leia e escreva já!
TAKING OFF ( BUSCA INSACIÁVEL ), FILME AINDA NOVO DE MILOS FORMAN.
Este post vai para meu amigo Leo Falcão. Mas para voce também.
Abro o box sobre o cinema americano dos anos 70, o novo cinema de então, e que permanece novo para sempre, com este Milos Forman, talvez o menos atraente dos filmes do box. E já antecipo: é maravilhoso. Meu amigo me falou a mais de ano sobre esse box. André Barcinski o elogiara. Vamos à história do filme:
Forman surgiu em 1964 na Praga jovem de então. Pedro o Negro é seu primeiro filme. Já o assisti e fiquei impressionado. Forman tem um amor profundo pelas pessoas. Ele mostra seu lado ridículo, grotesco, mas sempre com amor, com respeito. É uma grande alma.
Pois bem. Com mais dois filmes, Os Amores de Uma Loura e O Baile dos Bombeiros, ele se torna um dos nomes mais quentes em festivais de filmes. Jan Kadar, Vera Chyntilova, Ivan Passer são alguns outros nomes tchecos. Pois bem, em 1967 ele consegue autorização para ir à NY. Tem um convite para filmar lá. Encontra o roteirista de Bunuel, Jean-Claude Carriére, e juntos passam a frequentar a cena hippie do verão do amor. Usam drogas, vão a shows, festas, ioga, Buda, tudo. Mas o roteiro não sai. Então vão para Paris e aí já é maio de 68. Impossível escrever. Forman leva então o francês para Praga achando que lá poderiam ter paz para escrever. Não. Os tanques russos invadem a cidade e eles fogem para NY. Forman, sem grana, vai morar no Chelsea Hotel. ( Patti Smith estava por lá ).
Então é 1970 e finalmente o roteiro está pronto. Filmam.
Baseiam o script em She's Leaving Home, dos Beatles. E percebem que o mundo de 1967 já parece 200 anos atrás. A alegria e a euforia de então deram lugar ao medo e ao cansaço.
Forman chama gente para o filme. Uma Madonna de 14 anos está entre eles ( mas some na sala de edição ). As anônimas Kathy Bates, Jessica Harper e Carly Simon, todas prestes a estourar, são algumas da meninas desconhecidas do filme. Simples faces, comuns, feias, jovens, do filme. Que começa com essa audição de candidatas a um disco. E toda a arte de Forman já se põe aí. O diretor de Um Estranho no Ninho, de Amadeus, mostra seu amor pelos rostos esquisitos, feios, e cheios de vida. Forman os ama e cada segundo de gravação exibe isso.
Na audição há uma menina de 15 anos que fugiu de casa. E enquanto isso os pais ( esses são atores profissionais, dentre eles Buck Henry, um dos top roteiristas de então, da turma de Warren Beatty ), procuram a menina. A menina volta e os pais piram nesse processo. Numa das sequencias mais hilárias do filme, provam maconha com outros pais. Fazem strip poker. E a menina, sempre distante, assiste tudo. Eles perderam sua filha. Ela volta, mas nunca mais será deles. O close final mostra isso.
Até mais ou menos 1970, milhões de jovens fugiam de casa. Essa é uma das "modas" que passou. Hoje se sai de casa. Se sai de casa sem conflito, com planos de vida, com alguma grana, com endereço e vida adulta. Entre 1965-1970 se fugia de casa escondido, por impulso, sem endereço, sem plano. No excelente doc sobre o filme se diz que a vida era fazer e usufruir do momento, sem JAMAIS pensar no dia seguinte. Bem...mudamos muito. Em 1977 aqui no Brasil ainda se fugia de casa. Isso fazia parte de ser adolescente. Fugi aos 15 anos. Todo mundo fugia. Mesmo que fosse por um só dia.
O filme é maravilhoso, volto a dizer. Todos os personagens são verdadeiros. São pessoas de 1970. Mas, que engraçado, se voce abstrair as roupas, são de 2017. O mundo pós-hippie é o mundo cultural de hoje. Nunca mais fomos os mesmos e os vejo na USP, nas ruas, no LGBTS, nos Sem Terra, na ecologia. Para o bem e para o mal, somos todos jovens de 1970.
Quanto aos pobres pais...esses estão condenados. Foram pais perdidos, jogados em um mundo desconhecido, com filhos estranhos, e hoje são os avôs senis de um canto qualquer. Quase todos já morreram. São as últimas testemunhas desse mundo anos 50.
Vi este filme na Globo, em 1977. Revejo agora. Não gostei em 77. Amei hoje. É quase uma obra-prima. Quase um documentário. Está vivo, pulsando, está para sempre.
Vocês têm de assistir.
Abro o box sobre o cinema americano dos anos 70, o novo cinema de então, e que permanece novo para sempre, com este Milos Forman, talvez o menos atraente dos filmes do box. E já antecipo: é maravilhoso. Meu amigo me falou a mais de ano sobre esse box. André Barcinski o elogiara. Vamos à história do filme:
Forman surgiu em 1964 na Praga jovem de então. Pedro o Negro é seu primeiro filme. Já o assisti e fiquei impressionado. Forman tem um amor profundo pelas pessoas. Ele mostra seu lado ridículo, grotesco, mas sempre com amor, com respeito. É uma grande alma.
Pois bem. Com mais dois filmes, Os Amores de Uma Loura e O Baile dos Bombeiros, ele se torna um dos nomes mais quentes em festivais de filmes. Jan Kadar, Vera Chyntilova, Ivan Passer são alguns outros nomes tchecos. Pois bem, em 1967 ele consegue autorização para ir à NY. Tem um convite para filmar lá. Encontra o roteirista de Bunuel, Jean-Claude Carriére, e juntos passam a frequentar a cena hippie do verão do amor. Usam drogas, vão a shows, festas, ioga, Buda, tudo. Mas o roteiro não sai. Então vão para Paris e aí já é maio de 68. Impossível escrever. Forman leva então o francês para Praga achando que lá poderiam ter paz para escrever. Não. Os tanques russos invadem a cidade e eles fogem para NY. Forman, sem grana, vai morar no Chelsea Hotel. ( Patti Smith estava por lá ).
Então é 1970 e finalmente o roteiro está pronto. Filmam.
Baseiam o script em She's Leaving Home, dos Beatles. E percebem que o mundo de 1967 já parece 200 anos atrás. A alegria e a euforia de então deram lugar ao medo e ao cansaço.
Forman chama gente para o filme. Uma Madonna de 14 anos está entre eles ( mas some na sala de edição ). As anônimas Kathy Bates, Jessica Harper e Carly Simon, todas prestes a estourar, são algumas da meninas desconhecidas do filme. Simples faces, comuns, feias, jovens, do filme. Que começa com essa audição de candidatas a um disco. E toda a arte de Forman já se põe aí. O diretor de Um Estranho no Ninho, de Amadeus, mostra seu amor pelos rostos esquisitos, feios, e cheios de vida. Forman os ama e cada segundo de gravação exibe isso.
Na audição há uma menina de 15 anos que fugiu de casa. E enquanto isso os pais ( esses são atores profissionais, dentre eles Buck Henry, um dos top roteiristas de então, da turma de Warren Beatty ), procuram a menina. A menina volta e os pais piram nesse processo. Numa das sequencias mais hilárias do filme, provam maconha com outros pais. Fazem strip poker. E a menina, sempre distante, assiste tudo. Eles perderam sua filha. Ela volta, mas nunca mais será deles. O close final mostra isso.
Até mais ou menos 1970, milhões de jovens fugiam de casa. Essa é uma das "modas" que passou. Hoje se sai de casa. Se sai de casa sem conflito, com planos de vida, com alguma grana, com endereço e vida adulta. Entre 1965-1970 se fugia de casa escondido, por impulso, sem endereço, sem plano. No excelente doc sobre o filme se diz que a vida era fazer e usufruir do momento, sem JAMAIS pensar no dia seguinte. Bem...mudamos muito. Em 1977 aqui no Brasil ainda se fugia de casa. Isso fazia parte de ser adolescente. Fugi aos 15 anos. Todo mundo fugia. Mesmo que fosse por um só dia.
O filme é maravilhoso, volto a dizer. Todos os personagens são verdadeiros. São pessoas de 1970. Mas, que engraçado, se voce abstrair as roupas, são de 2017. O mundo pós-hippie é o mundo cultural de hoje. Nunca mais fomos os mesmos e os vejo na USP, nas ruas, no LGBTS, nos Sem Terra, na ecologia. Para o bem e para o mal, somos todos jovens de 1970.
Quanto aos pobres pais...esses estão condenados. Foram pais perdidos, jogados em um mundo desconhecido, com filhos estranhos, e hoje são os avôs senis de um canto qualquer. Quase todos já morreram. São as últimas testemunhas desse mundo anos 50.
Vi este filme na Globo, em 1977. Revejo agora. Não gostei em 77. Amei hoje. É quase uma obra-prima. Quase um documentário. Está vivo, pulsando, está para sempre.
Vocês têm de assistir.
A ESCADA E A SACOLA = VIDA.
A evolução de uma pessoa se dá em 4 degraus básicos, sendo que todos os 4, idealmente, deveriam ser completos em 16 anos. Ou seja, no mundo "perfeito", um adolescente aos 16 seria um homem pronto, um ser no alto de sua escada. Mas, como falei em outro post, cada criança é um gênio em potencial, todas nascem com o impulso da genialidade. Pois a genialidade é uma condição humana, não uma anomalia. Digamos que assim como todo lobinho é um lobo caçador expert de renas; toda criança é um homem adulto, um Beethoven ou um Bohr.
