ROBIN HOOD de Ridley Scott com Russel Crowe, Cate Blanchett e Max Von Sydow
Quanto deve ter sido estranho para Max estar aqui. Em 1956 ele visitava a idade média em O Sétimo Selo, e agora é a única figura real neste tolo e muito chato pastiche. Cate está terrivelmente chata e Crowe, ator excelente, não tem um personagem definido para atuar. O filme, longo demais, não emociona, não interessa, é um nada. Nota 2. Pelos cenários.
HOMEM DE FERRO 2 de Jon Favreau com Robert Downey, Gwyneth Paltrow, Mickey Rourke, Scarlett Johansson
Após me acostumar com a arte refinada das cenas de ação dos filmes orientais, fica dificil aturar cenas de ação tão óbvias. Todas as lutas deste filme são cliché. Lá vai o bonequinho ( desculpem, mas é um desenhinho bem chinfrim ) voando, tiros e explosões, ele quase sifu, ele reage, explosão, ele sai voando.... caraca!!! Quem ainda aguenta esses filmes de hq???? Downey mostra porque nunca se tornou um ator classe A : aqui aparece sua enorme antipatia. Seria lindo ver Mickey dar uma surra nele ! Falha do filme : Mickey é muito mais interessante. Não dá pra torcer pelo mala do Stark. O filme é chato pra cacete !!!! Nota 2 pelo Ac/Dc na trilha.
UM ANO DE CÃO de Daniel Von Akon com Jeff Bridges
Um escritor em crise se isola da familia com seu cão-problema. Para quem ama cães é um prato fino. Jeff faz o personagem com muita preguiça e mal-humor. Gran Torino versão canina. A Rolling Stone reconheceu que Jeff em O Grande Lebowski tem uma das maiores atuações da história. Demorou ! Jeff Bridges é o cara ! Nota 5.
ONDINE de Neil Jordan com Colin Farrel e Aljcia Bacheda
Atenção: Colin sabe ser ator. Mas só quando o filme fala de sua terra, Irlanda. Aqui ele é um pescador que ao encontrar moça em rede quer crer ser ela uma sereia. A moça, Aljcia, é lindissima, mas muito má atriz. É uma delicia o sotaque da ilha, mas o filme não tem nada dentro de si. Quando vem a verdade ele desaba de vez. Pobre de idéias, pobre de coragem. Neil Jordan fez este filme para que? Nota 4.
THE RUNAWAYS de Flora Sigismondi com Kristen Stewart, Dakotta Fanning e Michael Shannon
Para quem gosta de rock é obrigatório. Nada alegre, nada levinho. Um drama sério e muito bem interpretado ( mesmo pela crepuscular Kristen ). A música das Runaways era de uma pobreza óbvia, mas o filme é tão bom que faz com que elas pareçam melhor ( ou será porque hoje o som delas é cult ? ). Meninos creiam, o mundo em 1976 era daquele jeito, e era muuuito divertido ! Depois vem o bode das drogas, mas o filme consegue não ser moralista demais. Nota 7.
RISCO DUPLO de Bruce Beresford com Ashley Judd e Tommy Lee Jones
Em época de Angelina, Nicole, Scarlett e Charlize, ninguém é mais bonita que Ashley. Certos closes chegam a fazer doer de tão bonita. E melhor, ela parece de verdade, real. É uma mulher. Bem... misture isso com a presença carismática de Lee Jones e temos um belo passatempo. É verdade: o filme é uma delicia tola ! O enredo, que tenta ser Hitchcock, é cheio de furos, mas Beresford é bom diretor, sabe levar a coisa no ritmo certo. E tem New Orleans, muito bem fotografada. Profissionalismo pop, e saiba, isso é muito raro. Nota 7.
AMORES PERROS de Alejandro Iñarritu
Uma poderosa obra-prima. De um niilismo cruel, ele jamais apela para o melodramático. A primeira parte é suja, dura, dificil de assistir. É a parte "classe baixa" com seus bebês jogados ao léu, sua violência latente, a ausência de pais e de paz. Na segunda parte vem a asfixia classe-média. A tentativa de ter amor, a falência desse amor, o desespero e o vazio absoluto. A última parte é um quase western e é nela que finalmente surge o herói. Que é um assassino. Um filme que permanecerá cravado na história do cinema. Nota DEZ !!!!!!!!!!!
LONGE DELA de Sarah Polley com Julie Christie e Gordon Pinsent
Nesta história de mulher com alzheimer que passa a não conhecer mais o próprio marido, vemos uma das situações mais tristes imagináveis. O marido, profundamente apaixonado por ela, é obrigado a testemunhar a transformação de seu amor em coisa desconhecida. Ele é agora um novo amigo. A dor no rosto desse admirável Gordon Pinsent é jóia inesquecível. Ele sofre calado, e é constante. Julie venceu dúzias de prêmios, perdeu apenas o Oscar para Piaf e Cotillard. Ainda bela, ela consegue mostrar essa transformação sem jamais sair do tom. Polley é uma das melhores direções do cinema atual. Não canso de dizer : enquanto voces prestam atenção apenas em Fincher, Nolan, Van Sant e Croenemberg, há uma dúzia de bons diretores sendo ignorados. O futuro irá os redimir ( como sempre faz ). Nota 8.
JUMPER de Doug Liman
E o roteirista de Clube da Luta ( Jim Ulhs ) nos dá esta insuportável mixórdia. É um dos piores filmes da década. Nota Zero.
US MARSHALS de Stuart Baird com Tommy Lee Jones, Wesley Snipes, Robert Downey Jr
Não é grande coisa. Os atores estão excelentes ( e esqueci de escrever que ainda tem Irene Jacob, linda de doer demais ), mas o roteiro só esquenta na meia hora final ( que é bem legal ). É fácil adivinhar quem é o bandidão e isso estraga tudo pois Lee Jones fica parecendo tapado por não perceber. Nota 4.
A CÂMARA 36 DE SHAOLIN de Lau Kar Leung com Gordon Liu, Wong You, Loh Lieh
Um grande clássico do cinema de aventura chinês. É o filme que transformou Liu em mito ( o Cahiers du Cinéma o considera o maior ator de kung fu da história ). Ver Gordon lutar é testemunhar uma arte milenar em seu estado mais puro. Coloca Jet Li e Bruce Lee pra correr. O filme, imenso sucesso, conta a saga real do primeiro homem a tirar o kung fu do meio budista e levá-lo para os leigos. Com isso esse herói ( San Ta ) tentava livrar a China do dominio de Cantão. A forma como os chineses vêem o cinema é diferente da ocidental: para eles a arte está na ação, todo o resto é secundário. Gordon Liu foi homenageado por Tarantino em Kill Bill. É ele o mestre que ensina Uma Thurman. Eu me apaixonei pelo filme. Ele faz com que nos tornemos muito mais exigentes. Bonequinhos virtuais voando perdem toda a graça então. Nota DEZ.
CREPÚSCULO de Catherine Hardwicke com Kristen Stewart e um menino
Creiam, eu devo já ter visto uns 5000 filmes. E já vi muito lixo. De Mazzaropis a gozações de terror, de westerns italianos a ficções pobres, já vi muito filme brega. E de alguns eu gostei. Muito. Mas jamais vi nada tão ruim. Deve ser uma gozação, não é possivel ter sido feito a sério. Os atores fazem caretas o tempo todo. Ela parece estar com dor de barriga e ele tem expressão de quem perdeu sua caixa de maquiagem no metrô. Eles não param de mexer a sobrancelha, fazer bico, balançar a cabeça... o que é isso ? Amor ? Não me faça rir !!! Nada há de vampiresco aqui ( perto disto os filmes de Christopher Lee parecem eróticos ), nada há de emocionante. Provávelmente é a pior coisa que já assisti ( mas toda semana descubro algo pior ainda ). O que me faz não entender nada é : Isto foi mesmo um sucesso ? Década miserável.... Sem Nota.
CELTAS X ROMANOS, UM NÓ GÓRDIO, ARMAND HOOG
Na introdução a edição de PERCEVAL que tenho, há um texto muito bom de Armand Hoog que me fez pensar muito. Vamos ao que ele diz ....
Que poetas e historiadores romanos, falemos a verdade, não emocionam ninguém. Seja epopéia, seja mitologia, tudo o que Roma nos deixou é feito de blá blá blá sem fim. Uma verborragia bela e vazia, fria e indiferente ao que sentimos.
Os contos, poemas e lendas que nos emocionam nascem na idade média em meio aos ditos bárbaros. São eles que nos deixam o que entendemos por "arte que emociona". Mas essa criação ( que tem no ciclo arturiano, nas canções de Rolando, em Tristão e Isolda e Perceval, seu nascimento ) não é pura. Assim como o dia 25 de dezembro é uma união de cristianismo adaptado a comemorações celtas, a arte poética que vem até nós dos tempos medievais, é uma mistura muito natural de mitos bárbaros tingidos com cores cristãs.
