nota 5.
TINTIM de Steven Spielberg
Se voce gosta de Hergé, fuja. Nada há aqui do visual limpo, elegante, solar do desenhista belga. Pior que isso, o capitão Haddock se tornou um patético alcoólatra. O filme nem sequer usa suas blasfêmias. Em tempos moralistas, fizeram de um bêbado simpático, um doente chato. O filme é barulhento, histérico, excessivo. A ação nunca consegue empolgar, o filme não tem humor e não tem suspense. Pior que tudo, o roteiro acaba por se revelar mal cosido. Nota 2 por algumas belas paisagens.
GIGANTES EM LUTA de Burt Kennedy com Kirk Douglas e John Wayne
Já foi feito no ocaso do western. É sobre um plano de assalto a diligência. Wayne e Kirk são ex-inimigos que resolvem agir juntos. O filme é ok. Tem ação e tem leveza. Mas tem principalmente a verve safada de Kirk Douglas. Ele adora fazer esse tipo de mulherengo sujo, mentiroso e sorridente. Gostamos de vê-lo na tela. Wayne está cansado. Deixa que o filme fuja de suas mãos. Apenas está lá, sendo o mito da velha América. Para quem ama westerns é uma bela diversão. Nota 6.
OS MUPPETS de James Bobin
É o recente filme dos geniais bonecos de Jim Henson. E este filme prova o dom único de Jim. Caco é comandado por outra pessoa, Henson já morreu. E juro que dá pra notar que não é ele. Caco perde em humanidade, os movimentos estão mais duros, a mão se move com menos precisão. O filme em si é muito fraco. O problema não é o fato das novas gerações não conhecerem os bonecos, o problema é o roteiro muito ruim. Nota 1.
O CAÇADOR de Daniel Nettheim com Willem Dafoe
Como cinema é banal. Filmado sem emoção e sem criatividade. Mas ele tem duas coisas que o notabilizam: o cenário e o tema. É filmado na Tasmânia, um lugar que não se parece com nehum outro do planeta. E fala de um caçador que é contratado por uma corporação cientifica para matar o último Tigre da Tasmânia e recolher suas vísceras e sangue para pesquisas. O que vemos é toda a caçada desse homem calado, e sua súbita tomada de consciência. O final é bem triste. O tema mexeu bastante comigo. É o tipo de filme comum ( mas nada ruim ), que dá margem a horas de conversa. Nota 5.
QUASE FAMOSOS de Cameron Crowe
Não gosto de pensar neste filme e revê-lo foi uma experiência ruim. Ele me dói. Fico louco de saudades daquilo que fui, daquilo que presenciei e daquilo que a gente perdeu. A inocência só se perde uma vez. O mundo nunca mais será ingênuo. Restam as músicas, a trilha do filme é covardia, tá tudo aqui, de Neil Young à Thin Lizzy. Absolutamente deslumbrante. Mas me dá uma tristeza cruel.... Nota 9.
JOVEM NO CORAÇÃO de Richard Wallace com Janet Gaynor, Douglas Fairbanks Jr e Paulette Goddard
Uma familia que vive de golpes malandros, envolve uma velhinha solitária em suas tramóias. Os atores são excelentes e fazem tudo aquilo que dele se espera. Temos Douglas sendo jovial, Janet como uma doce mulher e ainda Roland Young fazendo seu ótimo tipo excêntrico. É gostoso de ver, mas às vezes cai num melô forçado. A senhora solitária é boazinha demais. Nota 5.
HUGO- MARTIN SCORSESE, BALADA DE AMOR AO CINEMA ( MAIS UMA )
Na verdade se trata de um filme de divulgação. Scorsese cria toda uma "moldura" para apresentar a quem nunca viu, as imagens dos filmes de Georges Méliés. Contextualizando as películas que nos restaram desse mágico/poeta francês, Martin torna Méliés palatável`aos não-cinéfilos. Eu adoraria que ele fizesse isso com Michael Powell também...
Recordo de ter assisitido "Viagem à Lua" em 2000, deitado no chão da Oca, no Ibirapuera. Era uma exposição sobre Picasso e eles projetavam o filme de Méliés no teto da construção. Deitados em almofadas, eu e mais 60 pessoas nos deixávamos sonhar. Foi bacana.
Vamos ao filme.
Ele é chatinho, e é maravilhoso. É chatinho em todo seu miolo. Se insiste demais em repetitivas cenas do policial atrás do menino e há uma lentidão exagerada em muitas ações. Martin se aproxima perigosamente do pior de Spielberg, parece se deixar envolver pela obra que faz e se apaixona por seu set e por seus personagens. Mas... dito esse "mal", vamos ao "bem".
Todas as cenas com Ben Kingsley são ótimas e gostaríamos que fossem em maior número. Notamos então que o problema é de escalação. O ator que faz o menino é fraco. Nunca nos deixamos levar por ele. De qualquer modo, os primeiros vinte minutos do filme, sem diálogos, são excelentes, e toda parte final é irretocável. Emociona. De verdade. E acredite, este filme é quase "silencioso".
Ninguém poderia prever que 2012 seria um ano "francês" para o Oscar. Temos Woody Allen, este filme e Jean Dujardim com O ARTISTA. Mais que isso, um ano de saudades da década de 1920. Mas Martin, espertamente, usa a mais moderna tecnologia para nos levar ao passado. O filme tem um visual rebuscado. É bom de se olhar.
Harold Lloyd tem um trecho de filme mostrado. E há uma sequencia soberba com cenas de Buster Keaton, Douglas Fairbanks e Chaplin. Scorsese é um educador. Nos faz ver a mágica alegria dos filmes desses gênios.
Na história do orfão que deseja consertar um boneco para entender sua vida, temos muito do próprio diretor deste filme. Martin Scorsese tem passado os últimos trinta anos consertando filmes que se estragaram. Salvando películas de se transformarem em vassouras ou saltos de sapato. E como o menino, foi seu pai que lhe deixou a semente da cinefilia. Scorsese tem tirado do limbo autores geniais, tem revitalizado carreiras, tem nos revelado memórias. Exatamente como Hugo faz com Georges.