Mas isso não acontece. Pois nossos lobinhos são treinados como bassets. Ou no máximo huskies. Mas não é disso que falarei hoje. Falarei dos tais degraus.
Nascemos com plenas sensações. Tato, o senso de calor e frio, o olhar, medo, alegria, prazer, tudo isso está pronto. Pulamos, corremos, choramos, rimos e sonhamos. Somos uma existência que é sensação livre. O calor na barriga ao passear de carrinho, o maravilhamento do primeiro raio, o feitiço das cores... Então subimos ao segundo degrau: a imaginação surge, um degrau que os animais jamais alcançam.
Imaginamos que há um homem debaixo da cama. Que sobre as nuvens há um deus. Que os brinquedos falam. Que o Scooby Doo existe. Pensamos que nosso pai tem uma vida secreta. Somos tomados por uma imaginação que não cessa. Toda coisa vista, todo som, desperta uma criação.
O terceiro degrau traz a elaboração. A mente infantil começa a unir a observação com a experiência. O homem debaixo da cama pode até existir, mas ele percebe que nunca o viu e que se ele existisse já o teria visto. Aqui podem nascer os problemas emocionais mais duradouros. A mente e os sentimentos devem saltar da imaginação pura rumo ao pensamento racional. A tendência mais simples seria se agarrar em um ou em outro. É aqui que a criança começa a fingir ser "adulto". Na verdade finge ser aquilo que uma criança pensa ser um adulto.
No alto da escada nasce o mundo simbólico. É aqui que ela aprende a usar a língua e a escrita como ferramentas e desvenda o segredo do simbolismo verbal. É aqui também que os números se revelam. O mundo e a vida revelam seus sentidos. Nasce a percepção de que tudo é uma linguagem e assim se pode ler o mundo.
Tudo isso aprendi numa bela aula. O mais importante é dizer que em nosso planeta, muita gente adulta jamais saiu do primeiro degrau. Vivem no plano da pura sensação. São os adultos que bebem, comem, transam, dançam, achando que isso é tudo o que existe.
Outros atingem o nível dois, e passam a vida criando sintomas, imaginando paranoias, ou sendo aquele tipo de "doido avoado", feliz, mas sem poder sobre si mesmo.
Muita gente adulta se conforma com o nível 3. Elaboram uma mistura lógica do que seja razão-intuição-imaginação. Mas jamais conseguem entender um só símbolo. Usam a lingua e a escrita como ferramentas. Não percebem nada que não seja óbvio.
Mas o pior não é parar num degrau. O pior é que a maioria imensa das pessoas "mata" o degrau que deixou para trás.
Desse modo, o homem ou mulher ignora suas sensações a partir do momento em que aprende a imaginar. Sonha, cria conexões, mas não chora mais, não dança, não briga e não pula.
Assim como muitos que chegam à elaboração, à lógica, passam a desprezar a imaginação e a sensação. Se tornam frios, racionais, sem brilho, pessoas "adultas".
O homem em seu potencial genial seria aquele que sobe os degraus acumulando fases e jamais fazendo trocas.
Não se troca a sensação por imaginação.
Não se troca imaginação por lógica.
Os grandes cérebros são lógicos criativos. São sensitivos racionais. São simbolizadores sensuais.
É isso.
Mas isso não acontece. Pois nossos lobinhos são treinados como bassets. Ou no máximo huskies. Mas não é disso que falarei hoje. Falarei dos tais degraus.
Nascemos com plenas sensações. Tato, o senso de calor e frio, o olhar, medo, alegria, prazer, tudo isso está pronto. Pulamos, corremos, choramos, rimos e sonhamos. Somos uma existência que é sensação livre. O calor na barriga ao passear de carrinho, o maravilhamento do primeiro raio, o feitiço das cores... Então subimos ao segundo degrau: a imaginação surge, um degrau que os animais jamais alcançam.
Imaginamos que há um homem debaixo da cama. Que sobre as nuvens há um deus. Que os brinquedos falam. Que o Scooby Doo existe. Pensamos que nosso pai tem uma vida secreta. Somos tomados por uma imaginação que não cessa. Toda coisa vista, todo som, desperta uma criação.
O terceiro degrau traz a elaboração. A mente infantil começa a unir a observação com a experiência. O homem debaixo da cama pode até existir, mas ele percebe que nunca o viu e que se ele existisse já o teria visto. Aqui podem nascer os problemas emocionais mais duradouros. A mente e os sentimentos devem saltar da imaginação pura rumo ao pensamento racional. A tendência mais simples seria se agarrar em um ou em outro. É aqui que a criança começa a fingir ser "adulto". Na verdade finge ser aquilo que uma criança pensa ser um adulto.
No alto da escada nasce o mundo simbólico. É aqui que ela aprende a usar a língua e a escrita como ferramentas e desvenda o segredo do simbolismo verbal. É aqui também que os números se revelam. O mundo e a vida revelam seus sentidos. Nasce a percepção de que tudo é uma linguagem e assim se pode ler o mundo.
Tudo isso aprendi numa bela aula. O mais importante é dizer que em nosso planeta, muita gente adulta jamais saiu do primeiro degrau. Vivem no plano da pura sensação. São os adultos que bebem, comem, transam, dançam, achando que isso é tudo o que existe.
Outros atingem o nível dois, e passam a vida criando sintomas, imaginando paranoias, ou sendo aquele tipo de "doido avoado", feliz, mas sem poder sobre si mesmo.
Muita gente adulta se conforma com o nível 3. Elaboram uma mistura lógica do que seja razão-intuição-imaginação. Mas jamais conseguem entender um só símbolo. Usam a lingua e a escrita como ferramentas. Não percebem nada que não seja óbvio.
Mas o pior não é parar num degrau. O pior é que a maioria imensa das pessoas "mata" o degrau que deixou para trás.
Desse modo, o homem ou mulher ignora suas sensações a partir do momento em que aprende a imaginar. Sonha, cria conexões, mas não chora mais, não dança, não briga e não pula.
Assim como muitos que chegam à elaboração, à lógica, passam a desprezar a imaginação e a sensação. Se tornam frios, racionais, sem brilho, pessoas "adultas".
O homem em seu potencial genial seria aquele que sobe os degraus acumulando fases e jamais fazendo trocas.
Não se troca a sensação por imaginação.
Não se troca imaginação por lógica.
Os grandes cérebros são lógicos criativos. São sensitivos racionais. São simbolizadores sensuais.
É isso.
LOGAN - ANTHONY MANN - KIRK DOUGLAS - BOGART
UMA NOITE COM MEU EX-SOGRO de Gavin Wiesen com J.K. Simmons e Emile Hirsch.
Parece mas não é uma comédia boba. O filme narra a odisseia de um dia de um pai procurando sua filha. Ele é um milionário cinquentão, seguro e objetivo, e para a encontrar conta com a ajuda do ex namorado da filha, um jovem inseguro, alternativo e sem rumo. Há aqui uma leve crítica aos atuais jovens da geração nascida em 1991-1997. O cara é um vegano alérgico militante solitário loser. Já o pai é o cara dos anos 80: seguro materialista forte bem sucedido. Dá pra assistir. Apesar de não fazer rir, não tem nenhuma cena constrangedora. O cinquentão lembra muito meus amigos dos anos 80.
LOGAN de James Mangold com Hugh Jackman e Patrick Stewart.
Este filme exibe a morte do cinema. Enquanto o tal "cinema" se ocupa de seus filmecos relevantes ( que nada mais são que vírus fatais para o cinema ), filmes maravilhosos como este são esnobados pelos "críticuzinhos". Logan é um grande filme visto sob qualquer ponto de vista. É grande como história, como interpretações, como diversão séria e como peça de arte. Será solenemente esquecido pelo oscarzinho. O tempo irá o preservar. É pra sempre.
VELOZES E FURIOSOS 8 de F.Gary Gray com Vin Diesel, Dwayne Johnson, Jason Statham e Charlize Theron.
O criticuzinho joga Logan no mesmo saco de lixo que este filme. O que mostra o preconceito asqueroso do tal escriba. Este é um filme mal escrito, mal interpretado e com várias cenas chatas. Os americanos não entendem porque esta série faz tanto sucesso no mundo fora dos USA. Simples: ele mostra um mundo que para os USA é banal, mas que para o resto do mundo é fascinante. O mundo dos carros top, da ação top e das ruas top.
NO SILÊNCIO DA NOITE de Nicholas Ray com Humphrey Bogart e Gloria Grahame.
O que se pode falar de um filme que é perfeito...Bogey está em seu auge neste drama tristíssimo sobre um roteirista de cinema violento. Gloria é a mulher que poderia o salvar, mas ela não segura a barra. Ray dirige com amor e com tato, muito tato, e nós vemos as imagens como um tipo de sonho ruim. Este filme foi considerado banal em seu tempo, hoje é uma obra-prima. Penso que o tempo é o grande justiceiro da arte. Quem nunca o viu não faz ideia do que está a perder.
O CAMINHO DA TENTAÇÃO de Andre de Toth com Dick Powell, Lizabeth Scott e Raymond Burr.
Um cara comum, pai de família, tem um caso fora do casamento. Ele o termina, mas mesmo assim esse caso continua a o assombrar. É moralista, mas é bom. Tem suspense, Powell está ótimo e Scott não é uma femme fatale. A amante é a mais inocente na história. Belo filme.
ATÉ A VISTA, QUERIDA de Edward Dmytryck com Dick Powell e Claire Trevor.