E isso se dá de forma natural e lógica. Roma odiava toda religião bárbara. E para os romanos, cristianismo era tão bárbaro ( e incompreensível ) quanto cerimônias vikings. Roma adapta o cristianismo a sua politica quando vê nele a nova força que poderá unir seu império, mas jamais entendeu o que ele fosse. Criaram a politica católica, mas nunca entenderam o que seja religião.
Há uma pobreza espiritual constrangedora no mundo romano. Seus deuses nada possuem de grandioso, nada exigem de transformador. O mundo de Roma é todo voltado para o exterior, para a vida a serviço do estado, da politica e da guerra. Nesse tipo de sociedade, onde tudo o que tem valor passa pelos olhos do outro, a vida interior é muito pobre, a alma confunde-se com a carne e portanto a arte aí produzida é fria, distante, nada visceral. Técnica apurada, e um blá blá blá sem fim.
Enquanto isso os bárbaros produzem uma arte muito mais tosca, sem grande técnica e sem muita elaboração. Mas tudo é pura emoção, abundam acontecimentos, a ação nunca cessa e o mistério, a noite, a fantasia estão sempre presentes. É arte vital.
Até os dias de hoje nós vivemos dentro desse conflito. A ordem romana contra a ebulição celta. Certos períodos de nossa história pendem para nosso lado racional, ambicioso, amante de jogos verbais, o lado romano. Outro momentos vêm o renascimento da luz celta, da arte do sonho, da individuação, do delirio, do frenesi.
Tudo no mundo romano é imperial. Estradas, cidades, exércitos e leis. Roma pensa sempre em expansão, em comunicação, em integrar. O pensamento bárbaro pensa em fortalecer o clã. E cada clã é isolado, fundado por laços de sangue. Roma institui o discurso, o senado, o jogo de poder. O chefe celta é sempre o patriarca, o depositário da história do clã.
Roma luta com legionários. E os legionários são disciplinados. São peça de um todo e nesse imenso organismo ele é anônimo. O exército celta é anarquista. Cada um tenta ser maior que o todo. Todo guerreiro tem seu uniforme particular, sua bandeira, sua honra. ( E escrevendo isto não há como não pensar em porque a Inglaterra venceu França e Espanha em guerras decisivas. A Inglaterra sempre foi a herdeira de Roma, assim como os EUA são hoje. Enquanto os fidalgos espanhóis pensavam em se exibir na batalha e os sires franceses não admitiam obedecer um lider, os soldados ingleses lutavam como operários da guerra, legionários bem treinados e anônimos ).
No vazio espiritual de Roma ( acredite, Roma criou o ateísmo ) se institui o circo. O vazio espiritual é preenchido pela hiper-valorização do corpo. Emoções para os olhos, para os ouvidos. Sexo ocasional, orgias de comida e bebida, carnaval. A violência torna-se espetáculo.
Mas o que dá sentido a vida da civilização romana ? O crescimento sem fim. O que define Roma e lhe dá sentido é a crença em que "tudo leva a Roma", a certeza de que eles são o único povo civilizado, de que são os criadores do futuro. Roma, como uma doença, só existe enquanto cresce. Um povo bárbaro não pensa em termos de crescimento. A guerra é para eles prova de valentia, rixa entre familias. Sua existência é justificada pela própria vida. Eles não se preocupam com futuro ou com certo e errado, tudo o que desejam é ser o que já se é.
Quando irrompe a alta idade média temos o encontro entre a politica romana e o inconsciente bárbaro. A igreja se forma como politica romana, mas cheia de apelos e símbolos celtas. Todas as heresias dentro da igreja são sintoma dessa dualidade. O catolicismo tenta cumprir dois papéis : organizar o mundo real e aplacar a sede religiosa. Nunca consegue.
A sina do mundo ocidental passa a ser essa. Como conciliar em nós essa racionalidade romana e essa febre bárbara que pede mais vida e mais magia ?
Cavaleiros medievais, poetas romanticos, simbolistas, beatnicks e hippies, anarquistas, busca por religiões orientais, tudo é sinal da alma celta que insiste em crer, em criar e em rir. Tudo é essa raiva da conformação romana, da vida em cidade organizada, da vida em função do bem do estado.
Para terminar um adendo :
Se sofremos esse conflito na carne, imagine um africano, recém saído de mundo totalmente bárbaro, às vezes canibal, tribal. Como é sua adaptação a mundo romanizado que nem mesmo nós, antigos celtas, antigos árabes, aceitamos em paz ?
Que poetas e historiadores romanos, falemos a verdade, não emocionam ninguém. Seja epopéia, seja mitologia, tudo o que Roma nos deixou é feito de blá blá blá sem fim. Uma verborragia bela e vazia, fria e indiferente ao que sentimos.
Os contos, poemas e lendas que nos emocionam nascem na idade média em meio aos ditos bárbaros. São eles que nos deixam o que entendemos por "arte que emociona". Mas essa criação ( que tem no ciclo arturiano, nas canções de Rolando, em Tristão e Isolda e Perceval, seu nascimento ) não é pura. Assim como o dia 25 de dezembro é uma união de cristianismo adaptado a comemorações celtas, a arte poética que vem até nós dos tempos medievais, é uma mistura muito natural de mitos bárbaros tingidos com cores cristãs.
E isso se dá de forma natural e lógica. Roma odiava toda religião bárbara. E para os romanos, cristianismo era tão bárbaro ( e incompreensível ) quanto cerimônias vikings. Roma adapta o cristianismo a sua politica quando vê nele a nova força que poderá unir seu império, mas jamais entendeu o que ele fosse. Criaram a politica católica, mas nunca entenderam o que seja religião.
Há uma pobreza espiritual constrangedora no mundo romano. Seus deuses nada possuem de grandioso, nada exigem de transformador. O mundo de Roma é todo voltado para o exterior, para a vida a serviço do estado, da politica e da guerra. Nesse tipo de sociedade, onde tudo o que tem valor passa pelos olhos do outro, a vida interior é muito pobre, a alma confunde-se com a carne e portanto a arte aí produzida é fria, distante, nada visceral. Técnica apurada, e um blá blá blá sem fim.
Enquanto isso os bárbaros produzem uma arte muito mais tosca, sem grande técnica e sem muita elaboração. Mas tudo é pura emoção, abundam acontecimentos, a ação nunca cessa e o mistério, a noite, a fantasia estão sempre presentes. É arte vital.
Até os dias de hoje nós vivemos dentro desse conflito. A ordem romana contra a ebulição celta. Certos períodos de nossa história pendem para nosso lado racional, ambicioso, amante de jogos verbais, o lado romano. Outro momentos vêm o renascimento da luz celta, da arte do sonho, da individuação, do delirio, do frenesi.
Tudo no mundo romano é imperial. Estradas, cidades, exércitos e leis. Roma pensa sempre em expansão, em comunicação, em integrar. O pensamento bárbaro pensa em fortalecer o clã. E cada clã é isolado, fundado por laços de sangue. Roma institui o discurso, o senado, o jogo de poder. O chefe celta é sempre o patriarca, o depositário da história do clã.
Roma luta com legionários. E os legionários são disciplinados. São peça de um todo e nesse imenso organismo ele é anônimo. O exército celta é anarquista. Cada um tenta ser maior que o todo. Todo guerreiro tem seu uniforme particular, sua bandeira, sua honra. ( E escrevendo isto não há como não pensar em porque a Inglaterra venceu França e Espanha em guerras decisivas. A Inglaterra sempre foi a herdeira de Roma, assim como os EUA são hoje. Enquanto os fidalgos espanhóis pensavam em se exibir na batalha e os sires franceses não admitiam obedecer um lider, os soldados ingleses lutavam como operários da guerra, legionários bem treinados e anônimos ).
No vazio espiritual de Roma ( acredite, Roma criou o ateísmo ) se institui o circo. O vazio espiritual é preenchido pela hiper-valorização do corpo. Emoções para os olhos, para os ouvidos. Sexo ocasional, orgias de comida e bebida, carnaval. A violência torna-se espetáculo.
Mas o que dá sentido a vida da civilização romana ? O crescimento sem fim. O que define Roma e lhe dá sentido é a crença em que "tudo leva a Roma", a certeza de que eles são o único povo civilizado, de que são os criadores do futuro. Roma, como uma doença, só existe enquanto cresce. Um povo bárbaro não pensa em termos de crescimento. A guerra é para eles prova de valentia, rixa entre familias. Sua existência é justificada pela própria vida. Eles não se preocupam com futuro ou com certo e errado, tudo o que desejam é ser o que já se é.
Quando irrompe a alta idade média temos o encontro entre a politica romana e o inconsciente bárbaro. A igreja se forma como politica romana, mas cheia de apelos e símbolos celtas. Todas as heresias dentro da igreja são sintoma dessa dualidade. O catolicismo tenta cumprir dois papéis : organizar o mundo real e aplacar a sede religiosa. Nunca consegue.