Quando o cinema surgiu ( e estamos falando de 1900 ), duas vertentes logo se apresentaram. Aqueles que viam no cinema um modo de exibir "o real", e os mágicos, que viam na tela um caminho para o sonho. Méliés foi o rei da magia. Para ele uma câmera não era um instrumento de reportagem, era uma máquina que produzia alucinações. Seus filmes são loucos, festivos, inquietos. Com a guerra ( 1914 ), seu tipo de cinema saiu de moda, foi taxado de alienado. Morreu pobre e esquecido. Ao lhe prestar tributo, Scorsese homenageia o veículo, a origem francesa do cinema, o ambiente onde ele foi gerado, o poder da magia. Não nos esqueçamos: o cinema nasce no mesmo meio que nos deu Proust e Renoir. A Belle-Époque.
Há no filme uma fascinação pelo mecânico, pela engrenagem, há a despedida, o adeus a um tipo de técnica, ao filme do século XX, mecânico/químico. Martin Scorsese diz adeus ao velho filme, e adentra o cinema digital do nosso tempo.
É um belo e muito imperfeito filme. O ARTISTA é bem mais ousado e em sua proposta muito mais "perfeito". Mas Hugo, mesmo com sua chatice, fica em nossa memória como algo de bonito e de nobre. Para tempos de cinema tão cínico e vazio, não é pouca coisa.
Recordo de ter assisitido "Viagem à Lua" em 2000, deitado no chão da Oca, no Ibirapuera. Era uma exposição sobre Picasso e eles projetavam o filme de Méliés no teto da construção. Deitados em almofadas, eu e mais 60 pessoas nos deixávamos sonhar. Foi bacana.
Vamos ao filme.
Ele é chatinho, e é maravilhoso. É chatinho em todo seu miolo. Se insiste demais em repetitivas cenas do policial atrás do menino e há uma lentidão exagerada em muitas ações. Martin se aproxima perigosamente do pior de Spielberg, parece se deixar envolver pela obra que faz e se apaixona por seu set e por seus personagens. Mas... dito esse "mal", vamos ao "bem".
Todas as cenas com Ben Kingsley são ótimas e gostaríamos que fossem em maior número. Notamos então que o problema é de escalação. O ator que faz o menino é fraco. Nunca nos deixamos levar por ele. De qualquer modo, os primeiros vinte minutos do filme, sem diálogos, são excelentes, e toda parte final é irretocável. Emociona. De verdade. E acredite, este filme é quase "silencioso".
Ninguém poderia prever que 2012 seria um ano "francês" para o Oscar. Temos Woody Allen, este filme e Jean Dujardim com O ARTISTA. Mais que isso, um ano de saudades da década de 1920. Mas Martin, espertamente, usa a mais moderna tecnologia para nos levar ao passado. O filme tem um visual rebuscado. É bom de se olhar.
Harold Lloyd tem um trecho de filme mostrado. E há uma sequencia soberba com cenas de Buster Keaton, Douglas Fairbanks e Chaplin. Scorsese é um educador. Nos faz ver a mágica alegria dos filmes desses gênios.
Na história do orfão que deseja consertar um boneco para entender sua vida, temos muito do próprio diretor deste filme. Martin Scorsese tem passado os últimos trinta anos consertando filmes que se estragaram. Salvando películas de se transformarem em vassouras ou saltos de sapato. E como o menino, foi seu pai que lhe deixou a semente da cinefilia. Scorsese tem tirado do limbo autores geniais, tem revitalizado carreiras, tem nos revelado memórias. Exatamente como Hugo faz com Georges.
Quando o cinema surgiu ( e estamos falando de 1900 ), duas vertentes logo se apresentaram. Aqueles que viam no cinema um modo de exibir "o real", e os mágicos, que viam na tela um caminho para o sonho. Méliés foi o rei da magia. Para ele uma câmera não era um instrumento de reportagem, era uma máquina que produzia alucinações. Seus filmes são loucos, festivos, inquietos. Com a guerra ( 1914 ), seu tipo de cinema saiu de moda, foi taxado de alienado. Morreu pobre e esquecido. Ao lhe prestar tributo, Scorsese homenageia o veículo, a origem francesa do cinema, o ambiente onde ele foi gerado, o poder da magia. Não nos esqueçamos: o cinema nasce no mesmo meio que nos deu Proust e Renoir. A Belle-Époque.
Há no filme uma fascinação pelo mecânico, pela engrenagem, há a despedida, o adeus a um tipo de técnica, ao filme do século XX, mecânico/químico. Martin Scorsese diz adeus ao velho filme, e adentra o cinema digital do nosso tempo.
É um belo e muito imperfeito filme. O ARTISTA é bem mais ousado e em sua proposta muito mais "perfeito". Mas Hugo, mesmo com sua chatice, fica em nossa memória como algo de bonito e de nobre. Para tempos de cinema tão cínico e vazio, não é pouca coisa.
CONVERSAS COM SCORSESE- RICHARD SCHICKEL
Martin Scorsese descreve, nesta longa conversa com Schickel, o bairro onde nasceu. Se voce assistiu a "Goodfellas", é aquilo, máfia, gangues de rua, becos sujos. O pai, estoico, tentava não se envolver com a máfia, a mãe, mulher sábia, cheia de ironia, cuidava de Martin, que sofria de asma. O pai o levava ao cinema toda semana, e em casa o jovem Scorsese desenhava os filmes que assistira. Ele amava westerns e épicos sobre a antiga Roma. E tinha um sonho: ser padre.
Esse é o inicio desse belo livro de Richard Schickel, uma longa entrevista com aquele que é o principal diretor de cinema da América em atividade. Martin gosta de falar e mais que tudo, ele realmente ama o cinema. É bonito ler suas palavras sobre Gary Cooper, John Ford, Rosselini ou Howard Hawks. A descoberta do neo-realismo italiano com seus pais, na TV, e a longa análise que ele faz sobre "Rastros de Ódio".
Várias curiosidades são expostas. O fato de que foi Martin quem deu o pontapé para Wes Anderson fazer a "Viagem a Dajeerling", Wes teve a ideia ao ver 'O Rio Sagrado" de Renoir ( e filmes de Satyajit Ray ), indicado por Martin. Os bastidores de Woodstock, filme-festival que ele co-dirigiu, mas do qual foi garfado. ( Interessante observar que Woodstock deveria ser um festival "normal". Nada havia sido programado em termos de filmagem ou cobertura de midia. De repente as pessoas vão chegando do nada e o evento se torna monstruoso ). A explosão de 'Caminhos Perigosos", e dá pra notar que é um dos favoritos de Martin até hoje. De Niro, um cara calado e cheio de ideias; e o mentor de Martin, Michael Powell, um gênio do cinema inglês e que acabou por se casar com sua montadora. Aliás, foi Powell que o aconselhou a aceitar a direção de Goodfellas.