Há quem o ache o melhor Raymond Chandler do cinema. Eu acho-o muito confuso. De qualquer modo tem a fotografia mais noir da história. E Powell faz o Marlowe que Chandler mais gostou. Reviravoltas a granel e muitas cenas de desmaio.
O INVENCÍVEL de Mark Robson com Kirk Douglas e Arthur Kennedy.
É o filme que influenciou Scorsese e seu Raging Bull. Kirk virou estrela aqui, fazendo um cara ambicioso que vira campeão de boxe. As cenas no ring são perfeitas, nervosas, ágeis. E o filme, como um todo é brilhante. Kirk Douglas cria sua persona neste filme e será para sempre este violento e passional barril de pólvora. Um clássico e um dos filme que fez do boxe o esporte do cinema.
CONSPIRAÇÃO de Anthony Mann com Dick Powell e Adolphe Menjou.
Uma obra-prima de um diretor maravilhoso. Anthony Mann ficou famoso pelos seus westerns, mas antes disso, ele fez este suspense à Hitchcock. O presidente Lincoln poderá ser morto antes de assumir a presidência. Dentro de um trem, um detetive tenta chegar a Baltimore antes que Lincoln seja morto lá. Mas ninguém crê nele, e todos tentam o capturar achando que ele é um bandido. O filme fala de racismo, de politica, de guerra e de intolerância ideológica. E é uma aula de direção de cenas. Powell dá seu melhor desempenho.
Parece mas não é uma comédia boba. O filme narra a odisseia de um dia de um pai procurando sua filha. Ele é um milionário cinquentão, seguro e objetivo, e para a encontrar conta com a ajuda do ex namorado da filha, um jovem inseguro, alternativo e sem rumo. Há aqui uma leve crítica aos atuais jovens da geração nascida em 1991-1997. O cara é um vegano alérgico militante solitário loser. Já o pai é o cara dos anos 80: seguro materialista forte bem sucedido. Dá pra assistir. Apesar de não fazer rir, não tem nenhuma cena constrangedora. O cinquentão lembra muito meus amigos dos anos 80.
LOGAN de James Mangold com Hugh Jackman e Patrick Stewart.
Este filme exibe a morte do cinema. Enquanto o tal "cinema" se ocupa de seus filmecos relevantes ( que nada mais são que vírus fatais para o cinema ), filmes maravilhosos como este são esnobados pelos "críticuzinhos". Logan é um grande filme visto sob qualquer ponto de vista. É grande como história, como interpretações, como diversão séria e como peça de arte. Será solenemente esquecido pelo oscarzinho. O tempo irá o preservar. É pra sempre.
VELOZES E FURIOSOS 8 de F.Gary Gray com Vin Diesel, Dwayne Johnson, Jason Statham e Charlize Theron.
O criticuzinho joga Logan no mesmo saco de lixo que este filme. O que mostra o preconceito asqueroso do tal escriba. Este é um filme mal escrito, mal interpretado e com várias cenas chatas. Os americanos não entendem porque esta série faz tanto sucesso no mundo fora dos USA. Simples: ele mostra um mundo que para os USA é banal, mas que para o resto do mundo é fascinante. O mundo dos carros top, da ação top e das ruas top.
NO SILÊNCIO DA NOITE de Nicholas Ray com Humphrey Bogart e Gloria Grahame.
O que se pode falar de um filme que é perfeito...Bogey está em seu auge neste drama tristíssimo sobre um roteirista de cinema violento. Gloria é a mulher que poderia o salvar, mas ela não segura a barra. Ray dirige com amor e com tato, muito tato, e nós vemos as imagens como um tipo de sonho ruim. Este filme foi considerado banal em seu tempo, hoje é uma obra-prima. Penso que o tempo é o grande justiceiro da arte. Quem nunca o viu não faz ideia do que está a perder.
O CAMINHO DA TENTAÇÃO de Andre de Toth com Dick Powell, Lizabeth Scott e Raymond Burr.
Um cara comum, pai de família, tem um caso fora do casamento. Ele o termina, mas mesmo assim esse caso continua a o assombrar. É moralista, mas é bom. Tem suspense, Powell está ótimo e Scott não é uma femme fatale. A amante é a mais inocente na história. Belo filme.
ATÉ A VISTA, QUERIDA de Edward Dmytryck com Dick Powell e Claire Trevor.
Há quem o ache o melhor Raymond Chandler do cinema. Eu acho-o muito confuso. De qualquer modo tem a fotografia mais noir da história. E Powell faz o Marlowe que Chandler mais gostou. Reviravoltas a granel e muitas cenas de desmaio.
O INVENCÍVEL de Mark Robson com Kirk Douglas e Arthur Kennedy.
É o filme que influenciou Scorsese e seu Raging Bull. Kirk virou estrela aqui, fazendo um cara ambicioso que vira campeão de boxe. As cenas no ring são perfeitas, nervosas, ágeis. E o filme, como um todo é brilhante. Kirk Douglas cria sua persona neste filme e será para sempre este violento e passional barril de pólvora. Um clássico e um dos filme que fez do boxe o esporte do cinema.
CONSPIRAÇÃO de Anthony Mann com Dick Powell e Adolphe Menjou.
Uma obra-prima de um diretor maravilhoso. Anthony Mann ficou famoso pelos seus westerns, mas antes disso, ele fez este suspense à Hitchcock. O presidente Lincoln poderá ser morto antes de assumir a presidência. Dentro de um trem, um detetive tenta chegar a Baltimore antes que Lincoln seja morto lá. Mas ninguém crê nele, e todos tentam o capturar achando que ele é um bandido. O filme fala de racismo, de politica, de guerra e de intolerância ideológica. E é uma aula de direção de cenas. Powell dá seu melhor desempenho.
LOGAN. UM FILME QUE DÓI.
Há um momento em Logan, filme de James Mangold, mesmo diretor da bio de Johnny Cash e da refilmagem de Yuma, em que o professor Xavier assiste Shane na TV. É uma longa sequência. Shane ( OS BRUTOS TAMBÉM AMAM ), fala de um homem da paz que é obrigado a usar a violência para salvar uma família. Logan é um reviver desse filme.
Wolverine é um semimorto. Ele bebe e se droga, cuida de Xavier, mas nega todo seu passado. Logan não aceita ser o que ele é. Uma menina entra em sua vida. Uma mutante de 12 anos de idade. E essa menina, que ele não aceita, é uma versão dele mesmo. Sua filha. Fogem todos, como em um bom western, pelo deserto dos USA. E o acerto final é belíssimo.
Logan não é um filme fácil. Ele é feio, ele é triste, ele não tem uma gota de humor. Mas, ao contrário de Batman, é um filme que não faz da doença um tipo de gancho. Logan é contra a doença, contra o individualismo, contra o mal. Batman se tornou no cinema uma besta. Um homem fraco dominado pelo mal. Logan reafirma o herói. O Herói possível para 2017. O herói que morre.
Hugh Jackman nasceu para fazer este filme. Sua atuação é magnífica. Não há outra palavra, magnífico. Ele recicla Gary Cooper, Clint Eastwood e Alan Ladd em seus grandes momentos. Ele é um cowboy perdido no planeta errado. Seu lugar não é aqui. E nem lá. Ele não tem lugar. Vendo o filme, que nada tem de western, lembrei de Rastros de Ódio. A relação da menina com o adulto, a busca por redenção, o herói que parece ruim e se revela bom.
O fim do filme é sublime. A cruz de Cristo vira o X dos X Men. Sim, o filme, na figura do professor Xavier, defende a família, a união, o costume que leva ao bem. Ele é profundamente conservador. E jamais piegas.
Passou da hora de se dar valor à James Mangold. E passou da hora de se considerar Hugh Jackman um grande ator.
Voce não vai achar filme melhor para ver.
Wolverine é um semimorto. Ele bebe e se droga, cuida de Xavier, mas nega todo seu passado. Logan não aceita ser o que ele é. Uma menina entra em sua vida. Uma mutante de 12 anos de idade. E essa menina, que ele não aceita, é uma versão dele mesmo. Sua filha. Fogem todos, como em um bom western, pelo deserto dos USA. E o acerto final é belíssimo.
Logan não é um filme fácil. Ele é feio, ele é triste, ele não tem uma gota de humor. Mas, ao contrário de Batman, é um filme que não faz da doença um tipo de gancho. Logan é contra a doença, contra o individualismo, contra o mal. Batman se tornou no cinema uma besta. Um homem fraco dominado pelo mal. Logan reafirma o herói. O Herói possível para 2017. O herói que morre.
Hugh Jackman nasceu para fazer este filme. Sua atuação é magnífica. Não há outra palavra, magnífico. Ele recicla Gary Cooper, Clint Eastwood e Alan Ladd em seus grandes momentos. Ele é um cowboy perdido no planeta errado. Seu lugar não é aqui. E nem lá. Ele não tem lugar. Vendo o filme, que nada tem de western, lembrei de Rastros de Ódio. A relação da menina com o adulto, a busca por redenção, o herói que parece ruim e se revela bom.
O fim do filme é sublime. A cruz de Cristo vira o X dos X Men. Sim, o filme, na figura do professor Xavier, defende a família, a união, o costume que leva ao bem. Ele é profundamente conservador. E jamais piegas.
Passou da hora de se dar valor à James Mangold. E passou da hora de se considerar Hugh Jackman um grande ator.
Voce não vai achar filme melhor para ver.
SUPER GALO, SUPER CHICKEN, SUPER SUPER.