A sina do mundo ocidental passa a ser essa. Como conciliar em nós essa racionalidade romana e essa febre bárbara que pede mais vida e mais magia ?
Cavaleiros medievais, poetas romanticos, simbolistas, beatnicks e hippies, anarquistas, busca por religiões orientais, tudo é sinal da alma celta que insiste em crer, em criar e em rir. Tudo é essa raiva da conformação romana, da vida em cidade organizada, da vida em função do bem do estado.
Para terminar um adendo :
Se sofremos esse conflito na carne, imagine um africano, recém saído de mundo totalmente bárbaro, às vezes canibal, tribal. Como é sua adaptação a mundo romanizado que nem mesmo nós, antigos celtas, antigos árabes, aceitamos em paz ?
ALDOUS HUXLEY NA TV CULTURA
Tenho percebido que a Cultura tem dado uma ressuscitada. Talvez seja a crise que está fazendo com que ela retorne a algum tipo de espírito "Tv Cultura anos 80".
Ontem ví Barbara Heliodora no Roda Viva. Ela é alta-classe. Formação inglesa, ela não admite teatro que não respeite a intenção do autor. Voce pode criar sobre o texto, desde que esse texto seja contado. Mais interessante é como ela explica o modo como se deve abordar uma obra : o crítico deve descobrir qual era a intenção do autor, e a partir daí, observar se o objetivo foi atingido. Exatamente o que dizia Pauline Kael e exatamente o que tento fazer.
Ela diz que Gielgud, Olivier e Redgrave foram os maiores.
Em seguida vem um documentário sobre Laura Huxley, a viúva de Aldous. Maravilhoso! Várias cenas de Huxley ( inclusive de sua vinda ao Brasil ). Laura tem uma presença estranha. Ele a considerava um tipo de anjo. Aos 95 anos, magérrima, ela é de fulgurante alegria, uma eterna criança, no sentido belo de ser criança : brincalhona, curiosa, cheia de vitalidade.
Conta das experiencias com LSD dos dois. Que o ácido não dá alucinações, ele faz com que portas se abram dentro de nós, coisas que jaziam dentro saiam para fora. Ela descreve a viagem dela e dele. O peyote inclusive.
Naquele tempo o LSD era legal, e toda faculdade americana tinha seu grupo de estudo sobre o ácido. Logo Timothy Leary veio com seu lema : Ligue-se, caia fora, saia de casa. Huxley foi contra esse desbunde. Ele pensava que o LSD deveria ser usado com muito cuidado. Bem... de qualquer modo, existem cenas históricas de Huxley com Leary e entrevistas na tv sobre LSD.
Há uma fala de Aldous profética. Ele diz que a publicidade está penetrando no inconsciente das pessoas. E que isso será devastador para aquilo que consideramos humano. Tudo o que se torna inconsciente se transforma em parte de nosso ser. E se uma mensagem publicitária se aloja em nosso inconsciente, deixamos de ser 100% humanos e nos fazemos mecanismo de consumo.
Diz ele que toda tecnologia é boa, desde que respeite a biologia do homem. O equilibrio biológico e quimico do ser deve sempre manter-se intocado. Nada que não seja humano deve penetrar dentro do homem. Ou haverá o desequilibrio.
Mostra-se a bela casa onde eles moravam ( em Hollywood ), as crianças, os livros, os quadros. Laura descreve a morte do marido, uma "passagem" tranquila sob efeito de LSD. Christopher Isherwood é várias vezes citado, cenas com o amigo Igor Stravinski, com Orson Welles e com George Cukor ( a nata do cinema frequentava a casa ). Mas o que mais brilha é a presença de Laura, com olhos de bruxa e voz de italiana da renascença.
Uma história do Brasil: em 1960, convidados por Kubistcheck, os dois vieram fazer conferências. Viajaram então ao interior do Mato Grosso, para conhecer os indios. No meio do nada, em meio a tribo que os recebeu bem, eis que um dos moradores, de olhos arregalados e mãos trêmulas, se adianta e maravilhado pergunta: "O senhor é Huxley? Contraponto? Huxley? Contraponto?" Aldous sorri emocionado. Laura diz ter sido essa uma das lembranças mais caras a Huxley.
Conclusão: em noites entediantes, com 102 canais a disposição, é na velha tv Cultura que ainda encontro alguma inteligência. Valeu!
Ontem ví Barbara Heliodora no Roda Viva. Ela é alta-classe. Formação inglesa, ela não admite teatro que não respeite a intenção do autor. Voce pode criar sobre o texto, desde que esse texto seja contado. Mais interessante é como ela explica o modo como se deve abordar uma obra : o crítico deve descobrir qual era a intenção do autor, e a partir daí, observar se o objetivo foi atingido. Exatamente o que dizia Pauline Kael e exatamente o que tento fazer.
Ela diz que Gielgud, Olivier e Redgrave foram os maiores.
Em seguida vem um documentário sobre Laura Huxley, a viúva de Aldous. Maravilhoso! Várias cenas de Huxley ( inclusive de sua vinda ao Brasil ). Laura tem uma presença estranha. Ele a considerava um tipo de anjo. Aos 95 anos, magérrima, ela é de fulgurante alegria, uma eterna criança, no sentido belo de ser criança : brincalhona, curiosa, cheia de vitalidade.
Conta das experiencias com LSD dos dois. Que o ácido não dá alucinações, ele faz com que portas se abram dentro de nós, coisas que jaziam dentro saiam para fora. Ela descreve a viagem dela e dele. O peyote inclusive.
Naquele tempo o LSD era legal, e toda faculdade americana tinha seu grupo de estudo sobre o ácido. Logo Timothy Leary veio com seu lema : Ligue-se, caia fora, saia de casa. Huxley foi contra esse desbunde. Ele pensava que o LSD deveria ser usado com muito cuidado. Bem... de qualquer modo, existem cenas históricas de Huxley com Leary e entrevistas na tv sobre LSD.
Há uma fala de Aldous profética. Ele diz que a publicidade está penetrando no inconsciente das pessoas. E que isso será devastador para aquilo que consideramos humano. Tudo o que se torna inconsciente se transforma em parte de nosso ser. E se uma mensagem publicitária se aloja em nosso inconsciente, deixamos de ser 100% humanos e nos fazemos mecanismo de consumo.
Diz ele que toda tecnologia é boa, desde que respeite a biologia do homem. O equilibrio biológico e quimico do ser deve sempre manter-se intocado. Nada que não seja humano deve penetrar dentro do homem. Ou haverá o desequilibrio.
Mostra-se a bela casa onde eles moravam ( em Hollywood ), as crianças, os livros, os quadros. Laura descreve a morte do marido, uma "passagem" tranquila sob efeito de LSD. Christopher Isherwood é várias vezes citado, cenas com o amigo Igor Stravinski, com Orson Welles e com George Cukor ( a nata do cinema frequentava a casa ). Mas o que mais brilha é a presença de Laura, com olhos de bruxa e voz de italiana da renascença.
Uma história do Brasil: em 1960, convidados por Kubistcheck, os dois vieram fazer conferências. Viajaram então ao interior do Mato Grosso, para conhecer os indios. No meio do nada, em meio a tribo que os recebeu bem, eis que um dos moradores, de olhos arregalados e mãos trêmulas, se adianta e maravilhado pergunta: "O senhor é Huxley? Contraponto? Huxley? Contraponto?" Aldous sorri emocionado. Laura diz ter sido essa uma das lembranças mais caras a Huxley.
Conclusão: em noites entediantes, com 102 canais a disposição, é na velha tv Cultura que ainda encontro alguma inteligência. Valeu!
AMORES PERROS - ALEJANDRO GONZÁLEZ IÑARRITU
Concordo com Houllebecq. O mundo não está em decadência, ele já decaiu. Ontem, vendo as nevascas em NY, me veio um insight : tudo nos prepara para o fim. Abandonaremos o mundo e viveremos em buracos. Toda a nossa tecnologia nos prepara para essa vida em buracos isolados. E no futuro eles dirão : "Pobres humanos de 2010! Sabia que eles viviam ao ar livre ? Imagine que inferno ! Eles tinham contato com o sol e a chuva !"
O homem só pode viver sem nenhum tipo de repressão se for nobre como tigre na selva. Se tiver seu espaço de ação preservado e usufruir da liberdade de ser essa fera. Tendo de viver como homens em sociedade, sem politica, arte ou igreja, é o absoluto vazio. Kaos.
A vida real é esta. Não me venha com frescuras. Mundo sem a figura do pai. Irmão mata irmão, a mãe é apenas um objeto lamuriento. E a fantasia de que um tesão vulgar é o tal do amor.