Scorsese recorda a beleza do Technicolor, as cores fortes ( ao contrário dos filmes de hoje, que têm cores esmaecidas, mortas, frias ). A produção de 'O Aviador", que tenta reproduzir o colorido dos filmes em technicolor, ( o sistema technicolor não existe mais. A Kodak aposentou a revelação e produção dessa película. Era um sistema caro demais. O último filme foi "O Poderoso Chefão II" ). É triste observar o fato de que hoje não se pode mais fazer filmes como 'O Poderoso Chefão" ou "Apocalypse Now". Existe toda uma gama de temas e custos proibitivos. Filme caro só se for para os teens, filme ambicioso tem de ser barato.
O contraste entre o cinema de Martin e o de Eastwood. Martin, um italiano que cresceu com rock, ( ele é louco por Stones, Dylan e The Band ), e faz filmes intensos; e Clint, um tipico americano da California, que cresceu com cool jazz e faz filmes sóbrios, controlados. E observamos que isso se reflete até nos gostos pessoais. Se Clint vive citando Kurosawa, Leone e Huston; Martin cita Visconti, Fellini, Hitchcock, muito Bergman e um monte de Elia Kazan.
O mais delicioso são os pequenos filmes geniais que Martin adora. Filmes de Wise, de Fuller, de Anthony Mann. Elogia Frank Capra, James Stewart e Henry Fonda. E diz que agora, mais velho, anda vendo muito Michael Powell, Carol Reed, Jean Renoir, e principalmente Carl Dreyer. Ele considera "A Palavra" uma obra-prima. E se emociona ao contar como teve sorte em ser um jovem cinéfilo nos anos 60. Bergman estreando filmes novos a cada nove meses, e mais Cassavettes, Pasolini, Olmmi, Bertolucci, Antonioni, Bunuel, Godard, Kubrick...
Scorsese conta filme por filme. O mais dificil de fazer foi "A Ultima Tentação de Cristo", filme que sentimos ser aquele pelo qual ele mais lutou, mais se entregou, mais sonhou em fazer. E ficamos sabendo que a mais de dez anos ele sonha em fazer um filme no Japão, sobre missionarios católicos para lá enviados no século XVI. Ninguém quer produzi-lo. Enquanto isso ele faz "A Ilha do Medo" e prepara um documentário sobre George Harrison e um longa de ficção sobre Sinatra. Tudo na esperança de um dia fazer o tal filme japonês. Nos bons tempos da Warner ele já teria sido feito...
Ele fala da barbárie. Que é óbvio que estamos caindo degrau a degrau e que pelos próximos duzentos anos estaremos em mundo de extrema violência. Filmes, músicas, jogos, linguagem, tudo nos prepara para esse mundo. Martin diz que os ídolos de hoje são todos guerreiros, lutadores e impetuosos, nada há que faça com que admiremos a doçura, a caridade ou a compaixão.
Martin preserva filmes. Gasta seu dinheiro nessa paixão. Tira antigos filmes do ostracismo. E os exibe para seus elencos antes de suas filmagens, para que saibam o que ele deseja obter. Daniel-Day Lewis é um ator que conhece profundamente o cinema clássico, e Leo di Caprio aprendeu com Martin, ( "Out of Past" de Jacques Tourneur, se tornou o filme favorito de Leo nas filmagens de "Os Infiltrados" ).
Fracassos ele experimentou vários. 'New York, New York" foi o maior. Uma tentativa desastrada de fazer um musical com as cores de Minelli e o drama de Scorsese. "Os Infiltrados" é seu Oscar, afinal, mas "A Ilha do Medo" é incrivelmente sua maior bilheteria ( um filme para ganhar dinheiro, e que parece estar longe de ser um favorito de Martin ). Mas me veio uma sensação estranha durante a leitura do livro. É a de que Scorsese é sem dúvida um dos grandes. Tão bom quanto Kazan. Ele fez alguns filmes que me deixaram muito impressionados ( TAXI DRIVER, O TOURO INDOMÁVEL, OS INFILTRADOS ), ou que me deram um soco na boca ( A ÚLTIMA TENTAÇÃO DE CRISTO, CAMINHOS PERIGOSOS, GOODFELLAS ), e até aqueles que me divertiram intensamente ( ALICE NÃO MORA MAIS AQUI, A COR DO DINHEIRO, THE LAST WALTZ ), mas ele não é o tipo de diretor que me dá vontade de rever e rever seus filmes. Com excessão de ALICE e de CAMINHOS PERIGOSOS, nenhum deles eu vi mais de uma vez. Os admiro muito, mas não os amo. Tenho uma teoria: sua energia é tão intensa, seus melhores filmes são tão nervosos, que vê-los é experiência cansativa, me esgota. Tenho de os ver, nunca me arrependo, mas não desejo repetir a dose.
Mas como pessoa, o livro o atesta, Scorsese é bom para se conversar, para se conhecer, é um cara admirável. Eis um bom presente de Natal para cinéfilos.
PS: Ao falar da morte ele diz: "Será uma pena não poder mais rever os filmes de Capra, de Ford, de Kazan..." Tenho pensado nisso. Morrer não me dá medo, o que me entristece é não poder rever certos filmes, ouvir certas musicas e sentir o sol na pele...Mas esse é tema pra outra conversa....
Esse é o inicio desse belo livro de Richard Schickel, uma longa entrevista com aquele que é o principal diretor de cinema da América em atividade. Martin gosta de falar e mais que tudo, ele realmente ama o cinema. É bonito ler suas palavras sobre Gary Cooper, John Ford, Rosselini ou Howard Hawks. A descoberta do neo-realismo italiano com seus pais, na TV, e a longa análise que ele faz sobre "Rastros de Ódio".
Várias curiosidades são expostas. O fato de que foi Martin quem deu o pontapé para Wes Anderson fazer a "Viagem a Dajeerling", Wes teve a ideia ao ver 'O Rio Sagrado" de Renoir ( e filmes de Satyajit Ray ), indicado por Martin. Os bastidores de Woodstock, filme-festival que ele co-dirigiu, mas do qual foi garfado. ( Interessante observar que Woodstock deveria ser um festival "normal". Nada havia sido programado em termos de filmagem ou cobertura de midia. De repente as pessoas vão chegando do nada e o evento se torna monstruoso ). A explosão de 'Caminhos Perigosos", e dá pra notar que é um dos favoritos de Martin até hoje. De Niro, um cara calado e cheio de ideias; e o mentor de Martin, Michael Powell, um gênio do cinema inglês e que acabou por se casar com sua montadora. Aliás, foi Powell que o aconselhou a aceitar a direção de Goodfellas.