Assistindo um box que tem George, O Rei da Floresta; Tom Sem Freio e O Super Galo ( Super Chicken ). Eu os assistia em 1977, na TV Tupi canal 4, as 15:30 hs. Nunca esqueci. Lembro que a primeira vez que os vi, achei a coisa mais doida do mundo. Eles eram maravilhosamente esculachados. Livres.
Retratos de uma época, foram feitos em 1967, época do Batman de Adam West, dos Monkees, do começo do Monty Python e dos Smothers Brothers. Nesse tempo as cores tinham de ser fortes, psicodélicas e a moda era ser engraçado. A palavra de ordem era relax. Não levar nada a sério, principalmente a seriedade. A grande doença da época era a esquizofrenia ( hoje é a depressão ).
As trilhas sonoras de abertura, dos três cartoons, são uma obra prima. George é uma cacofonia de tambores, Tom Slick um tipo de rock big band corrido e Super Chicken é uma melodia excêntrica de banda marcial com musiquinha de circo freak. Os roteiros são ainda melhores. Tudo é de um esculacho delicioso, tirando uma de todas as convenções banais. George é um idiota. Tom é um americano hiper campeão. E o Galo é um almofadinha que vira herói azarado. O bem sempre vence. Mas a vitória é ridícula.
A dublagem é outro ponto muito, muito alto. O narrador não crê nos heróis que deve exaltar, a voz do Super Galo é totalmente chicken e a coroa de Tom Slick é uma avó do yea yea yeah. A Odil Fono Brasil-Guanabara dá mais uma prova de quê a dublagem show foi aquela feita entre 64-69, as vozes que são tão queridas quanto as histórias que acompanham.
Nos meus reencontros com velhas séries e velhos desenhos, cerca de 90% são decepções. E sobre elas nada escrevo. Melhor esquecer. Mas estes 3 cartoons merecem sua eternalização em DVD. Blu Ray. Rede Mundial. Corações e mentes. A geração que os viu aprendeu a zombar de tudo. E desde então nunca mais deixamos de rir.
Retratos de uma época, foram feitos em 1967, época do Batman de Adam West, dos Monkees, do começo do Monty Python e dos Smothers Brothers. Nesse tempo as cores tinham de ser fortes, psicodélicas e a moda era ser engraçado. A palavra de ordem era relax. Não levar nada a sério, principalmente a seriedade. A grande doença da época era a esquizofrenia ( hoje é a depressão ).
As trilhas sonoras de abertura, dos três cartoons, são uma obra prima. George é uma cacofonia de tambores, Tom Slick um tipo de rock big band corrido e Super Chicken é uma melodia excêntrica de banda marcial com musiquinha de circo freak. Os roteiros são ainda melhores. Tudo é de um esculacho delicioso, tirando uma de todas as convenções banais. George é um idiota. Tom é um americano hiper campeão. E o Galo é um almofadinha que vira herói azarado. O bem sempre vence. Mas a vitória é ridícula.
A dublagem é outro ponto muito, muito alto. O narrador não crê nos heróis que deve exaltar, a voz do Super Galo é totalmente chicken e a coroa de Tom Slick é uma avó do yea yea yeah. A Odil Fono Brasil-Guanabara dá mais uma prova de quê a dublagem show foi aquela feita entre 64-69, as vozes que são tão queridas quanto as histórias que acompanham.
Nos meus reencontros com velhas séries e velhos desenhos, cerca de 90% são decepções. E sobre elas nada escrevo. Melhor esquecer. Mas estes 3 cartoons merecem sua eternalização em DVD. Blu Ray. Rede Mundial. Corações e mentes. A geração que os viu aprendeu a zombar de tudo. E desde então nunca mais deixamos de rir.
LIVROS AO LIXO.
A biblioteca da escola coloca livros no pátio para que os alunos os levem. Como eu já esperava, eles os pegam e rasgam, chutam, fazem guerra de livros voadores. Livros, para a maioria deles, são como celulares para babuínos.
Os livros, velhos, considerados inúteis, despertam minha pena. Eles são como amigos para mim, amigos sempre a postos, cães. Antes desse massacre eu salvei alguns. Um velho livro completamente desatualizado sobre linguística. MEMÓRIAS DE UM BURRO, de Herberto Sales, um delicioso livro sobre um burro mais inteligente que os homens burros. O livro ensina ética, bons sentimentos, moral, ou seja, tudo aquilo que não tem mais valor. Leio em duas gostosas horas e o trago para casa.
Trago também NO PAÍS DAS FORMIGAS, de Menotti del Pichia, um esquecido autor brasileiro. Esquecido porque, ao contrário de seus amigos Mario de Andrade e Oswald, ele disse ser católico e conservador. O livro fala de duas crianças que são enfeitiçadas e diminuem de tamanho. São salvos pelas formigas. Legal.
Encontro um modesto livro-homenagem. O filho dos Nogami escreveu um livro, COLETÂNEA, em que ele fala da sua família japonesa. De como vieram ao Brasil, da história de seu pai engenheiro. Não é um bom livro, mas é interessante. E doloroso.
Uma joia é por mim garimpada: CONVERSAÇÃO COMPARADA PORTUGUÊS DO BRASIL E INGLÊS. É um livro vermelho, capa dura e papel macio e brilhante. Quando o abro encontro um lindo selo grudado nele. Escrito em japonês, é o selo da casa imperial. Entendo então que o livro ensina japoneses imigrantes a se comunicar ao chegar no Brasil. Para isso ele usa os dois ideogramas japoneses, os traduz para o inglês e então para o português. Mas o melhor vem em seguida: a data de publicação é de outubro de 1944 ! Ou seja, aquele livro foi editado para japoneses que fugiam da guerra. Em dez meses as bombas cairiam em Hiroshima e Nagasaki.
Ele ensina coisas bem 1944, como ir ao chapeleiro, pedir tabaco, mandar fazer um sobretudo...me pego imaginando um Toshiro ou um Jun andando pela Liberdade, perdido, e mostrando o livro aberto, apontando com o dedo uma frase tipo: "Por favor, poderia me dizer onde fica um hotel..."
É um tesouro.
Os livros, velhos, considerados inúteis, despertam minha pena. Eles são como amigos para mim, amigos sempre a postos, cães. Antes desse massacre eu salvei alguns. Um velho livro completamente desatualizado sobre linguística. MEMÓRIAS DE UM BURRO, de Herberto Sales, um delicioso livro sobre um burro mais inteligente que os homens burros. O livro ensina ética, bons sentimentos, moral, ou seja, tudo aquilo que não tem mais valor. Leio em duas gostosas horas e o trago para casa.
Trago também NO PAÍS DAS FORMIGAS, de Menotti del Pichia, um esquecido autor brasileiro. Esquecido porque, ao contrário de seus amigos Mario de Andrade e Oswald, ele disse ser católico e conservador. O livro fala de duas crianças que são enfeitiçadas e diminuem de tamanho. São salvos pelas formigas. Legal.
Encontro um modesto livro-homenagem. O filho dos Nogami escreveu um livro, COLETÂNEA, em que ele fala da sua família japonesa. De como vieram ao Brasil, da história de seu pai engenheiro. Não é um bom livro, mas é interessante. E doloroso.
Uma joia é por mim garimpada: CONVERSAÇÃO COMPARADA PORTUGUÊS DO BRASIL E INGLÊS. É um livro vermelho, capa dura e papel macio e brilhante. Quando o abro encontro um lindo selo grudado nele. Escrito em japonês, é o selo da casa imperial. Entendo então que o livro ensina japoneses imigrantes a se comunicar ao chegar no Brasil. Para isso ele usa os dois ideogramas japoneses, os traduz para o inglês e então para o português. Mas o melhor vem em seguida: a data de publicação é de outubro de 1944 ! Ou seja, aquele livro foi editado para japoneses que fugiam da guerra. Em dez meses as bombas cairiam em Hiroshima e Nagasaki.
Ele ensina coisas bem 1944, como ir ao chapeleiro, pedir tabaco, mandar fazer um sobretudo...me pego imaginando um Toshiro ou um Jun andando pela Liberdade, perdido, e mostrando o livro aberto, apontando com o dedo uma frase tipo: "Por favor, poderia me dizer onde fica um hotel..."
É um tesouro.
O CINEMA MORREU BEM DEVAGAR.
Uma arte tem uma história. Toda arte fala com ela mesma, nega ou afirma aquilo que é. O cinema morreu. Morreu por volta de 2001. Morreu em longa e lenta agonia. A morte começou em 1995, ou antes, ou depois, não importa. Está morto. E o pior de tudo: ninguém tá nem aí. Ele nunca vai ressuscitar.
Existem filmes. E talvez sempre existam. Mas não cinema. Filmes é toda imagem em movimento. Quando voce grava sua filha voce faz um filme. Cinema é outra coisa.
Cinema tem de ser feito para uma tela grande. Para ser exibido em público, numa sala fechada. Cinema não tem pausas para propaganda. Ele é uma experiência grupal, ritual, rotina que se renova. Isso tudo morreu.
Morreu e digo que morreu, e não só eu diz isso, porque ninguém mais vai ao cinema. Milhões de adolescentes vão aos shoppings ver heróis de quadrinhos. Eles vão ver HQs animadas. Algumas muito boas. Muitas ruins. Mas elas representam a arte de Stan Lee, de Jack Kirby, de John Buscema. Não a arte do cinema.
O cinema morreu porque são os bilhões desses filmes que ainda sustentam os estúdios. E as salas abertas. Voce, eu e seu amigo não vamos mais ao cinema. E se vamos, é duas ou cinco vezes ao ano. Ou menos.