E a violência vem. O grande tema destes dias não é o facebook. Ele é apenas para aqueles que já desistiram e vivem no buraco. O tema é o sangue.
Mas existe o cão.
Alguém percebeu ? Fazemos do cão aquilo que desejamos sem saber que ele nos paga pelo que desejamos.
Se voce o treina para a violencia, ela virá em paga. E se voce o fragiliza como um fru fru ele será vítima de um buraco absurdo. ( A prisão da não-reação ).
O cão é sua alma baby...
O filme, o filme que abriu Hollywood para os latinos, o verdadeiro grande filme latino- americano dos anos 2000 ( é mais verdadeiro que Cidade de Deus ) é devastador. Chega perto do insuportável, mas o que o redime é que ele jamais nega sua raiz. É do México de Octavio Paz, terra que cometeu o maior genocidio da história e que convive com isso até hoje. Terra onde não há paz.
Tal qual os filmes de Paul Thomas Anderson, há aqui um cristianismo sem igreja, um cristianismo puro. Os dois percebem a vida como purgação, como via crucis, sofrimento que só tem sentido se for aprendizado. Alejandro nos faz desejar a chuva de sapos que nos redima. Ela vem de outro modo.
Vem na figura do tigre que criou seu espaço. Naquele que se afastou do kaos criando seu reino particular. Do único personagem que observa, pensa, está à parte de tudo.
E do único que sabe lidar com seu cão ( que são vários e vivem livres para cachorrar ).
Esse tipo de anjo vingador coloca irmão de frente a irmão. Lida com a podridão sem perder sua integridade ( mesmo sendo um assassino ), ainda tem o amor ( amor a filha e aos cães ) como norte.
Na cena final, tendo reencontrado sua alma verdadeira ( na figura do cão que assassina cães, um sobrevivente como ele é ), como John Wayne em Rastros de Òdio, ele parte rumo a vastidão. O único possível herói é ainda Perceval e também um cowboy.
Demorei dez anos para ter a coragem de ver este filme. Temia as cenas de crueldade com os cães ( não há ). Vendo-o agora, sob a perspectiva da década que felizmente termina, constato que ele é central, poderoso, influente e muito corajoso. Alfonso Arau é um diretor mexicano melhor. Mas ninguém pode negar que este é um imorredouro clássico. Clássico que tem dúzias de cenas grandiosas, que não teme a patetice do amor "feio" entre garota idiota e garoto imbecilizado, filme que tem atuações de magnitude infinita ( a cena da dor com a descoberta do massacre dos cães é de antologia ). Que exibe mundo abandonado, vazio, onde a violência é futil.
Perturbador.
O homem só pode viver sem nenhum tipo de repressão se for nobre como tigre na selva. Se tiver seu espaço de ação preservado e usufruir da liberdade de ser essa fera. Tendo de viver como homens em sociedade, sem politica, arte ou igreja, é o absoluto vazio. Kaos.
A vida real é esta. Não me venha com frescuras. Mundo sem a figura do pai. Irmão mata irmão, a mãe é apenas um objeto lamuriento. E a fantasia de que um tesão vulgar é o tal do amor.
E a violência vem. O grande tema destes dias não é o facebook. Ele é apenas para aqueles que já desistiram e vivem no buraco. O tema é o sangue.
Mas existe o cão.
Alguém percebeu ? Fazemos do cão aquilo que desejamos sem saber que ele nos paga pelo que desejamos.
Se voce o treina para a violencia, ela virá em paga. E se voce o fragiliza como um fru fru ele será vítima de um buraco absurdo. ( A prisão da não-reação ).
O cão é sua alma baby...
O filme, o filme que abriu Hollywood para os latinos, o verdadeiro grande filme latino- americano dos anos 2000 ( é mais verdadeiro que Cidade de Deus ) é devastador. Chega perto do insuportável, mas o que o redime é que ele jamais nega sua raiz. É do México de Octavio Paz, terra que cometeu o maior genocidio da história e que convive com isso até hoje. Terra onde não há paz.
Tal qual os filmes de Paul Thomas Anderson, há aqui um cristianismo sem igreja, um cristianismo puro. Os dois percebem a vida como purgação, como via crucis, sofrimento que só tem sentido se for aprendizado. Alejandro nos faz desejar a chuva de sapos que nos redima. Ela vem de outro modo.
Vem na figura do tigre que criou seu espaço. Naquele que se afastou do kaos criando seu reino particular. Do único personagem que observa, pensa, está à parte de tudo.
E do único que sabe lidar com seu cão ( que são vários e vivem livres para cachorrar ).
Esse tipo de anjo vingador coloca irmão de frente a irmão. Lida com a podridão sem perder sua integridade ( mesmo sendo um assassino ), ainda tem o amor ( amor a filha e aos cães ) como norte.
Na cena final, tendo reencontrado sua alma verdadeira ( na figura do cão que assassina cães, um sobrevivente como ele é ), como John Wayne em Rastros de Òdio, ele parte rumo a vastidão. O único possível herói é ainda Perceval e também um cowboy.
Demorei dez anos para ter a coragem de ver este filme. Temia as cenas de crueldade com os cães ( não há ). Vendo-o agora, sob a perspectiva da década que felizmente termina, constato que ele é central, poderoso, influente e muito corajoso. Alfonso Arau é um diretor mexicano melhor. Mas ninguém pode negar que este é um imorredouro clássico. Clássico que tem dúzias de cenas grandiosas, que não teme a patetice do amor "feio" entre garota idiota e garoto imbecilizado, filme que tem atuações de magnitude infinita ( a cena da dor com a descoberta do massacre dos cães é de antologia ). Que exibe mundo abandonado, vazio, onde a violência é futil.
Perturbador.
THE RUNAWAYS - FLORA SIGISMONDI ( MUITO MELHOR DO QUE FIZERAM VOCE PENSAR )
Quantas cabeças de criancinhas indefesas David Bowie literalmente "fodeu" nos anos 70 ? Eu estava lá e eu vi. E tem um monte de filmes sendo feitos agora sobre isso. Posso citar CRAZY, e também PLUTÃO de Jordan, e ainda ( bem mais velho ) VELVET de Haynes. Penso que na verdade o rock se divide em antes e depois de Bowie. ( Quem discordar depois eu explico porque ). E este filme, este surpreendente filme ( que nada tem de artístico ) tem uma cena linda : Dakota Fanning ( excelente atriz ) fazendo Cherie Lunghi ( vocalista das Runaways ) dublando Lady Grinning Soul num breguérrimo show de escola. Pintada de Bowie aos 13 anos. Uma criança perdida no mundo de Ziggy Stardust. No filme ela usa umas camisetas de David que eu daria minha coleção de dvds para as ter !!!!
Bem.... é preciso dizer, eu lembro meninos e meninas, de quando as Runaways surgiram. E eu recordo que ninguém as levou a sério. Foram, como os New York Dolls, o tipo de banda que se torna famosa antes de gravar e é esquecida após o fiasco do primeiro disco. ( Menos no Japão, que as adorava ). Elas nada mais eram que um tipo de Glitter made in USA. Suzi Quatro para yankees. Mas não dá pra negar, foram pioneiras num tipo de atitude que é dominante hoje, em 2010. Os olhos de Joan Jett e o cabelo de Cherie é moda entre adolescentes rocknroll com 15 anos em todo o planeta. Elas riram por último.
Se Cherie é uma comovente caipira americana tentando ser Bowie, Joan Jett é Iggy Pop. ( E quantos filmes usam música de Iggy nesta década ??? Um ziggylhão ??? ) Kristen Stewart também dá um show e tem cena em banheira que é atestado de boa atriz. Rebelde radical, perdida em sua agressividade, se torna um tipo de heroína rocker, uma Keith Richards com vagina.
Mas o filme ainda tem Michael Shannon fazendo Kim Fowley. Para os mocinhos nascidos recentemente cabe explicar: Fowley era uma estrela. Naquele tempo, auge de vendas de discos, produtores se tornaram estrelas. Tempo de Bob Ezrin, de Chris Thomas, Tony Visconti, Eno, Gus Dudgeon, Guy Stevens e de Kim Fowley, um tipo de flamboyant hiper pop com acentos rocker. O retrato dele é exato. Ego cruel e estranhamente amador. Era o tempo em que todos comiam na mão das gravadoras.
Mas eu testemunhei a ascenção ( que nunca houve ) e a queda ( melancólica ) das meninas. Sumiram sem deixar um só traço em meio aos punks, que cumpriram tudo o que elas insinuavam. E fui pego de surpresa com o sucesso de Joan Jett em 1981, ironicamente usando o caminho aberto por Chrissie Hynde. Eu vi crianças.... eu tava lá.
O filme não mente. As meninas são trituradas. E o balão bolado por Kim Fowley murcha antes de subir. O filme, excelente, respira pelas atuações irretocáveis e pelo retrato do aturdimento de vida ansiada e detestada. Para quem gosta de rock é obrigatório !