Scorsese recorda a beleza do Technicolor, as cores fortes ( ao contrário dos filmes de hoje, que têm cores esmaecidas, mortas, frias ). A produção de 'O Aviador", que tenta reproduzir o colorido dos filmes em technicolor, ( o sistema technicolor não existe mais. A Kodak aposentou a revelação e produção dessa película. Era um sistema caro demais. O último filme foi "O Poderoso Chefão II" ). É triste observar o fato de que hoje não se pode mais fazer filmes como 'O Poderoso Chefão" ou "Apocalypse Now". Existe toda uma gama de temas e custos proibitivos. Filme caro só se for para os teens, filme ambicioso tem de ser barato.
O contraste entre o cinema de Martin e o de Eastwood. Martin, um italiano que cresceu com rock, ( ele é louco por Stones, Dylan e The Band ), e faz filmes intensos; e Clint, um tipico americano da California, que cresceu com cool jazz e faz filmes sóbrios, controlados. E observamos que isso se reflete até nos gostos pessoais. Se Clint vive citando Kurosawa, Leone e Huston; Martin cita Visconti, Fellini, Hitchcock, muito Bergman e um monte de Elia Kazan.
O mais delicioso são os pequenos filmes geniais que Martin adora. Filmes de Wise, de Fuller, de Anthony Mann. Elogia Frank Capra, James Stewart e Henry Fonda. E diz que agora, mais velho, anda vendo muito Michael Powell, Carol Reed, Jean Renoir, e principalmente Carl Dreyer. Ele considera "A Palavra" uma obra-prima. E se emociona ao contar como teve sorte em ser um jovem cinéfilo nos anos 60. Bergman estreando filmes novos a cada nove meses, e mais Cassavettes, Pasolini, Olmmi, Bertolucci, Antonioni, Bunuel, Godard, Kubrick...
Scorsese conta filme por filme. O mais dificil de fazer foi "A Ultima Tentação de Cristo", filme que sentimos ser aquele pelo qual ele mais lutou, mais se entregou, mais sonhou em fazer. E ficamos sabendo que a mais de dez anos ele sonha em fazer um filme no Japão, sobre missionarios católicos para lá enviados no século XVI. Ninguém quer produzi-lo. Enquanto isso ele faz "A Ilha do Medo" e prepara um documentário sobre George Harrison e um longa de ficção sobre Sinatra. Tudo na esperança de um dia fazer o tal filme japonês. Nos bons tempos da Warner ele já teria sido feito...
Ele fala da barbárie. Que é óbvio que estamos caindo degrau a degrau e que pelos próximos duzentos anos estaremos em mundo de extrema violência. Filmes, músicas, jogos, linguagem, tudo nos prepara para esse mundo. Martin diz que os ídolos de hoje são todos guerreiros, lutadores e impetuosos, nada há que faça com que admiremos a doçura, a caridade ou a compaixão.
Martin preserva filmes. Gasta seu dinheiro nessa paixão. Tira antigos filmes do ostracismo. E os exibe para seus elencos antes de suas filmagens, para que saibam o que ele deseja obter. Daniel-Day Lewis é um ator que conhece profundamente o cinema clássico, e Leo di Caprio aprendeu com Martin, ( "Out of Past" de Jacques Tourneur, se tornou o filme favorito de Leo nas filmagens de "Os Infiltrados" ).
Fracassos ele experimentou vários. 'New York, New York" foi o maior. Uma tentativa desastrada de fazer um musical com as cores de Minelli e o drama de Scorsese. "Os Infiltrados" é seu Oscar, afinal, mas "A Ilha do Medo" é incrivelmente sua maior bilheteria ( um filme para ganhar dinheiro, e que parece estar longe de ser um favorito de Martin ). Mas me veio uma sensação estranha durante a leitura do livro. É a de que Scorsese é sem dúvida um dos grandes. Tão bom quanto Kazan. Ele fez alguns filmes que me deixaram muito impressionados ( TAXI DRIVER, O TOURO INDOMÁVEL, OS INFILTRADOS ), ou que me deram um soco na boca ( A ÚLTIMA TENTAÇÃO DE CRISTO, CAMINHOS PERIGOSOS, GOODFELLAS ), e até aqueles que me divertiram intensamente ( ALICE NÃO MORA MAIS AQUI, A COR DO DINHEIRO, THE LAST WALTZ ), mas ele não é o tipo de diretor que me dá vontade de rever e rever seus filmes. Com excessão de ALICE e de CAMINHOS PERIGOSOS, nenhum deles eu vi mais de uma vez. Os admiro muito, mas não os amo. Tenho uma teoria: sua energia é tão intensa, seus melhores filmes são tão nervosos, que vê-los é experiência cansativa, me esgota. Tenho de os ver, nunca me arrependo, mas não desejo repetir a dose.
Mas como pessoa, o livro o atesta, Scorsese é bom para se conversar, para se conhecer, é um cara admirável. Eis um bom presente de Natal para cinéfilos.
PS: Ao falar da morte ele diz: "Será uma pena não poder mais rever os filmes de Capra, de Ford, de Kazan..." Tenho pensado nisso. Morrer não me dá medo, o que me entristece é não poder rever certos filmes, ouvir certas musicas e sentir o sol na pele...Mas esse é tema pra outra conversa....
KIAROSTAMI/ BINOCHE/ DEPARDIEU/ BECKER/ GROUCHO/ SCORSESE/ CLAIR/ DASSIN/ ROSSELINI
CÓPIA FIEL de Abbas Kiarostami com Juliette Binoche e Willian Shimell
Eric Rhomer ( de quem gosto ) fez filmes em que as pessoas falam e "nada acontece". Mas Rhomer tem um segredo: seus personagens são gostáveis. Torcemos por eles. Um americano ( quem? Linklater? ) fez um filme em que um casal conversa. É uma versão teen de Rhomer. Aqui temos Kiarostami fazendo uma versão adulta de Linklater ( se não for Linklater, sorry... ). Binoche continua bonitona. Shimell é ok. Mas o filme é um pé no saco! Motivo: os dois são detestáveis! O crítico de arte é de uma frieza nojenta e Juliette faz a típica divorciada amarga. São reais? Sim, são. O jogo de ocultamento/revelação é bem sacado? Sim, é. Mas e daí? Tudo se perde ( inclusive uma atuação perfeita de Binoche ) numa antipatia, uma chatura insuportável. Quando o personagem feminino desaba ao fim do filme, tudo de pior num relacionamento e num certo tipo de cinema cabeça vem a tona. É duro! Mas vale uma notinha pela atuação de Juliette. Nota 3.