Em 1980 TODO MUNDO ia ao cinema. Ir ao cinema era hábito. Havia filme pro pedreiro, para o garoto, para o nerd e para os casais mais velhos. O pedreiro não vai mais ao cinema. Nunca. Não há mais filmes para ele e nem para minha mãe. Nem pra mim.
Há TV. Mas a TV é tão diferente do cinema como rock é diferente de jazz. TV não pede paciência. TV não tem planos abertos. TV pode se esticar por anos. TV pode errar hoje e acertar amanhã. TV é barato. Cinema é risco, é caro, não se pode errar. Cinema é uma chance e adeus. Cinema é fruição, apreciação, olhar que se abre. TV é prazer imediato. Tudo é agora e já. É pizza.
Sim, tem coisas geniais na TV. Mas é TV. Não é cinema. Tem gente que confunde ator com cinema. Ator faz teatro. Diretor faz cinema. Roteirista faz os dois.
O cinema morreu por culpa dele. Virou ópera. Virou música erudita. Jazz. Ballet. Uma arte que perdeu sua raiz porque parou de se olhar. Jogou sua história no lixo, desprezou sua raiz popular, virou coisa de banqueiro e de marqueteiro. E meia dúzia de caras faz filmes, coitados, pensando em arte viva. Sinto caras, é arte morta.
Existem filmes. E talvez sempre existam. Mas não cinema. Filmes é toda imagem em movimento. Quando voce grava sua filha voce faz um filme. Cinema é outra coisa.
Cinema tem de ser feito para uma tela grande. Para ser exibido em público, numa sala fechada. Cinema não tem pausas para propaganda. Ele é uma experiência grupal, ritual, rotina que se renova. Isso tudo morreu.
Morreu e digo que morreu, e não só eu diz isso, porque ninguém mais vai ao cinema. Milhões de adolescentes vão aos shoppings ver heróis de quadrinhos. Eles vão ver HQs animadas. Algumas muito boas. Muitas ruins. Mas elas representam a arte de Stan Lee, de Jack Kirby, de John Buscema. Não a arte do cinema.
O cinema morreu porque são os bilhões desses filmes que ainda sustentam os estúdios. E as salas abertas. Voce, eu e seu amigo não vamos mais ao cinema. E se vamos, é duas ou cinco vezes ao ano. Ou menos.
Em 1980 TODO MUNDO ia ao cinema. Ir ao cinema era hábito. Havia filme pro pedreiro, para o garoto, para o nerd e para os casais mais velhos. O pedreiro não vai mais ao cinema. Nunca. Não há mais filmes para ele e nem para minha mãe. Nem pra mim.
Há TV. Mas a TV é tão diferente do cinema como rock é diferente de jazz. TV não pede paciência. TV não tem planos abertos. TV pode se esticar por anos. TV pode errar hoje e acertar amanhã. TV é barato. Cinema é risco, é caro, não se pode errar. Cinema é uma chance e adeus. Cinema é fruição, apreciação, olhar que se abre. TV é prazer imediato. Tudo é agora e já. É pizza.
Sim, tem coisas geniais na TV. Mas é TV. Não é cinema. Tem gente que confunde ator com cinema. Ator faz teatro. Diretor faz cinema. Roteirista faz os dois.
O cinema morreu por culpa dele. Virou ópera. Virou música erudita. Jazz. Ballet. Uma arte que perdeu sua raiz porque parou de se olhar. Jogou sua história no lixo, desprezou sua raiz popular, virou coisa de banqueiro e de marqueteiro. E meia dúzia de caras faz filmes, coitados, pensando em arte viva. Sinto caras, é arte morta.
UM FILME PERFEITO- IN A LONELY PLACE.
Dixon Steele. Esse nome vai ficar na sua cabeça para sempre. Dix Steele é um roteirista em Hollywood. E é um homem violento. Faz tempo que ele não escreve um sucesso. Um produtor, num bar, pede que ele leia um livro e faça um roteiro a partir dele. Dix pede para que uma garota leia o livro e lhe conte a história. Essa moça vai à casa de Dix. E nessa mesma noite é encontrada morta.
Uma mulher diz que Dix passou toda aquela noite em casa. É sua vizinha. Mas mesmo com esse álibi, a polícia fica em cima dele. Então a vida sorri: a vizinha se apaixona por ele e ele por ela. Mas acontecem coisas que estragam o amor: Dix é violento, ciumento, impulsivo. Ela começa a pensar que ele pode ser o assassino...
O filme consegue fazer algo de muito raro: muda nosso foco. Antes o filme era Dix. Agora é dela, Laurel Gray. Tememos Dixon Steele ao lado dela. Ao final o assassino é pego. Mas o mal já foi feito. O amor foi quebrado. Dix e Laurel se perderam.
Uma frase famosa do filme: Nasci quando te conheci. Morri quando te perdi. Fui vivo enquanto te beijava. Bogart cruza o portão da casa e se vai sozinho. Ela diz: Adeus Dixon Steele...
Os filmes que fazem com que voce se apaixone pelo cinema não são os grandes filmes. São os filmes médios, comuns, que com o tempo se revelaram joias, lembranças, mementos da beleza que o cinema pode atingir. Este é um dos filmes, no lançamento considerado apenas mais um, que com o tempo se tornaram clássicos.
É um dos filmes favoritos de alguns amigos meus, e hoje o vejo pela segunda vez. Ele me toca. Tanto quanto na primeira vez.
Bogart nunca esteve mais real. É ele na tela. Seu desnudamento é completo. Gloria Grahame não fica atrás. Fascinante. O filme é de Nicholas Ray, o cara que descobriu James Dean. Tem de ser visto. É belo, é lindo, é inesquecível.
Uma mulher diz que Dix passou toda aquela noite em casa. É sua vizinha. Mas mesmo com esse álibi, a polícia fica em cima dele. Então a vida sorri: a vizinha se apaixona por ele e ele por ela. Mas acontecem coisas que estragam o amor: Dix é violento, ciumento, impulsivo. Ela começa a pensar que ele pode ser o assassino...
O filme consegue fazer algo de muito raro: muda nosso foco. Antes o filme era Dix. Agora é dela, Laurel Gray. Tememos Dixon Steele ao lado dela. Ao final o assassino é pego. Mas o mal já foi feito. O amor foi quebrado. Dix e Laurel se perderam.
Uma frase famosa do filme: Nasci quando te conheci. Morri quando te perdi. Fui vivo enquanto te beijava. Bogart cruza o portão da casa e se vai sozinho. Ela diz: Adeus Dixon Steele...
Os filmes que fazem com que voce se apaixone pelo cinema não são os grandes filmes. São os filmes médios, comuns, que com o tempo se revelaram joias, lembranças, mementos da beleza que o cinema pode atingir. Este é um dos filmes, no lançamento considerado apenas mais um, que com o tempo se tornaram clássicos.
É um dos filmes favoritos de alguns amigos meus, e hoje o vejo pela segunda vez. Ele me toca. Tanto quanto na primeira vez.
Bogart nunca esteve mais real. É ele na tela. Seu desnudamento é completo. Gloria Grahame não fica atrás. Fascinante. O filme é de Nicholas Ray, o cara que descobriu James Dean. Tem de ser visto. É belo, é lindo, é inesquecível.
O VENTO DA NOITE - EMILY BRONTE
Em 1944 a editora Civilização Brasileira lançou um luxuoso livro de poemas escritos pela autora de O Morro dos Ventos Uivantes. Traduzidos por Lucio Cardoso, o volume tinha ilustrações de Santa Rosa e vinha com autógrafos e numerado. Agora, em 2017, a editora relança o livro, mas, que pena, em edição comum, sem ilustrações. Mas permanece a tradução de Lucio, e ele sabe, conhece, entende o mundo de Bronte.
Isolada na região mais agreste de todas, apegada a suas irmãs e seu único irmão, que morreu jovem, Emily fala de morte, de lua, noite, vento e frio. Esses são seus assuntos, ela não inventa, fala daquilo que conhece. A morte é temida e homenageada ( Emily morreria aos 30 anos de tuberculose ). Seus poemas são musicais ( a edição é bilíngue ), lê-los em inglês é uma experiência musical. Lucio Cardoso, que foi um grande poeta, respeita o tema e o espírito, mas modifica a sintaxe. As rimas são abandonadas em prol do sentido. Os versos são esticados. Ler a versão em português e depois a inglesa é ler dois poemas irmãos, mas diferentes.
Leia de madrugada, a luz de velas, com frio.
Emily Bronte. A mais terrível das musas.
Isolada na região mais agreste de todas, apegada a suas irmãs e seu único irmão, que morreu jovem, Emily fala de morte, de lua, noite, vento e frio. Esses são seus assuntos, ela não inventa, fala daquilo que conhece. A morte é temida e homenageada ( Emily morreria aos 30 anos de tuberculose ). Seus poemas são musicais ( a edição é bilíngue ), lê-los em inglês é uma experiência musical. Lucio Cardoso, que foi um grande poeta, respeita o tema e o espírito, mas modifica a sintaxe. As rimas são abandonadas em prol do sentido. Os versos são esticados. Ler a versão em português e depois a inglesa é ler dois poemas irmãos, mas diferentes.
Leia de madrugada, a luz de velas, com frio.
Emily Bronte. A mais terrível das musas.
ATÉ OS DEUSES MORREM UMA VEZ.
Quando meu pai se foi, quase nove anos atrás, passei meses com uma sensação de "janela aberta". Foi como se toda as coisas adquirissem outra cor, como se meu coração estivesse exposto. Minha intuição ficou muito mais antenada, minhas emoções se suavizaram. Eu estava triste, mas era uma tristeza fértil. Um tipo de melancolia sensitiva.