Estranho é ver as Runaways, hoje, como um tipo de grupo cult. Estaremos em fase tão ruim assim ?
Bem.... é preciso dizer, eu lembro meninos e meninas, de quando as Runaways surgiram. E eu recordo que ninguém as levou a sério. Foram, como os New York Dolls, o tipo de banda que se torna famosa antes de gravar e é esquecida após o fiasco do primeiro disco. ( Menos no Japão, que as adorava ). Elas nada mais eram que um tipo de Glitter made in USA. Suzi Quatro para yankees. Mas não dá pra negar, foram pioneiras num tipo de atitude que é dominante hoje, em 2010. Os olhos de Joan Jett e o cabelo de Cherie é moda entre adolescentes rocknroll com 15 anos em todo o planeta. Elas riram por último.
Se Cherie é uma comovente caipira americana tentando ser Bowie, Joan Jett é Iggy Pop. ( E quantos filmes usam música de Iggy nesta década ??? Um ziggylhão ??? ) Kristen Stewart também dá um show e tem cena em banheira que é atestado de boa atriz. Rebelde radical, perdida em sua agressividade, se torna um tipo de heroína rocker, uma Keith Richards com vagina.
Mas o filme ainda tem Michael Shannon fazendo Kim Fowley. Para os mocinhos nascidos recentemente cabe explicar: Fowley era uma estrela. Naquele tempo, auge de vendas de discos, produtores se tornaram estrelas. Tempo de Bob Ezrin, de Chris Thomas, Tony Visconti, Eno, Gus Dudgeon, Guy Stevens e de Kim Fowley, um tipo de flamboyant hiper pop com acentos rocker. O retrato dele é exato. Ego cruel e estranhamente amador. Era o tempo em que todos comiam na mão das gravadoras.
Mas eu testemunhei a ascenção ( que nunca houve ) e a queda ( melancólica ) das meninas. Sumiram sem deixar um só traço em meio aos punks, que cumpriram tudo o que elas insinuavam. E fui pego de surpresa com o sucesso de Joan Jett em 1981, ironicamente usando o caminho aberto por Chrissie Hynde. Eu vi crianças.... eu tava lá.
O filme não mente. As meninas são trituradas. E o balão bolado por Kim Fowley murcha antes de subir. O filme, excelente, respira pelas atuações irretocáveis e pelo retrato do aturdimento de vida ansiada e detestada. Para quem gosta de rock é obrigatório !
Estranho é ver as Runaways, hoje, como um tipo de grupo cult. Estaremos em fase tão ruim assim ?
O ROMANCE DO GRAAL - CHRÉTIEN DE TROYES ( O HOMEM DONO DA FELICIDADE )
Chrétien de Troyes escreveu este livro em 1180. França, região de Champagne. Trata-se de centro daquilo que podemos chamar de "REINO DE NOSSO INCONSCIENTE". Rico de símbolos, rico de ação, criatividade exuberante onde tudo pode acontecer e acontece, ler esse livro é experiência de estranhamento : lendo-o nos sentimos em sonho e ao mesmo tempo, aliás como acontece no sonho, tudo nos é magicamente conhecido, é como reencontrar uma verdade perdida. Tudo é surpresa, e tudo é familiar. E lemos como quem sonha e do sonho não deseja acordar.
Uma verdade perdida. É exatamente esse o legado da verdadeira idade média ( aquela que vai de 800 a 1250 ). Para muitos , única época histórica ( ou seja, após a criação da escrita, de 5000 a/c para diante ) em que o homem foi "verdadeiramente sí-mesmo" e portanto, feliz. Não me importa discutir se isso é verdade ou não. Jamais o saberemos. Tudo será imaginação otimista ou dúvida pessimista. O que é fato é que uma sociedade que cria relatos como este só pode ser chamada de saudável. Na época de Chrétien a neurose está ausente e não é dificil entender o porque.
Pouco se teme a morte. Quando hoje, descrentes e sem objetivos maiores, pensamos nas baixas médias de vida daquele tempo, imaginamos ser aquele povo medroso, fanático, triste e fatalista. Não. Para eles, morrer é terrível só se for morte em desgraça, morrer como covarde ou sem a absolvição da igreja. Para eles, suprema, e para nós irrecuperável felicidade, morrer é apenas mudar de condição, transformar-se. Eles temem o inferno, não o morrer.
Outro fato pouco neurótico: as emoções livres. Amigos se beijam ao se encontrar ( na boca ) várias vezes, e ao se abraçar rolam no chão rindo e cantando. Conversam de mãos dadas. Quando feliz, o homem desse tempo rí alto, gesticula, dança e pula. Toda emoção é LIVREMENTE EXPRESSA PELO CORPO QUE VIVE. E na tristeza eles choram, arrancam os cabelos, socam paredes, e desfalecem. Não existe o pensamento de se controlar uma emoção. O homem nobre é aquele que as vive, e quanto maiores elas forem, maior é seu coração.
E o coração é o centro da vida.
O amor é um compromisso conscientemente dado a um símbolo. A mulher é perfeita. É um anjo que dá ao homem o direito de se alçar ao céu. Então podemos pensar que se trata de amor casto. Mas me surpreendo ao ler a quantidade de vezes em que os amantes se cobrem de beijos, de caricias e quantas donzelas se dirigem ao leito do herói para lá dormir. O compromisso é o de se defender a dama, honrá-la de qualquer ofensa, cuidar de seu bem, ser seu CAVALEIRO E ELA SER SUA DAMA. E cabe a dama honrar esse campeão, sendo sua inspiração, o motivo de sua partida ( sim, ele parte por ela ), o objetivo de seu fim.
Mas antes vem a estrada. E toda aventura é uma estrada em que em cada bosque há um perigo ou uma sorte. O livro esgota todo o arsenal de aventuras que até hoje usamos. De damas traiçoeiras a poços sem fundo, de castelos prisão até encantamentos, de rivais mentirosos à reencontros com mães. E a estrada inaugura o tempo. É nesse período que se institue o tempo do ocidente. E esse tempo é uma estrada, um caminho. Adiante para sempre.
Jung bebeu tudo nesta fonte. Ele dizia que o caminho do homem, hoje e sempre, é o caminho da individuação. Tornarmo-nos nós mesmos. Nesta saga, Perceval começa como tolo jovem egoísta e após seu amadurecimento ele tem a "lembrança" de seu nome : SOU PERCEVAL ! Note : ele não ganha um nome, ele o recorda. Nos tornamos individuos não pela graça de outro, mas por nosso mérito. Recordamos aquilo que sempre fomos.
É AQUILO QUE UM DIA SUCEDERÁ AO PLANETA : LEMBRAREMOS O QUE NUNCA DEIXAMOS DE SER.
A aventura mais conhecida de Perceval ( e a que mais intrigava Jung ) era aquela em que ele adentra o reino do Rei Pescador. Rei ferido, aleijado, que não pode mais caçar. Carregado a beira de rio, ele usa anzol e pesca. O que significa cada peixe que ele pega ? Nesse reino há uma lança que sangra e o GRAAL, taça maravilhosa que dá vida e cria o homem. Perceval vê as duas passarem diante de seus olhos, mas se cala e não faz a pergunta que salvaria o Rei Pescador. Ele não pergunta o porque do sangue e para onde vai o graal.
Para vários artistas, psicólogos, poetas, essa imagem é o centro do simbolismo ocidental. A lança, a taça e o rei que pesca.
Perceval depois é hipnotizado por 3 gotas de sangue sobre a neve branca....
Eu poderia então escrever laudas e laudas sobre a riqueza de tudo isso. Mas a fé no símbolo se manifesta pela não explicação de sua força. Que cada um tire dele o que conseguir.
Cito ainda a divisa que norteia o que seria desejável num homem :
BELO, CORAJOSO, MODESTO, SEM AMBIÇÃO E LEAL. E o livro demonstra o quanto se valoriza a beleza física de homem e mulher. A do homem estando ligada a agilidade e rapidez e a beleza feminina a jóias e animais ( olhos de rubis, pele de pérola, corpo de gazela ). Estamos a séculos da valorização da ambição, esperteza e volubilidade. Para eles, ser ambicioso é ser mau, ser esperto é desonrar e ser volúvel é mentir. Não se mata um inimigo inutilmente ( e muitos se tornam amigos ), captura-se esse rival. E não se nega a palavra dada ( e tudo é palavra ). O que se diz ainda tem peso.
Chrétien de Troyes faz aqui a gênese da nobreza. O momento em que o mundo se abre como caminho que leva a aventura, e aventura que nada mais é, que o reconhecimento do símbolo. O recordar-se daquilo que sempre se soube. Perceval, tolo galês que se torna o mais adorado dos cavaleiros ( por ser corajoso, belo e puro ) demonstra a todos nós a via do homem, a saga da Europa e tudo o que perdemos desde então.