DUCK SOUP de Leo McCarey com Margaret Dumont e os Irmãos Marx
Após o porre de sentido, de relevância e de seriedade vazia de Kiarostami, nada como a falta de senso de Groucho, Chico e Harpo para nos salvar. Este é o filme "politico" dos Marx. Freedonia que é governada por Groucho e entra em guerra "porque o campo de batalha já foi alugado". Amar os Marx é saber que viver é não fazer sentido. Nada neles faz sentido, nada. Seus filmes são carnavais sem enredo e comissão de frente. Duca! Nota DEZ!!!!!!!!!!!!
QUEM BATE A MINHA PORTA? de Martin Scorsese com Harvey Keitel
É o primeiro filme de Martin. Começou a ser filmado em 1965, e foi encerrado só em 68. Todo o seu estilo já está aqui: câmera em movimento, retrato de jovens perdidos, música pop. Impressiona o fato de que é um filme ainda moderno, lembra o estilo de Tarantino, Ritchie e vasto etc. Como todo novato Scorsese erra ao dar mais valor às imagens que ao roteiro, o filme às vezes se perde em sua história. Mas é uma refrescante visão de um imenso talento em seu nascimento. Nota 6.
O CÍRCULO VERMELHO de Jean-Pierre Melville com Alain Delon, Bourvil e Gian Maria Volonté
Por falar em Tarantino... Mais um dos filmes vigorosos de Melville. Mundo de ladrões, policiais e cabarets baratos. É um filme frio, duro, com uma contida violencia sempre latente. Delon é perfeito nesse papel de bandido sem alma. Melville foi um gigante, seus filmes jamais envelhecem. Virilidade em dose cavalar. Nota 7.
A BELEZA DO DIABO de René Clair com Gerard Philipe e Michel Simon
Finalmente vejo um filme em que o talento de Philipe me é exibido! Para quem não sabe é ele o grande mito do teatro e cinema francês. Morreu jovem... Aqui ele faz Mefistófeles, numa adaptação, em ritmo de farsa, do mito de Fausto. Simon é outro ator de gênio e é um prazer vê-lo em seus pulinhos de diabo bem-humorado. Clair, um dos cinco gigantes da França, tem o amor sincero pela poesia onírica do cinema. Sabia filmar sonhos e delirios. É uma obra invulgar, solta, febril e irreverente. Mas às vezes ela se perde em sua ambição. Clair era maior quando mais simples. De qualquer modo, é maravilhoso que filmes como este sejam lançados em dvd. Nota 6.
MINHAS TARDES COM MARGUERITTE de Jean Becker com Gerard Depardieu e Gisele Casadesus
Gerard Depardieu quando quer é um grande ator! A prova está aqui, neste filme que passou em nossas salas em Abril e que quase ninguém viu. Porque filmes tão bons quanto este são tão pouco vistos? Porque são adultos? Ou porque não são sensacionais? Não apelativos? É um filme discreto, elegante, simples, solar e muito feliz. Tudo o que hoje não dá ibope. Depardieu é um "burro", um homem de inteligência limitada, um bronco. Ele conhece uma velhinha que ama ler e os dois se tornam amigos. Nesse processo ele não se torna mais inteligente, mas adquire confiança em si. Tudo no filme funciona. Os amigos do bar, a namorada jovem, e principalmente a relação de Depardieu com a mãe não-maternal, mostrada em flash-back. O modo como Depardieu fala e se move, suas mãos imensas e suas hesitações são trabalho de gênio. Eu não gostava muito dele, mas este filme mudou meu conceito. É também um dos raros filmes de agora que consegue mostrar a verdadeira França e o verdadeiro francês. Espero que os americanos não o refilmem. Fariam do personagem central um viciado ou um caso psico, e da velhinha uma louquinha tarada. Fariam desta pequena jóia um filme "sensacional". Jean Becker é filho de um dos meus diretores favoritos, Jacques Becker. Os filmes que ele tem feito ultimamente são todos assim: maravilhosos. Veja!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! Nota 9.
O RETORNO A CÂMARA 36 DE SHAO LIN de Lau Kar Leung com Gordon Liu e Johnny Wang
Produção do mitico estúdio Shaw Bros. Liu, espetacular, faz comédia como um mentiroso que se torna mestre de Kung Fu e salva trabalhadores de patrão cruel. Kill Bill é dedicado a Liu, um mito chinês. Lutas fantásticas num filme que dignifica o cinema pop. Os chineses viam o cinema como circo, como festa. É isso que temos aqui, uma festa. Nota 7.
ALEMANHA ANO ZERO de Roberto Rosselini
Em 1947, em ato de coragem, Rosselini foi a Berlin, filmar a vida na cidade vencida. O filme sempre irá impressionar: Berlin é um imenso lixão, onde pessoas esfomeadas vendem o que possuem. Temos aqui um ex-nazista, moças prostitutas, ex-professor pedófilo, velho agonizante. E principalmente um menino perdido, retrato da Alemanha de então, que rouba, foge, tenta se comunicar e acaba por matar seu pai. É um dos filmes mais tristes já feitos. O cinema de Rosselini continua a ser influência num certo tipo de cinema de hoje ( os iranianos, os palestinos, os africanos ), é cinema da pobreza, da crueza, e da ausência de emoção. Rosselini tenta ficar a distância, observa e não se envolve. O que salta aos olhos hoje é o absurdo de destruição que se fez em Berlin, creia, a cidade ficou completamente destruída. Nota 7.