Lembro que no dia seguinte ao enterro, não me pergunte por que, peguei um livro de Yeats é o reli pela quarta ou quinta vez. Imediatamente me senti dentro daquele universo. A morte ali fazia sentido. A vida se abria.
Escrevo isto porque dia 13 de junho, dia de Santo Antonio, foi aniversário do nascimento de William Butler Yeats. O descobri num artigo de jornal em 1988 e comprei meu primeiro livro escrito por ele em 1991. Ele é mais que meu poeta favorito. Ele foi o homem que me fez perder o medo daquilo que eu mais temia: o invisível. Yeats me fez aceitar os fantasmas, os encantos, o milagre, os maus olhados, as maldições. Minha aceitação da religião, pois eu a oprimira em mim desde os 10 anos, começa com as peças de Yeats. Ele foi um pagão, um celta, mas trouxe para mim a alegria do reencontro com meus mitos.
Nesse dia 13 morre Anita Pallemberg também. E de Anita posso dizer que ela foi minha mais durável musa. Ex-esposa de Keith Richards, ex-namorada de Brian Jones, atriz de Vadim e de Ferreri, Anita foi uma das mulheres mais perigosas do seu tempo. Ela era junk, era felina, era linda e era mais forte que o aço. Passei anos procurando a minha Anita e jamais a achei. ( Cheguei perto, mas ela não me quis ). Sua morte não me comove porque ela viveu bem, viveu muito e morreu velhinha. Todo mundo morre uma vez. Depois, nunca mais.
Fica a alegria por ter amado uma mulher que na verdade nunca conheci. E por ter conhecido um poeta irlandês que me conhece muito bem. A vida é muito maior que a morte.
Lembro que no dia seguinte ao enterro, não me pergunte por que, peguei um livro de Yeats é o reli pela quarta ou quinta vez. Imediatamente me senti dentro daquele universo. A morte ali fazia sentido. A vida se abria.
Escrevo isto porque dia 13 de junho, dia de Santo Antonio, foi aniversário do nascimento de William Butler Yeats. O descobri num artigo de jornal em 1988 e comprei meu primeiro livro escrito por ele em 1991. Ele é mais que meu poeta favorito. Ele foi o homem que me fez perder o medo daquilo que eu mais temia: o invisível. Yeats me fez aceitar os fantasmas, os encantos, o milagre, os maus olhados, as maldições. Minha aceitação da religião, pois eu a oprimira em mim desde os 10 anos, começa com as peças de Yeats. Ele foi um pagão, um celta, mas trouxe para mim a alegria do reencontro com meus mitos.
Nesse dia 13 morre Anita Pallemberg também. E de Anita posso dizer que ela foi minha mais durável musa. Ex-esposa de Keith Richards, ex-namorada de Brian Jones, atriz de Vadim e de Ferreri, Anita foi uma das mulheres mais perigosas do seu tempo. Ela era junk, era felina, era linda e era mais forte que o aço. Passei anos procurando a minha Anita e jamais a achei. ( Cheguei perto, mas ela não me quis ). Sua morte não me comove porque ela viveu bem, viveu muito e morreu velhinha. Todo mundo morre uma vez. Depois, nunca mais.
Fica a alegria por ter amado uma mulher que na verdade nunca conheci. E por ter conhecido um poeta irlandês que me conhece muito bem. A vida é muito maior que a morte.
TRAINSPOTTING 2 - ATTENBOROUGH - A INOCENTE FACE DO TERROR
TRAINSPOTTING T2 de Danny Boyle com Ewan McGregor, Robert Carlyle, Ewen Bremner, Jonny Lee Miller e Anjela Nedyalkova.
Todas as bossas de Danny Boyle estão presentes. E todas, absolutamente todas, têm sua razão de ser. O filme é melhor que o primeiro, feito 20 anos atrás ( e que é bom pacas! ). Este, bem mais adulto, mostra os caras em 2017. O grande objetivo deles acaba por ser montar uma sauna-bordel. Há muito humor, e muita verdade. Tudo no filme fala à minha geração. Duas cenas curtas atingem o nível da epifania: uma em que Mark vê o jovem Mark correndo em 1997 na mesma rua; e outra, ao final, em que se ouve o disco que Mark temia ouvir de novo um dia. Anjela Nedyalkova faz a jovem prostituta, quase rouba o filme, é bonita e parece real. Os atores dão o máximo. É um grande filme, provavelmente a melhor coisa que Boyle fez até agora.
UMA PONTE LONGE DEMAIS de Richard Attenborough com Sean Connery, Michael Caine, Robert Redford, James Caan, Liv Ullmann, Gene Hackman, Anthony Hopkins...
Até os anos 80, grande produção significava gastar muito dinheiro com pencas de atores famosos. Este é um dos mais chatos. A penca de atores é mal aproveitada. O filme fala de um momento chave na Segunda Guerra. Mas nada fica muito claro. Uma pena.
BANHO DE SANGUE de Mario Bava
Compro um box de horror. Este é de 1971, tem um monte de sangue e muita nudez. Joe Dante comenta o filme. Foi um hit nos grindhouse da América, aquele tipo de filme que passava em pulgueiro sujo. E é divertido! Pobre, hiper colorido e cheio de talento. Vale a pena ver.
A INOCENTE FACE DO TERROR de Robert Mulligan
Uma obra-prima. Mulligan foi o diretor do maravilhoso To Kill a Mockingbird, e também do histórico Summer of 42. Sabe dirigir crianças, portanto. Este sucesso, de 1973, um terror que perturba muito, conta a história, passada nos anos 30, de uma criança muito estranha. Uma criança que é dominada pelo mal. Assisti e senti raiva, medo, fiquei perturbado. É inesquecível.
OS MENINOS de Narciso Ibañez Serrador com Prunella Ramsone.
Um casal inglês vai passar as férias na Espanha. Numa ilha, encontram crianças nada inocentes...Muito bom e muito simples. Uma mistura de Tubarão com Inverno de Sangue em Veneza e Os Pássaros. Nada é explicado, temos apenas ação. Veja. Voce vai gostar.
MAGIA NEGRA de Richard Attenborough com Anthony Hopkins e Ann Margret.
Um mágico é dominado por seu boneco. Vi esse filme no cinema, em 1979. Revejo hoje e gosto ( eu o odiara então ). Talvez seja o filme mais barato de Attenborough. Simples, ele tem pouco horror, está mais centrado no suspense.
Todas as bossas de Danny Boyle estão presentes. E todas, absolutamente todas, têm sua razão de ser. O filme é melhor que o primeiro, feito 20 anos atrás ( e que é bom pacas! ). Este, bem mais adulto, mostra os caras em 2017. O grande objetivo deles acaba por ser montar uma sauna-bordel. Há muito humor, e muita verdade. Tudo no filme fala à minha geração. Duas cenas curtas atingem o nível da epifania: uma em que Mark vê o jovem Mark correndo em 1997 na mesma rua; e outra, ao final, em que se ouve o disco que Mark temia ouvir de novo um dia. Anjela Nedyalkova faz a jovem prostituta, quase rouba o filme, é bonita e parece real. Os atores dão o máximo. É um grande filme, provavelmente a melhor coisa que Boyle fez até agora.
UMA PONTE LONGE DEMAIS de Richard Attenborough com Sean Connery, Michael Caine, Robert Redford, James Caan, Liv Ullmann, Gene Hackman, Anthony Hopkins...
Até os anos 80, grande produção significava gastar muito dinheiro com pencas de atores famosos. Este é um dos mais chatos. A penca de atores é mal aproveitada. O filme fala de um momento chave na Segunda Guerra. Mas nada fica muito claro. Uma pena.
BANHO DE SANGUE de Mario Bava
Compro um box de horror. Este é de 1971, tem um monte de sangue e muita nudez. Joe Dante comenta o filme. Foi um hit nos grindhouse da América, aquele tipo de filme que passava em pulgueiro sujo. E é divertido! Pobre, hiper colorido e cheio de talento. Vale a pena ver.
A INOCENTE FACE DO TERROR de Robert Mulligan
Uma obra-prima. Mulligan foi o diretor do maravilhoso To Kill a Mockingbird, e também do histórico Summer of 42. Sabe dirigir crianças, portanto. Este sucesso, de 1973, um terror que perturba muito, conta a história, passada nos anos 30, de uma criança muito estranha. Uma criança que é dominada pelo mal. Assisti e senti raiva, medo, fiquei perturbado. É inesquecível.
OS MENINOS de Narciso Ibañez Serrador com Prunella Ramsone.
Um casal inglês vai passar as férias na Espanha. Numa ilha, encontram crianças nada inocentes...Muito bom e muito simples. Uma mistura de Tubarão com Inverno de Sangue em Veneza e Os Pássaros. Nada é explicado, temos apenas ação. Veja. Voce vai gostar.
MAGIA NEGRA de Richard Attenborough com Anthony Hopkins e Ann Margret.
Um mágico é dominado por seu boneco. Vi esse filme no cinema, em 1979. Revejo hoje e gosto ( eu o odiara então ). Talvez seja o filme mais barato de Attenborough. Simples, ele tem pouco horror, está mais centrado no suspense.
CRIANÇAS
Não confunda uma pessoa que mantém sua criança viva dentro de si, com uma pessoa infantil. Um adulto infantiloide foi uma criança pouco "criança". Foi uma criança sem a principal característica de uma criança, a curiosidade sem fim.