A influência deste livro é inescapável.
Uma verdade perdida. É exatamente esse o legado da verdadeira idade média ( aquela que vai de 800 a 1250 ). Para muitos , única época histórica ( ou seja, após a criação da escrita, de 5000 a/c para diante ) em que o homem foi "verdadeiramente sí-mesmo" e portanto, feliz. Não me importa discutir se isso é verdade ou não. Jamais o saberemos. Tudo será imaginação otimista ou dúvida pessimista. O que é fato é que uma sociedade que cria relatos como este só pode ser chamada de saudável. Na época de Chrétien a neurose está ausente e não é dificil entender o porque.
Pouco se teme a morte. Quando hoje, descrentes e sem objetivos maiores, pensamos nas baixas médias de vida daquele tempo, imaginamos ser aquele povo medroso, fanático, triste e fatalista. Não. Para eles, morrer é terrível só se for morte em desgraça, morrer como covarde ou sem a absolvição da igreja. Para eles, suprema, e para nós irrecuperável felicidade, morrer é apenas mudar de condição, transformar-se. Eles temem o inferno, não o morrer.
Outro fato pouco neurótico: as emoções livres. Amigos se beijam ao se encontrar ( na boca ) várias vezes, e ao se abraçar rolam no chão rindo e cantando. Conversam de mãos dadas. Quando feliz, o homem desse tempo rí alto, gesticula, dança e pula. Toda emoção é LIVREMENTE EXPRESSA PELO CORPO QUE VIVE. E na tristeza eles choram, arrancam os cabelos, socam paredes, e desfalecem. Não existe o pensamento de se controlar uma emoção. O homem nobre é aquele que as vive, e quanto maiores elas forem, maior é seu coração.
E o coração é o centro da vida.
O amor é um compromisso conscientemente dado a um símbolo. A mulher é perfeita. É um anjo que dá ao homem o direito de se alçar ao céu. Então podemos pensar que se trata de amor casto. Mas me surpreendo ao ler a quantidade de vezes em que os amantes se cobrem de beijos, de caricias e quantas donzelas se dirigem ao leito do herói para lá dormir. O compromisso é o de se defender a dama, honrá-la de qualquer ofensa, cuidar de seu bem, ser seu CAVALEIRO E ELA SER SUA DAMA. E cabe a dama honrar esse campeão, sendo sua inspiração, o motivo de sua partida ( sim, ele parte por ela ), o objetivo de seu fim.
Mas antes vem a estrada. E toda aventura é uma estrada em que em cada bosque há um perigo ou uma sorte. O livro esgota todo o arsenal de aventuras que até hoje usamos. De damas traiçoeiras a poços sem fundo, de castelos prisão até encantamentos, de rivais mentirosos à reencontros com mães. E a estrada inaugura o tempo. É nesse período que se institue o tempo do ocidente. E esse tempo é uma estrada, um caminho. Adiante para sempre.
Jung bebeu tudo nesta fonte. Ele dizia que o caminho do homem, hoje e sempre, é o caminho da individuação. Tornarmo-nos nós mesmos. Nesta saga, Perceval começa como tolo jovem egoísta e após seu amadurecimento ele tem a "lembrança" de seu nome : SOU PERCEVAL ! Note : ele não ganha um nome, ele o recorda. Nos tornamos individuos não pela graça de outro, mas por nosso mérito. Recordamos aquilo que sempre fomos.
É AQUILO QUE UM DIA SUCEDERÁ AO PLANETA : LEMBRAREMOS O QUE NUNCA DEIXAMOS DE SER.
A aventura mais conhecida de Perceval ( e a que mais intrigava Jung ) era aquela em que ele adentra o reino do Rei Pescador. Rei ferido, aleijado, que não pode mais caçar. Carregado a beira de rio, ele usa anzol e pesca. O que significa cada peixe que ele pega ? Nesse reino há uma lança que sangra e o GRAAL, taça maravilhosa que dá vida e cria o homem. Perceval vê as duas passarem diante de seus olhos, mas se cala e não faz a pergunta que salvaria o Rei Pescador. Ele não pergunta o porque do sangue e para onde vai o graal.
Para vários artistas, psicólogos, poetas, essa imagem é o centro do simbolismo ocidental. A lança, a taça e o rei que pesca.
Perceval depois é hipnotizado por 3 gotas de sangue sobre a neve branca....
Eu poderia então escrever laudas e laudas sobre a riqueza de tudo isso. Mas a fé no símbolo se manifesta pela não explicação de sua força. Que cada um tire dele o que conseguir.
Cito ainda a divisa que norteia o que seria desejável num homem :
BELO, CORAJOSO, MODESTO, SEM AMBIÇÃO E LEAL. E o livro demonstra o quanto se valoriza a beleza física de homem e mulher. A do homem estando ligada a agilidade e rapidez e a beleza feminina a jóias e animais ( olhos de rubis, pele de pérola, corpo de gazela ). Estamos a séculos da valorização da ambição, esperteza e volubilidade. Para eles, ser ambicioso é ser mau, ser esperto é desonrar e ser volúvel é mentir. Não se mata um inimigo inutilmente ( e muitos se tornam amigos ), captura-se esse rival. E não se nega a palavra dada ( e tudo é palavra ). O que se diz ainda tem peso.
Chrétien de Troyes faz aqui a gênese da nobreza. O momento em que o mundo se abre como caminho que leva a aventura, e aventura que nada mais é, que o reconhecimento do símbolo. O recordar-se daquilo que sempre se soube. Perceval, tolo galês que se torna o mais adorado dos cavaleiros ( por ser corajoso, belo e puro ) demonstra a todos nós a via do homem, a saga da Europa e tudo o que perdemos desde então.
A influência deste livro é inescapável.
KAZAN/ ZHANG YIMOU/ MICHAEL BAY/ PIETRO GERMI/ JACKIE CHAN
MEUS CAROS AMIGOS de Pietro Germi e Mario Monicelli com Ugo Tognazzi, Philippe Noiret, Gastone Moschin e Adolfo Celi
Germi faleceu em meio as filmagens e Mario o completou. Dá para perceber onde cada um deles trabalhou. A abordagem de Pietro é muito mais amarga, Monicelli é mais eufórico. Os dois são mestres. O filme fala de bando de amigos, cinquentões, que insistem em ser adolescentes. Vemos então suas "artes". Tumultuam hospital, entram de penetras em festa, envolvem otário em mentira mirabolante. Mas acima de tudo, vivem. Há uma frase que traduz a mensagem do filme. É quando o personagem de Moschin diz : " Estar entre homens é tão bom que é uma pena eu não ser um bruto de uma bicha! " Desculpem moças, mas esse é um honesto pensamento masculino. Somente gays adoram a companhia feminina "todo o tempo". O filme é ode à amizade viril. É machista, grosseiro, porco, idiota e ao mesmo tempo é poético e tem um final lindo. É no enterro, em que eles seguram o riso. O riso diante da tragédia. Meninos tenderão a odiar este filme. Ele nega TUDO o que esses flácidos querubins adoram. Além do que é uma comédia, uma comédia melancólica. O elenco é absurdamente bom. A cena na estação de trens é de uma estupidez hilária !!!! E é um filme que serve como aula sobre a alma do homem. Uma quase obra-prima. Nota 9.
BOOMERANG de Elia Kazan com Dana Andrews
Excelente policial. Um promotor deixa de acusar um réu, pois começa a ter dúvidas de sua culpa. Nós também queremos que ele não seja condenado. Mas dái vem a dúvida : ele é realmente inocente ? É um belo filme ! Kazan dirige com economia, urgência, fogo. Somos absorvidos. Daí para a frente, com Um Bonde e depois Sindicato de Ladrões, Elia Kazan dominaria a tela dos EUA nos anos 50. Nota 7.
CARGA EXPLOSIVA I de Cory Yuen com Jason Statham
O terceiro é o melhor. Mas é um bom filme de lutas ( Jason não é um novo Willis ou Stallone. Sua praia é a mesma de Jet Li, artes marciais. Willis tem o humor que ele não tem e Stallone a força estúpida e sem sutileza que Jason jamais usa. ) Nota 5.
THE BUCCANEER de Anthony Quinn com Yul Brynner, Charles Boyer, Claire Bloom
Fracasso. Única direção de Quinn, este filme de piratas dá todo errado. Apesar do ótimo elenco, o filme deixa de lado o que é básico em filmes de aventura : leveza. Ele jamais voa. Nota 2.
THE GOOD, THE BAD, THE WEIRD de Kim Jee-Woon
A cena no vagão do trem é uma obra-prima de técnica. O resto do filme é estonteante. Em termos de habilidade física e modernismo é supremo. A câmera flutua e tudo é velocidade. Há humor, a história surpreende e Kim homenageia Sergio Leone. Uma deliciosa aventura improvável que faz com que a esperança no cinema renasça. Se perdemos os gênios, que vivam os palhaços ! Nota 8.