PROFANAÇÃO de Jules Dassin com Melina Mercouri e Anthony Perkins
Primeiro: Dassin é um super diretor! Seja em policiais ou em dramas, seja em comédias ou em noir. Aqui ele pega a história de Fedra e a coloca na Grécia moderna, no mundo dos milionários armadores ( Onassis? ). Melina é a esposa de rico armador que se apaixona por seu enteado. Perkins, o jovem e frágil ator de Psicose, faz o enteado. A trilha é de Mikis Theodorakis, maravilhosamente trágica. Dassin vai fundo na tragédia grega, sem medo e sem pudor. O que vemos é a destruição de todos pela força da paixão cega. Mas a habilidade de Dassin é tanta que o filme nunca perde ritmo, suas imagens e sua edição dando suspense ( e nervosa beleza ) ao todo. Melina nasceu para esses papéis: seu rosto é máscara de tragédia. Anthony Perkins traz o desamparo de menino mal amado. O filme é poderoso. Nota 8.
Eric Rhomer ( de quem gosto ) fez filmes em que as pessoas falam e "nada acontece". Mas Rhomer tem um segredo: seus personagens são gostáveis. Torcemos por eles. Um americano ( quem? Linklater? ) fez um filme em que um casal conversa. É uma versão teen de Rhomer. Aqui temos Kiarostami fazendo uma versão adulta de Linklater ( se não for Linklater, sorry... ). Binoche continua bonitona. Shimell é ok. Mas o filme é um pé no saco! Motivo: os dois são detestáveis! O crítico de arte é de uma frieza nojenta e Juliette faz a típica divorciada amarga. São reais? Sim, são. O jogo de ocultamento/revelação é bem sacado? Sim, é. Mas e daí? Tudo se perde ( inclusive uma atuação perfeita de Binoche ) numa antipatia, uma chatura insuportável. Quando o personagem feminino desaba ao fim do filme, tudo de pior num relacionamento e num certo tipo de cinema cabeça vem a tona. É duro! Mas vale uma notinha pela atuação de Juliette. Nota 3.
DUCK SOUP de Leo McCarey com Margaret Dumont e os Irmãos Marx
Após o porre de sentido, de relevância e de seriedade vazia de Kiarostami, nada como a falta de senso de Groucho, Chico e Harpo para nos salvar. Este é o filme "politico" dos Marx. Freedonia que é governada por Groucho e entra em guerra "porque o campo de batalha já foi alugado". Amar os Marx é saber que viver é não fazer sentido. Nada neles faz sentido, nada. Seus filmes são carnavais sem enredo e comissão de frente. Duca! Nota DEZ!!!!!!!!!!!!
QUEM BATE A MINHA PORTA? de Martin Scorsese com Harvey Keitel
É o primeiro filme de Martin. Começou a ser filmado em 1965, e foi encerrado só em 68. Todo o seu estilo já está aqui: câmera em movimento, retrato de jovens perdidos, música pop. Impressiona o fato de que é um filme ainda moderno, lembra o estilo de Tarantino, Ritchie e vasto etc. Como todo novato Scorsese erra ao dar mais valor às imagens que ao roteiro, o filme às vezes se perde em sua história. Mas é uma refrescante visão de um imenso talento em seu nascimento. Nota 6.
O CÍRCULO VERMELHO de Jean-Pierre Melville com Alain Delon, Bourvil e Gian Maria Volonté
Por falar em Tarantino... Mais um dos filmes vigorosos de Melville. Mundo de ladrões, policiais e cabarets baratos. É um filme frio, duro, com uma contida violencia sempre latente. Delon é perfeito nesse papel de bandido sem alma. Melville foi um gigante, seus filmes jamais envelhecem. Virilidade em dose cavalar. Nota 7.
A BELEZA DO DIABO de René Clair com Gerard Philipe e Michel Simon
Finalmente vejo um filme em que o talento de Philipe me é exibido! Para quem não sabe é ele o grande mito do teatro e cinema francês. Morreu jovem... Aqui ele faz Mefistófeles, numa adaptação, em ritmo de farsa, do mito de Fausto. Simon é outro ator de gênio e é um prazer vê-lo em seus pulinhos de diabo bem-humorado. Clair, um dos cinco gigantes da França, tem o amor sincero pela poesia onírica do cinema. Sabia filmar sonhos e delirios. É uma obra invulgar, solta, febril e irreverente. Mas às vezes ela se perde em sua ambição. Clair era maior quando mais simples. De qualquer modo, é maravilhoso que filmes como este sejam lançados em dvd. Nota 6.
MINHAS TARDES COM MARGUERITTE de Jean Becker com Gerard Depardieu e Gisele Casadesus
Gerard Depardieu quando quer é um grande ator! A prova está aqui, neste filme que passou em nossas salas em Abril e que quase ninguém viu. Porque filmes tão bons quanto este são tão pouco vistos? Porque são adultos? Ou porque não são sensacionais? Não apelativos? É um filme discreto, elegante, simples, solar e muito feliz. Tudo o que hoje não dá ibope. Depardieu é um "burro", um homem de inteligência limitada, um bronco. Ele conhece uma velhinha que ama ler e os dois se tornam amigos. Nesse processo ele não se torna mais inteligente, mas adquire confiança em si. Tudo no filme funciona. Os amigos do bar, a namorada jovem, e principalmente a relação de Depardieu com a mãe não-maternal, mostrada em flash-back. O modo como Depardieu fala e se move, suas mãos imensas e suas hesitações são trabalho de gênio. Eu não gostava muito dele, mas este filme mudou meu conceito. É também um dos raros filmes de agora que consegue mostrar a verdadeira França e o verdadeiro francês. Espero que os americanos não o refilmem. Fariam do personagem central um viciado ou um caso psico, e da velhinha uma louquinha tarada. Fariam desta pequena jóia um filme "sensacional". Jean Becker é filho de um dos meus diretores favoritos, Jacques Becker. Os filmes que ele tem feito ultimamente são todos assim: maravilhosos. Veja!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!! Nota 9.
O RETORNO A CÂMARA 36 DE SHAO LIN de Lau Kar Leung com Gordon Liu e Johnny Wang
Produção do mitico estúdio Shaw Bros. Liu, espetacular, faz comédia como um mentiroso que se torna mestre de Kung Fu e salva trabalhadores de patrão cruel. Kill Bill é dedicado a Liu, um mito chinês. Lutas fantásticas num filme que dignifica o cinema pop. Os chineses viam o cinema como circo, como festa. É isso que temos aqui, uma festa. Nota 7.