O adulto infantil é apenas um chorão. O adulto criança é um curioso. Ele jamais aceita um fim nas coisas. Para ele, tudo tem um depois e depois e mais um depois. Não há solução, dogma ou lei que o satisfaça. Ele pergunta mais e mais e mais.
Esta foi uma das mais brilhantes aulas que tive. Ela envolveu neurologia, linguística e filosofia. E o assunto era A Criança.
A criança olha, cheira, ouve e procura. Cada nova planta, bicho, manhã, noite, pessoa, é digna de um interesse profundo, curioso, investigativo, perscrutador. Ela quer entender, entrar, tocar, pegar, comer. Tudo. O cérebro é conectado com todo o FORA. Ele é ainda um vazio que não tem fim e por isso, sente fome.
A educação, por mais que tente não fazer isso, MATA essa curiosidade. Ela cansa e dá a todo questionamento uma resposta pronta, fechada, definitiva, final. O vazio se enche daquilo que já vem mastigado, dividido, catalogado, pesado e curtido. A curiosidade se vai.
O CÉREBRO ADORMECE. ( Que bela imagem essa! Um cérebro que dorme ).
Ergo a mão ao fundo da sala e digo: " Então o gênio é aquele que continua criança! Pois Goethe, Mozart, Michelangelo jamais adormeceram!"
A mestra diz que é exatamente isso! O gênio é uma criança que nunca se fecha. Por isso eles são vistos, na vida pessoal, como inconsequentes, tolos, perdidos ou bobalhões. Deixam o bom tom, o que é esperado pelos adultos de lado, e continuam querendo ver, cheirar, pegar e ir lá fora. Continuam principalmente dizendo: "Eu não sei", "Porquê sim" e "Não tem motivo". Portanto, nunca confunda um adulto-criança com um maluco doidão ou um intelectual revoltado. Esses falam por e com afirmações. O adulto-criança faz perguntas. E se cala.
O normal na humanidade deveria ser o que vemos como raro. Todos poderiam ser Mozart. Mas, para poder viver em grupo, todos por um e um por todos ( toda criança é egoísta ), transformamos essas crianças em adultos. Gente previsível, prática e pouco curiosa. E os talentos se tornam, digamos assim, apenas "inteligentes", ou seja, funcionais e razoavelmente criativos. Integrados mesmo em sua loucura tratável.
Por isso, como educador, devemos tentar salvar pelo menos uma migalha dessa curiosidade. Não a sufocando completamente com verdades absolutas, fórmulas incontestáveis e planos fechados.
O adulto infantil é apenas um chorão. O adulto criança é um curioso. Ele jamais aceita um fim nas coisas. Para ele, tudo tem um depois e depois e mais um depois. Não há solução, dogma ou lei que o satisfaça. Ele pergunta mais e mais e mais.
Esta foi uma das mais brilhantes aulas que tive. Ela envolveu neurologia, linguística e filosofia. E o assunto era A Criança.
A criança olha, cheira, ouve e procura. Cada nova planta, bicho, manhã, noite, pessoa, é digna de um interesse profundo, curioso, investigativo, perscrutador. Ela quer entender, entrar, tocar, pegar, comer. Tudo. O cérebro é conectado com todo o FORA. Ele é ainda um vazio que não tem fim e por isso, sente fome.
A educação, por mais que tente não fazer isso, MATA essa curiosidade. Ela cansa e dá a todo questionamento uma resposta pronta, fechada, definitiva, final. O vazio se enche daquilo que já vem mastigado, dividido, catalogado, pesado e curtido. A curiosidade se vai.
O CÉREBRO ADORMECE. ( Que bela imagem essa! Um cérebro que dorme ).
Ergo a mão ao fundo da sala e digo: " Então o gênio é aquele que continua criança! Pois Goethe, Mozart, Michelangelo jamais adormeceram!"
A mestra diz que é exatamente isso! O gênio é uma criança que nunca se fecha. Por isso eles são vistos, na vida pessoal, como inconsequentes, tolos, perdidos ou bobalhões. Deixam o bom tom, o que é esperado pelos adultos de lado, e continuam querendo ver, cheirar, pegar e ir lá fora. Continuam principalmente dizendo: "Eu não sei", "Porquê sim" e "Não tem motivo". Portanto, nunca confunda um adulto-criança com um maluco doidão ou um intelectual revoltado. Esses falam por e com afirmações. O adulto-criança faz perguntas. E se cala.
O normal na humanidade deveria ser o que vemos como raro. Todos poderiam ser Mozart. Mas, para poder viver em grupo, todos por um e um por todos ( toda criança é egoísta ), transformamos essas crianças em adultos. Gente previsível, prática e pouco curiosa. E os talentos se tornam, digamos assim, apenas "inteligentes", ou seja, funcionais e razoavelmente criativos. Integrados mesmo em sua loucura tratável.
Por isso, como educador, devemos tentar salvar pelo menos uma migalha dessa curiosidade. Não a sufocando completamente com verdades absolutas, fórmulas incontestáveis e planos fechados.
RUMO AO FAROL - VIRGINIA WOOLF, A ESCRITA DENTRO DOS MUROS.
É um prazer conviver com as personagens dos livros de Woolf. Por ter feito parte do grupo de Bloonsbury, ela escreve sobre escritores, filósofos, pintores, intelectuais. E por serem ingleses de alta classe média, são todos contidos, refinados, sutis, incrivelmente reprimidos. E loucos, bastante loucos. Uma loucura que sempre ameaça explodir, mas não, ela se apaga, volta a espreitar, dança entre as peças de decoração. Virginia viveu entre Keynes, Russell, Vita Sackville West, Huxley, Leonard e tantos mais. O povo de Eton.
Este livro, mágico e incrivelmente influente, a gente sente ecos dele em centenas de bons e ótimos e péssimos livros, narra quase nada. São basicamente dois dias. Um, antes da guerra, em que um grupo de pessoas passa um dia na casa de um casal. Esse casal, rico e meio decadente, tem 6 filhos, a esposa ainda é bela e fascinante e o pai é um filósofo vaidoso, inseguro e autoritário. Na casa vemos uma moça solteirona que pinta, um poeta auto-suficiente, um novo escritor pobre, os filhos do casal, empregados...Eles almoçam, vão à praia e pensam em velejar até o farol. Não irão por causa do mal tempo.
Depois da guerra acontece a viagem ao farol enquanto a pintora pinta na praia e o poeta dorme na areia. E, em termos de ação, isso é tudo. Mas quanta coisa acontece! Woolf consegue escrever cenas completas sem a presença de um só ser humano e nos fazer sentir, sem jamais parecer exaltada, a presença do inefável. As frases parecem confusas, repetitivas, rodopiam dentro dos pensamentos de cada um dos seres que lá vivem. Ela luta arduamente para escrever aquilo que as palavras não conseguem dizer. E perde. Como acontece com tanto grande autor, Woolf perde a luta contra as palavras. Ela não consegue chegar onde queria ir. Assim como não se pode ir ao farol.
O farol é um símbolo. E por ser um símbolo não se pode traduzir o que ele seja. Levei anos para entender isso. Se voce ler meus posts antigos irá perceber que me exibo. Traduzo símbolos para a linguagem comum. Quanta asneira! Uma símbolo tem seu significado em si-mesmo. É intraduzível.
O farol é o farol e sendo isso ele é muita coisa.
Assim como este livro é uma coleção de cenas estáticas com movimento interno. Mais que isso, é um livro.
Não é fácil ler Woolf. Ela exige amor e atenção. E vivência. Voce deve ter amor às palavras, atenção ao detalhe e vivência para entender do que se fala sem se dizer.
É uma autora digna de paixão.
Este livro, mágico e incrivelmente influente, a gente sente ecos dele em centenas de bons e ótimos e péssimos livros, narra quase nada. São basicamente dois dias. Um, antes da guerra, em que um grupo de pessoas passa um dia na casa de um casal. Esse casal, rico e meio decadente, tem 6 filhos, a esposa ainda é bela e fascinante e o pai é um filósofo vaidoso, inseguro e autoritário. Na casa vemos uma moça solteirona que pinta, um poeta auto-suficiente, um novo escritor pobre, os filhos do casal, empregados...Eles almoçam, vão à praia e pensam em velejar até o farol. Não irão por causa do mal tempo.
Depois da guerra acontece a viagem ao farol enquanto a pintora pinta na praia e o poeta dorme na areia. E, em termos de ação, isso é tudo. Mas quanta coisa acontece! Woolf consegue escrever cenas completas sem a presença de um só ser humano e nos fazer sentir, sem jamais parecer exaltada, a presença do inefável. As frases parecem confusas, repetitivas, rodopiam dentro dos pensamentos de cada um dos seres que lá vivem. Ela luta arduamente para escrever aquilo que as palavras não conseguem dizer. E perde. Como acontece com tanto grande autor, Woolf perde a luta contra as palavras. Ela não consegue chegar onde queria ir. Assim como não se pode ir ao farol.
O farol é um símbolo. E por ser um símbolo não se pode traduzir o que ele seja. Levei anos para entender isso. Se voce ler meus posts antigos irá perceber que me exibo. Traduzo símbolos para a linguagem comum. Quanta asneira! Uma símbolo tem seu significado em si-mesmo. É intraduzível.
O farol é o farol e sendo isso ele é muita coisa.
Assim como este livro é uma coleção de cenas estáticas com movimento interno. Mais que isso, é um livro.
Não é fácil ler Woolf. Ela exige amor e atenção. E vivência. Voce deve ter amor às palavras, atenção ao detalhe e vivência para entender do que se fala sem se dizer.