UMA FILHA PARA O DIABO de Peter Sykes com Christopher Lee e Nastassja Kinski
Em tempos menos patrulhados, Nastassja, com 13 anos, aparece nua. Ela já demonstra a beleza hipnótica que desenvolveria. Mas o filme, sobre satanismo, é de uma obviedade atroz. Nota 2.
HERÓI de Zhang Yimou com Jet Li, Tony Leung, Maggie Cheung Zhang Zyi e Donnie Yen
Apenas os filmes de Kurosawa e de Bergman ( alguns ) têm visual mais belo. Fotograficamente é uma obra-prima. Mas ele é mais que imagem. A ação é espetacular, balé de movimentos impossíveis. A cena do duelo "de pensamentos" é sublime. O filme, o primeiro de ação feito por Yimou, é além de tudo, uma aula sobre a China. Disciplina e dualidade, força física e pensamento correto, ritual como filosofia. Jet Li nunca esteve tão bem e mesmo atores "não atletas" como Leung e Cheung se saem muito bem. Uma saga imensamente bela que realmente impressiona. É um dos grandes filmes dos anos 2000, sem dúvida. Nota DEZ.
TRANSFORMERS de Michael Bay com Shia LaBoeuf, Megan Fox, Tyrese e Jon Voigt
Vamos lá..... Existem dois tipos de filme de ação: aquele que mostra um homem contra um sistema e aquele que é um sistema contra um invasor. No primeiro caso temos a série Duro de Matar, Yojimbo, os Dirty Harry e afins. E é daí que costumam sair os bons filmes de ação. Por quê ? Porque eles trazem em seus genes a saga do cowboy solitário, o cara marcado pelo destino contra um meio que dele quer distãncia. Os filmes de Jason Statham, de Tarantino, de Jet Li seguem essa linha. E existem aventuras como este tal Transformers, as aventuras que glorificam o status quo, que são odes ao comodismo, ao exército, ao grupo organizado. Michael Bay faz sempre o mesmo filme: jatos decolando, armas modernas e telas de computadores. Soldados sarados e comandantes do bem. É de um fascismo intencional. Me dá nojo ! Tudo aqui é calculado para alucinar os adolescentes nerds ressentidos. Eles podem se ver no papel de Shia e sonhar em ter acesso àquele mundo de foguetes e computadores do Pentágono. Este filme podia ter sido dirigido por qualquer burocrata de lá. Nota ZERO farenheit.
CARGA EXPLOSIVA II de Louis Leterrier com Jason Statham
E aqui ele é um chauffeur que salva família vítima de terroristas/traficantes. Exemplo do que falei acima: é o herói contra o meio hostil. Por isso é simpático e podemos torcer sem culpa. Dos filmes da série é o pior, mas ainda diverte. Nota 5.
RESIDENT EVIL de Paul W S Anderson com Milla Jovic e Michelle Rodriguez
Video-game nas telas. É ruim demais ! Nada acontece, os caras ficam presos numa tal de colméia e tentam escapar dos zumbis. Mas nada tem suspense, clima ou humor. Nota ZERO.
O INCRÍVEL EXÉRCITO DE BRANCALEONE de Mario Monicelli com Vittorio Gassman, Gian Maria Volonté e Catherine Spaak
Fazem três dias que tudo que penso é : branca branca leone leone !!!! Uma comédia que nos deixa felizes. Dá muita pena quando o filme termina, queremos continuar na companhia daquela armada. Um grupo de maltrapilhos adoráveis. Por quê só os italianos conseguiam fazer comédias assim ? Uma obra-prima como cinema e talvez a melhor comédia já feita. Nota UM ZILHÂO!!!!!
OS ETERNOS DESCONHECIDOS de Mario Monicelli com Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni, Renato Salvatori e Claudia Cardinale
Mas há este filme. Sobre pobretões que armam golpe perfeito. Totó participa, gênio ! Todos os personagens são magníficos, quando os recordamos, sorrimos de seus rostos. Os italianos tinham a voz e o rosto para a comédia, e quando esses rostos são de grandes atores... aí a coisa fica inigualável ! Este filme, admirado por Scorsese, Woody Allen e Soderbergh, é obra-prima de roteiro, de vitalidade, de realismo. Maravilhoso!!!! Nota UM BILHÃO !!!!!!!!
MR NICE GUY de Samo Hung com Jackie Chan
Nosso Buster Keaton em boa aventura australiana. Jackie tem carisma, é engraçado e tem agilidade inacreditável. Este filme marca a volta de sua parceria com Hung, um mito na China. Bela diversão pop. Nota 6.
Germi faleceu em meio as filmagens e Mario o completou. Dá para perceber onde cada um deles trabalhou. A abordagem de Pietro é muito mais amarga, Monicelli é mais eufórico. Os dois são mestres. O filme fala de bando de amigos, cinquentões, que insistem em ser adolescentes. Vemos então suas "artes". Tumultuam hospital, entram de penetras em festa, envolvem otário em mentira mirabolante. Mas acima de tudo, vivem. Há uma frase que traduz a mensagem do filme. É quando o personagem de Moschin diz : " Estar entre homens é tão bom que é uma pena eu não ser um bruto de uma bicha! " Desculpem moças, mas esse é um honesto pensamento masculino. Somente gays adoram a companhia feminina "todo o tempo". O filme é ode à amizade viril. É machista, grosseiro, porco, idiota e ao mesmo tempo é poético e tem um final lindo. É no enterro, em que eles seguram o riso. O riso diante da tragédia. Meninos tenderão a odiar este filme. Ele nega TUDO o que esses flácidos querubins adoram. Além do que é uma comédia, uma comédia melancólica. O elenco é absurdamente bom. A cena na estação de trens é de uma estupidez hilária !!!! E é um filme que serve como aula sobre a alma do homem. Uma quase obra-prima. Nota 9.
BOOMERANG de Elia Kazan com Dana Andrews
Excelente policial. Um promotor deixa de acusar um réu, pois começa a ter dúvidas de sua culpa. Nós também queremos que ele não seja condenado. Mas dái vem a dúvida : ele é realmente inocente ? É um belo filme ! Kazan dirige com economia, urgência, fogo. Somos absorvidos. Daí para a frente, com Um Bonde e depois Sindicato de Ladrões, Elia Kazan dominaria a tela dos EUA nos anos 50. Nota 7.
CARGA EXPLOSIVA I de Cory Yuen com Jason Statham
O terceiro é o melhor. Mas é um bom filme de lutas ( Jason não é um novo Willis ou Stallone. Sua praia é a mesma de Jet Li, artes marciais. Willis tem o humor que ele não tem e Stallone a força estúpida e sem sutileza que Jason jamais usa. ) Nota 5.
THE BUCCANEER de Anthony Quinn com Yul Brynner, Charles Boyer, Claire Bloom
Fracasso. Única direção de Quinn, este filme de piratas dá todo errado. Apesar do ótimo elenco, o filme deixa de lado o que é básico em filmes de aventura : leveza. Ele jamais voa. Nota 2.
THE GOOD, THE BAD, THE WEIRD de Kim Jee-Woon
A cena no vagão do trem é uma obra-prima de técnica. O resto do filme é estonteante. Em termos de habilidade física e modernismo é supremo. A câmera flutua e tudo é velocidade. Há humor, a história surpreende e Kim homenageia Sergio Leone. Uma deliciosa aventura improvável que faz com que a esperança no cinema renasça. Se perdemos os gênios, que vivam os palhaços ! Nota 8.
UMA FILHA PARA O DIABO de Peter Sykes com Christopher Lee e Nastassja Kinski
Em tempos menos patrulhados, Nastassja, com 13 anos, aparece nua. Ela já demonstra a beleza hipnótica que desenvolveria. Mas o filme, sobre satanismo, é de uma obviedade atroz. Nota 2.
HERÓI de Zhang Yimou com Jet Li, Tony Leung, Maggie Cheung Zhang Zyi e Donnie Yen
Apenas os filmes de Kurosawa e de Bergman ( alguns ) têm visual mais belo. Fotograficamente é uma obra-prima. Mas ele é mais que imagem. A ação é espetacular, balé de movimentos impossíveis. A cena do duelo "de pensamentos" é sublime. O filme, o primeiro de ação feito por Yimou, é além de tudo, uma aula sobre a China. Disciplina e dualidade, força física e pensamento correto, ritual como filosofia. Jet Li nunca esteve tão bem e mesmo atores "não atletas" como Leung e Cheung se saem muito bem. Uma saga imensamente bela que realmente impressiona. É um dos grandes filmes dos anos 2000, sem dúvida. Nota DEZ.