ALEMANHA ANO ZERO de Roberto Rosselini
Em 1947, em ato de coragem, Rosselini foi a Berlin, filmar a vida na cidade vencida. O filme sempre irá impressionar: Berlin é um imenso lixão, onde pessoas esfomeadas vendem o que possuem. Temos aqui um ex-nazista, moças prostitutas, ex-professor pedófilo, velho agonizante. E principalmente um menino perdido, retrato da Alemanha de então, que rouba, foge, tenta se comunicar e acaba por matar seu pai. É um dos filmes mais tristes já feitos. O cinema de Rosselini continua a ser influência num certo tipo de cinema de hoje ( os iranianos, os palestinos, os africanos ), é cinema da pobreza, da crueza, e da ausência de emoção. Rosselini tenta ficar a distância, observa e não se envolve. O que salta aos olhos hoje é o absurdo de destruição que se fez em Berlin, creia, a cidade ficou completamente destruída. Nota 7.
PROFANAÇÃO de Jules Dassin com Melina Mercouri e Anthony Perkins
Primeiro: Dassin é um super diretor! Seja em policiais ou em dramas, seja em comédias ou em noir. Aqui ele pega a história de Fedra e a coloca na Grécia moderna, no mundo dos milionários armadores ( Onassis? ). Melina é a esposa de rico armador que se apaixona por seu enteado. Perkins, o jovem e frágil ator de Psicose, faz o enteado. A trilha é de Mikis Theodorakis, maravilhosamente trágica. Dassin vai fundo na tragédia grega, sem medo e sem pudor. O que vemos é a destruição de todos pela força da paixão cega. Mas a habilidade de Dassin é tanta que o filme nunca perde ritmo, suas imagens e sua edição dando suspense ( e nervosa beleza ) ao todo. Melina nasceu para esses papéis: seu rosto é máscara de tragédia. Anthony Perkins traz o desamparo de menino mal amado. O filme é poderoso. Nota 8.
DASSIN/ SCORSESE/ ARONOFSKI/ DEL TORO/ PETER BROOK/
LÁGRIMAS DO SOL de Antoine Fuqua com Bruce Willis e Monica Bellucci
Um grupo de soldados vai resgatar americanos em país africano. É um filme dos anos 80 com tintas de bom mocismo típicas dos anos 2000. A ação é banal e dá pra notar que Willis está desinteressado. Não é um filme ruim, é menos que isso. Nota 1.
O LABIRINTO DO FAUNO de Guillermo del Toro
Um filme infantil com cenas adultas. Tem um belo visual, mas a visão que ele tem da vida, seja politica seja sentimental, é de uma criança. Mas o filme não é sobre as fantasias de uma criança? Sim e não. Se fosse a visão de uma criança não teríamos certas cenas que traem um desencanto adulto. De qualquer modo, mesmo não sendo tão bom quanto alguns querem crer ( lhe falta densidade, há uma constante sensação de frustração nele ), é um filme interessante. Em alguns poucos momentos sente-se realmente o que é ser criança e viver nesse mundo dúbio, entre ver e intuir, pensar e sentir, criar e se conformar. Nota 6.
OLD BOY de Chanwook Park
Há um público gigantesco hoje que confunde apuro visual e ousadia superficial com arte. Vejam este exemplo: pega-se uma história simples, simplória até, e através de toda a perfumaria e maquiagem de modismos sem razão de ser, confunde-se tudo. Os tolos acreditarão nessa confusão com as "sacadas espertas" e o visual nervoso será chamado de "estilo". Necas! O filme é comum como qualquer porradaria de Charles Bronson ( prefiro Bronson ). Vazio, sem qualquer emoção, vive daquilo que George Lucas dizia:" É fácil criar sensação no cinema: pegue um gatinho e o esmague, eis a sensação-nojo e pena, revolta e asco; nada a ver com emoção". Old Boy é um lixo. Nota ZERO.
A ILHA DO MEDO de Martin Scorsese com Leonardo di Caprio, Ben Kingsley, Michelle Willians e Max Von Sydow
Frustrante. Quando descobrimos a verdade não nos sentimos surpresos, nos sentimos logrados. O roteiro é seu ponto ruim, e mesmo a direção de Scorsese, cheia de clima e de amor a seu tema trash, não consegue salva-lo. Os atores estão bem ( há algum ator hoje mais importante que Leo? E ainda há o bergmaniano Sydow, o cara que fez O Setimo Selo e O Rosto ). Nota 4.
ENCONTRO COM HOMENS NOTÁVEIS de Peter Brook
Filme sobre a juventude de Gurdjieff. Gurdijieff foi um russo que se tornou um tipo de divulgador de crenças orientais alternativas. Brook como diretor de teatro é figura central do século XX, como pensador é um grande homem, mas como cineasta é um ambicioso, um ambicioso que nunca chega lá. O filme está muito abaixo de sua ambição. Nota 4.
CORAÇÕES DESEPERADOS de Jules Dassin com Melina Mercouri, Romy Schneider e Peter Finch
O MacCarthismo fez bem a Dassin ( e a Losey ). Esse americano começou como um excelente diretor de amargos policiais nos anos 40. Ao ser expulso da América renasceu europeu, passando a fazer filmes muito modernos e muito ousados na França, Inglaterra e Grécia. Foi na Grécia que ele conheceu Melina, sua esposa. Este filme, maravilhoso, é uma homenagem a sua musa. Vemos na Espanha um casal em crise viajando com sua filha adolescente, e também com a amante do marido, que vai junto. A esposa ( Melina ) sabe de tudo e se martiriza com a situação. O filme acompanha 24 horas dessa viagem, de Toledo a Madrid. Noite de chuva forte e manhã de sol. Para quem quer saber o que é um filme adulto, eis aqui sua chance. Os três atores se batem com sutileza e se vêem presos numa vida boba, sem desejo e sem coragem. A fotografia é um primor: os telhados da velha Toledo na chuva, a aparição do Espanhol foragido, as ruas com sombras e a cena belíssima do amanhecer no campo nú. Eu havia visto este filme na tv Bandeirantes aos 12 anos de idade e só o revi agora, mais de trinta anos depois. Os telhados à chuva e o rosto de Melina ficaram em mim como minhas primeiras imagens do que seja o tal "filme de arte". O final, ruas vazias ao sol do meio-dia é para não se deixar de ver. Jules Dassin era duca!!!! Nota 9.