É uma autora digna de paixão.
TE PEGO LÁ FORA de Phil Joanou
Revejo este clássico dos anos 80. Incrível ! Eu vivi essa época....os anos 80 me parecem muito mais remotos que os anos 70. Que é aquilo! As pessoas parecem inocentes, de plástico, diferentes de tudo que houve antes e que haveria depois...mas o filme é ok. Todo mundo conhece: um garoto é desafiado por um novo aluno valentão e grandão. A gente não ri. Mas também não se entedia.
O LIVRO DO AMOR de Bill Purple com Jason Sudekis, Maisie Willians e Orlando Jones.
A esposa doidinha de um cara certinho morre num acidente de carro. Ele entra em colapso e conhece uma menina que recolhe lixo na rua. Ele a ajuda a fazer uma jangada. Querem ser Thor Heyedall...O filme tem todos os clichés dos anos 2010. É fofo, tristinho, fake pacas. Todos são bacaninhas e frágeis. Mas o final é bonito, meio surpreendente, e os dois atores, feinhos, são legaizinhos.
QUATRO VIDAS DE UM CACHORRO de Lasse Hallstrom
Boa produção num filme que usa todas as armas para te fazer chorar. Demora um pouco, mas o choro vem. Um cão reencarna quatro vezes e na última volta a seu antigo dono. Lasse começou na Suécia e estourou em 1987 com Minha Vida de Cachorro. Depois de vários sucessos, e até uma indicação para o Oscar em 2000, ele anda fazendo filmes sobre cães. Uma lógica canina. Este, apesar de tão bobo, é legal. Poxa! Como falar mal de um filme que te emociona!
A VIGILANTE DO AMANHÃ de Rupert Sanders com Scarlet Johansson
O famoso Ghost in The Shell vira este lixo sem nenhuma emoção e chato de doer. O famoso corpo de Scarlet é apenas um efeito digital, nem isso agrada. E toda a filosofia, corpo mecânico com cérebro humano, vira apenas uma aventura HQ de segunda. Um produto que mostra a que ponto baixo chegamos. Há uma corrente enorme da crítica americana que diz que o cinema acabou. São filmes como este que endossam essa tese.
Revejo este clássico dos anos 80. Incrível ! Eu vivi essa época....os anos 80 me parecem muito mais remotos que os anos 70. Que é aquilo! As pessoas parecem inocentes, de plástico, diferentes de tudo que houve antes e que haveria depois...mas o filme é ok. Todo mundo conhece: um garoto é desafiado por um novo aluno valentão e grandão. A gente não ri. Mas também não se entedia.
O LIVRO DO AMOR de Bill Purple com Jason Sudekis, Maisie Willians e Orlando Jones.
A esposa doidinha de um cara certinho morre num acidente de carro. Ele entra em colapso e conhece uma menina que recolhe lixo na rua. Ele a ajuda a fazer uma jangada. Querem ser Thor Heyedall...O filme tem todos os clichés dos anos 2010. É fofo, tristinho, fake pacas. Todos são bacaninhas e frágeis. Mas o final é bonito, meio surpreendente, e os dois atores, feinhos, são legaizinhos.
QUATRO VIDAS DE UM CACHORRO de Lasse Hallstrom
Boa produção num filme que usa todas as armas para te fazer chorar. Demora um pouco, mas o choro vem. Um cão reencarna quatro vezes e na última volta a seu antigo dono. Lasse começou na Suécia e estourou em 1987 com Minha Vida de Cachorro. Depois de vários sucessos, e até uma indicação para o Oscar em 2000, ele anda fazendo filmes sobre cães. Uma lógica canina. Este, apesar de tão bobo, é legal. Poxa! Como falar mal de um filme que te emociona!
A VIGILANTE DO AMANHÃ de Rupert Sanders com Scarlet Johansson
O famoso Ghost in The Shell vira este lixo sem nenhuma emoção e chato de doer. O famoso corpo de Scarlet é apenas um efeito digital, nem isso agrada. E toda a filosofia, corpo mecânico com cérebro humano, vira apenas uma aventura HQ de segunda. Um produto que mostra a que ponto baixo chegamos. Há uma corrente enorme da crítica americana que diz que o cinema acabou. São filmes como este que endossam essa tese.
QUEM É JACKSON BROWNE
Jackson Browne foi uma dos criadores do rock made in California. As pessoas esquecem, mas até os anos 70 não existia rock californiano. Havia o rock lisérgico de San Fran, mas era o som de uma cidade, de uma comunidade pequena. O rock do estado dourado nasceu em 1970.
Bandas como Poco, CSN, e até os Flying Burrito Brothers deram o DNA do estilo: violão, vocal macio, letras sobre drogas recreativas, amores passageiros, boa vida com pitadas de amargor. Tudo muito bem produzido, muito bem mixado, excelentes capas e ótima estratégia de lançamento. Nos shows, palmeiras no palco, gente bronzeada na plateia, um clima de paz e amor com ginástica, surf e maconha. Os ingleses do Fleetwood Mac se mudaram pra lá, contrataram uma cantora típica do lugar ( Stevie Nicks ) e um guitarrista-vocalista ´fã de Buddy Holly ( Lindsey Buckingham ) e ficaram milionários ao gravar dentro do estilo.
Mas antes de tudo isso, em 1967, havia um garoto de 16 anos que compunha baladas soft para Nico, a cantora do Velvet. E que depois seria gravado pela turma de NY. Então, em 1970 ele funda os Eagles com Glen Frey. E os Eagles são o pior e o melhor do rock da Califórnia. Mas Jackson fica só dois anos na banda. Volta a ser solo e constrói durante todos os anos 70 uma carreira sólida, com fama, respeito e estilo. Nos anos 80 ele vai mais devagar. Vira o marido de Daryl Hannah.
Em 1978 eu comprei Running on Empty, um dos melhores discos do ano, segundo a Rolling Stone. A revista adorava o rock de Jackson. Ignorava muita coisa ótima. ( A revista só dava valor ao que era adulto...pobres e injustiçados Status Quo, T Rex e Black Sabbath ).
Eu odiei o disco. Comprei porque era já naquela época, um pretensioso. Me divertiria muito mais ouvindo Kiss ou Alice Cooper. Mas eu queria seguir a crítica. Me achava inteligente. ....Bom....na verdade adorei umas 3 músicas: Cocaine ( que não é a do JJ Cale ), Stay e esta Nothing But Time, que é deliciosa. O disco foi gravado em condições que nunca mais vi: como era sobre "a estrada", foi gravado em quartos de hotéis, saguões de aeroportos e até dentro de bus em movimento. No disco, Nothing But Time é gravado em bus na estrada. Dá pra se ouvir o motor, a mudança de marchas e o vento na janela. É fantástico. Não são coisas gratuitas, elas funcionam.
É o grande disco do estilo. Claro que ao lado de Rumours, do Fleetwood Mac. E de Simple Dreams de Linda Ronstadt.
Dá pra dizer que os punks americanos odiavam tanto este estilo como os ingleses odiavam o rock progressivo.
Escuta lá.
Bandas como Poco, CSN, e até os Flying Burrito Brothers deram o DNA do estilo: violão, vocal macio, letras sobre drogas recreativas, amores passageiros, boa vida com pitadas de amargor. Tudo muito bem produzido, muito bem mixado, excelentes capas e ótima estratégia de lançamento. Nos shows, palmeiras no palco, gente bronzeada na plateia, um clima de paz e amor com ginástica, surf e maconha. Os ingleses do Fleetwood Mac se mudaram pra lá, contrataram uma cantora típica do lugar ( Stevie Nicks ) e um guitarrista-vocalista ´fã de Buddy Holly ( Lindsey Buckingham ) e ficaram milionários ao gravar dentro do estilo.
Mas antes de tudo isso, em 1967, havia um garoto de 16 anos que compunha baladas soft para Nico, a cantora do Velvet. E que depois seria gravado pela turma de NY. Então, em 1970 ele funda os Eagles com Glen Frey. E os Eagles são o pior e o melhor do rock da Califórnia. Mas Jackson fica só dois anos na banda. Volta a ser solo e constrói durante todos os anos 70 uma carreira sólida, com fama, respeito e estilo. Nos anos 80 ele vai mais devagar. Vira o marido de Daryl Hannah.
Em 1978 eu comprei Running on Empty, um dos melhores discos do ano, segundo a Rolling Stone. A revista adorava o rock de Jackson. Ignorava muita coisa ótima. ( A revista só dava valor ao que era adulto...pobres e injustiçados Status Quo, T Rex e Black Sabbath ).
Eu odiei o disco. Comprei porque era já naquela época, um pretensioso. Me divertiria muito mais ouvindo Kiss ou Alice Cooper. Mas eu queria seguir a crítica. Me achava inteligente. ....Bom....na verdade adorei umas 3 músicas: Cocaine ( que não é a do JJ Cale ), Stay e esta Nothing But Time, que é deliciosa. O disco foi gravado em condições que nunca mais vi: como era sobre "a estrada", foi gravado em quartos de hotéis, saguões de aeroportos e até dentro de bus em movimento. No disco, Nothing But Time é gravado em bus na estrada. Dá pra se ouvir o motor, a mudança de marchas e o vento na janela. É fantástico. Não são coisas gratuitas, elas funcionam.
É o grande disco do estilo. Claro que ao lado de Rumours, do Fleetwood Mac. E de Simple Dreams de Linda Ronstadt.
Dá pra dizer que os punks americanos odiavam tanto este estilo como os ingleses odiavam o rock progressivo.
Escuta lá.
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