FONTE DA VIDA de Darren Aronofski com Hugh Jackman, Rachel Weisz e Ellen Burstyn
As 3 encarnações de casal que se ama. Ou também a sabedoria de uma mulher agonizante que descobre que viver é aceitar a morte. Morte que é transformação. Aronofski sempre tem boas intenções, é um cineasta que se interessa pelo que importa. Mas ao mesmo tempo, como todos nós, ele é filho de seu meio. E americanos têm uma enorme dificuldade em lidar com símbolos. A pragmática e não-simbólica igreja americana os isolou desse universo inconsciente. Quando se metem a tentar penetrar nesse universo não-racional acabam explicando demais, expondo demais, iluminando em excesso. Budismo, Jung e neurociencia são tocadas, mas de uma forma que se aproxima perigosamente da new-age. Mas não deixa de ser um filme louvável. Fico apenas chateado ao pensar no que um Kubrick ou um Tarkovski fariam com esse tema. Nos extras, na entrevista com um dos roteiristas, vejo que há um poster de Kurosawa em sua sala... Aronofski tem essa coisa niponica da morte sempre presente, mas lhe falta um pouco mais de discrição, rigor, menos disneylandia. Nota 6.
Um grupo de soldados vai resgatar americanos em país africano. É um filme dos anos 80 com tintas de bom mocismo típicas dos anos 2000. A ação é banal e dá pra notar que Willis está desinteressado. Não é um filme ruim, é menos que isso. Nota 1.
O LABIRINTO DO FAUNO de Guillermo del Toro
Um filme infantil com cenas adultas. Tem um belo visual, mas a visão que ele tem da vida, seja politica seja sentimental, é de uma criança. Mas o filme não é sobre as fantasias de uma criança? Sim e não. Se fosse a visão de uma criança não teríamos certas cenas que traem um desencanto adulto. De qualquer modo, mesmo não sendo tão bom quanto alguns querem crer ( lhe falta densidade, há uma constante sensação de frustração nele ), é um filme interessante. Em alguns poucos momentos sente-se realmente o que é ser criança e viver nesse mundo dúbio, entre ver e intuir, pensar e sentir, criar e se conformar. Nota 6.
OLD BOY de Chanwook Park
Há um público gigantesco hoje que confunde apuro visual e ousadia superficial com arte. Vejam este exemplo: pega-se uma história simples, simplória até, e através de toda a perfumaria e maquiagem de modismos sem razão de ser, confunde-se tudo. Os tolos acreditarão nessa confusão com as "sacadas espertas" e o visual nervoso será chamado de "estilo". Necas! O filme é comum como qualquer porradaria de Charles Bronson ( prefiro Bronson ). Vazio, sem qualquer emoção, vive daquilo que George Lucas dizia:" É fácil criar sensação no cinema: pegue um gatinho e o esmague, eis a sensação-nojo e pena, revolta e asco; nada a ver com emoção". Old Boy é um lixo. Nota ZERO.
A ILHA DO MEDO de Martin Scorsese com Leonardo di Caprio, Ben Kingsley, Michelle Willians e Max Von Sydow
Frustrante. Quando descobrimos a verdade não nos sentimos surpresos, nos sentimos logrados. O roteiro é seu ponto ruim, e mesmo a direção de Scorsese, cheia de clima e de amor a seu tema trash, não consegue salva-lo. Os atores estão bem ( há algum ator hoje mais importante que Leo? E ainda há o bergmaniano Sydow, o cara que fez O Setimo Selo e O Rosto ). Nota 4.
ENCONTRO COM HOMENS NOTÁVEIS de Peter Brook
Filme sobre a juventude de Gurdjieff. Gurdijieff foi um russo que se tornou um tipo de divulgador de crenças orientais alternativas. Brook como diretor de teatro é figura central do século XX, como pensador é um grande homem, mas como cineasta é um ambicioso, um ambicioso que nunca chega lá. O filme está muito abaixo de sua ambição. Nota 4.
CORAÇÕES DESEPERADOS de Jules Dassin com Melina Mercouri, Romy Schneider e Peter Finch
O MacCarthismo fez bem a Dassin ( e a Losey ). Esse americano começou como um excelente diretor de amargos policiais nos anos 40. Ao ser expulso da América renasceu europeu, passando a fazer filmes muito modernos e muito ousados na França, Inglaterra e Grécia. Foi na Grécia que ele conheceu Melina, sua esposa. Este filme, maravilhoso, é uma homenagem a sua musa. Vemos na Espanha um casal em crise viajando com sua filha adolescente, e também com a amante do marido, que vai junto. A esposa ( Melina ) sabe de tudo e se martiriza com a situação. O filme acompanha 24 horas dessa viagem, de Toledo a Madrid. Noite de chuva forte e manhã de sol. Para quem quer saber o que é um filme adulto, eis aqui sua chance. Os três atores se batem com sutileza e se vêem presos numa vida boba, sem desejo e sem coragem. A fotografia é um primor: os telhados da velha Toledo na chuva, a aparição do Espanhol foragido, as ruas com sombras e a cena belíssima do amanhecer no campo nú. Eu havia visto este filme na tv Bandeirantes aos 12 anos de idade e só o revi agora, mais de trinta anos depois. Os telhados à chuva e o rosto de Melina ficaram em mim como minhas primeiras imagens do que seja o tal "filme de arte". O final, ruas vazias ao sol do meio-dia é para não se deixar de ver. Jules Dassin era duca!!!! Nota 9.
FONTE DA VIDA de Darren Aronofski com Hugh Jackman, Rachel Weisz e Ellen Burstyn
As 3 encarnações de casal que se ama. Ou também a sabedoria de uma mulher agonizante que descobre que viver é aceitar a morte. Morte que é transformação. Aronofski sempre tem boas intenções, é um cineasta que se interessa pelo que importa. Mas ao mesmo tempo, como todos nós, ele é filho de seu meio. E americanos têm uma enorme dificuldade em lidar com símbolos. A pragmática e não-simbólica igreja americana os isolou desse universo inconsciente. Quando se metem a tentar penetrar nesse universo não-racional acabam explicando demais, expondo demais, iluminando em excesso. Budismo, Jung e neurociencia são tocadas, mas de uma forma que se aproxima perigosamente da new-age. Mas não deixa de ser um filme louvável. Fico apenas chateado ao pensar no que um Kubrick ou um Tarkovski fariam com esse tema. Nos extras, na entrevista com um dos roteiristas, vejo que há um poster de Kurosawa em sua sala... Aronofski tem essa coisa niponica da morte sempre presente, mas lhe falta um pouco mais de discrição, rigor, menos disneylandia. Nota 6.
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