TRANSFORMERS de Michael Bay com Shia LaBoeuf, Megan Fox, Tyrese e Jon Voigt
Vamos lá..... Existem dois tipos de filme de ação: aquele que mostra um homem contra um sistema e aquele que é um sistema contra um invasor. No primeiro caso temos a série Duro de Matar, Yojimbo, os Dirty Harry e afins. E é daí que costumam sair os bons filmes de ação. Por quê ? Porque eles trazem em seus genes a saga do cowboy solitário, o cara marcado pelo destino contra um meio que dele quer distãncia. Os filmes de Jason Statham, de Tarantino, de Jet Li seguem essa linha. E existem aventuras como este tal Transformers, as aventuras que glorificam o status quo, que são odes ao comodismo, ao exército, ao grupo organizado. Michael Bay faz sempre o mesmo filme: jatos decolando, armas modernas e telas de computadores. Soldados sarados e comandantes do bem. É de um fascismo intencional. Me dá nojo ! Tudo aqui é calculado para alucinar os adolescentes nerds ressentidos. Eles podem se ver no papel de Shia e sonhar em ter acesso àquele mundo de foguetes e computadores do Pentágono. Este filme podia ter sido dirigido por qualquer burocrata de lá. Nota ZERO farenheit.
CARGA EXPLOSIVA II de Louis Leterrier com Jason Statham
E aqui ele é um chauffeur que salva família vítima de terroristas/traficantes. Exemplo do que falei acima: é o herói contra o meio hostil. Por isso é simpático e podemos torcer sem culpa. Dos filmes da série é o pior, mas ainda diverte. Nota 5.
RESIDENT EVIL de Paul W S Anderson com Milla Jovic e Michelle Rodriguez
Video-game nas telas. É ruim demais ! Nada acontece, os caras ficam presos numa tal de colméia e tentam escapar dos zumbis. Mas nada tem suspense, clima ou humor. Nota ZERO.
O INCRÍVEL EXÉRCITO DE BRANCALEONE de Mario Monicelli com Vittorio Gassman, Gian Maria Volonté e Catherine Spaak
Fazem três dias que tudo que penso é : branca branca leone leone !!!! Uma comédia que nos deixa felizes. Dá muita pena quando o filme termina, queremos continuar na companhia daquela armada. Um grupo de maltrapilhos adoráveis. Por quê só os italianos conseguiam fazer comédias assim ? Uma obra-prima como cinema e talvez a melhor comédia já feita. Nota UM ZILHÂO!!!!!
OS ETERNOS DESCONHECIDOS de Mario Monicelli com Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni, Renato Salvatori e Claudia Cardinale
Mas há este filme. Sobre pobretões que armam golpe perfeito. Totó participa, gênio ! Todos os personagens são magníficos, quando os recordamos, sorrimos de seus rostos. Os italianos tinham a voz e o rosto para a comédia, e quando esses rostos são de grandes atores... aí a coisa fica inigualável ! Este filme, admirado por Scorsese, Woody Allen e Soderbergh, é obra-prima de roteiro, de vitalidade, de realismo. Maravilhoso!!!! Nota UM BILHÃO !!!!!!!!
MR NICE GUY de Samo Hung com Jackie Chan
Nosso Buster Keaton em boa aventura australiana. Jackie tem carisma, é engraçado e tem agilidade inacreditável. Este filme marca a volta de sua parceria com Hung, um mito na China. Bela diversão pop. Nota 6.
OS ETERNOS DESCONHECIDOS - MARIO MONICELLI
Lí o texto de André Barcinski sobre este filme e me deu vontade de o rever. Que belo presente de natal !
Filme amado por Woody Allen, Scorsese e por Soderbergh, narra a história de bando de miseráveis que armam um plano de assalto perfeito. O filme é então uma sátira aos milaborantes filmes de crime. Mas é muito mais. Porque não é nos erros que se faz o humor desta obra-prima, é no cotidiano desses tipos tão verdadeiros, nada excêntricos, e tão adoráveis.
Vittorio Gassman é o galã. Galo inflado, se vê como homem inteligente e belo. Marcello Mastroianni é um pai sensível, sempre às voltas com o bebe que chora. Renato Salvatori é um jovem malandro das ruas, apaixonado pela irmã de outro ladrão, a jovem Claudia Cardinale. O irmão, siciliano com rosto de eterna briga, um " tá olhando o que?" nos olhos, é hilário. Temos ainda as cenas na prisão, todas bufonas, italianadas, faiscantes.
Mais personagens surgem : o velhinho que passa o tempo a comer, e Totó, o grande gênio Totó, como o mestre de arrombamento de cofres, um pretensioso. Totó foi provávelmente o maior ator cômico do mundo ( e incluo Tati e Keaton nisso ). Seu rosto é obra de intuição de mestre.
Esse bando de perdedores faz o roubo e o que acontece então deixo para voces descobrirem. Basta que eu diga que o final é perfeito. Termina como devia terminar e termina em chave de surpresa.
Monicelli morreu aos 93 anos se jogando da janela do hospital. Riu por último. O mundo não terá outro igual. Para ele a vida era hilária por ser tosca, mal feita, sem razão.
Eu o chamo de mestre.
Filme amado por Woody Allen, Scorsese e por Soderbergh, narra a história de bando de miseráveis que armam um plano de assalto perfeito. O filme é então uma sátira aos milaborantes filmes de crime. Mas é muito mais. Porque não é nos erros que se faz o humor desta obra-prima, é no cotidiano desses tipos tão verdadeiros, nada excêntricos, e tão adoráveis.
Vittorio Gassman é o galã. Galo inflado, se vê como homem inteligente e belo. Marcello Mastroianni é um pai sensível, sempre às voltas com o bebe que chora. Renato Salvatori é um jovem malandro das ruas, apaixonado pela irmã de outro ladrão, a jovem Claudia Cardinale. O irmão, siciliano com rosto de eterna briga, um " tá olhando o que?" nos olhos, é hilário. Temos ainda as cenas na prisão, todas bufonas, italianadas, faiscantes.
Mais personagens surgem : o velhinho que passa o tempo a comer, e Totó, o grande gênio Totó, como o mestre de arrombamento de cofres, um pretensioso. Totó foi provávelmente o maior ator cômico do mundo ( e incluo Tati e Keaton nisso ). Seu rosto é obra de intuição de mestre.
Esse bando de perdedores faz o roubo e o que acontece então deixo para voces descobrirem. Basta que eu diga que o final é perfeito. Termina como devia terminar e termina em chave de surpresa.
Monicelli morreu aos 93 anos se jogando da janela do hospital. Riu por último. O mundo não terá outro igual. Para ele a vida era hilária por ser tosca, mal feita, sem razão.
Eu o chamo de mestre.
O INCRÍVEL EXÉRCITO DE BRANCALEONE - MARIO MONICELLI
BRANCA BRANCA...LEONE LEONE !
Carlos Rustichelli fez a maravilhosa trilha sonora. A música já instaura o riso. Voce nunca mais deixará de sorrir quando dela se recordar. A fotografia é de Carlo di Palma e o visual de Piero Gherardi. A Itália, em passado distante, teve os melhores técnicos do mundo.
Estamos na idade média, e em sua primeira cena o filme mostra o que era a violência ( covarde ) dos tais cavaleiros. Dois maltrapilhos ficam com documento de posse de feudo e encontram Brancaleone para ir com eles administrar essas terras. A aventura se faz. O filme, imensamente criativo, narra dúzias de peripécias, todas hilárias, todas encantadoras. É uma comédia, talvez a melhor já feita, mas é também uma das maiores aventuras filmadas. A grandeza da comédia de gênio é essa : fazer rir, mas acima de tudo, narrar uma história.
Vittorio Gassman, um gênio, cria esse bufão nobre. Seu Brancaleone é uma das maiores criações da história do cinema. Após dois minutos em cena já estamos apaixonados por ele. Brancaleone é idealista, sonhador, galante e muuuuito tolo. A voz que Gassman usa, a expressão do rosto, tudo traduz um ator de gênio em ação. Mas há mais...
Nada no filme força o humor. Monicelli não faz seus atores irem ao puro circo, ao absurdo. Ele não vende sua história por um riso. Sua meta é fazer um filme cômico, o riso virá com o filme e nunca às custas dele. Monicelli não humilha os atores, ele os ama, e ele ama seus brilhantes personagens.
Houve um tempo em que os melhores atores do mundo eram italianos. Personagens como o do velhinho judeu com sua arca são obras de ourivesaria. Não são só hilários, são reais.
Age, Scarpelli e Monicelli criaram esse roteiro que não pára nunca de surpreender. As aparições do monge fanático são das coisas mais brilhantes já escritas. Crítica à igreja com humor e com verdade. Peste, sarracenos, duelos, virgens, bizantinos, cruzadas, todo o universo medieval é aqui representado. E, susrpresa, com honestidade. O mundo que aqui vemos é de verdade, é a idade média real. Como disse, Monicelli não trai a arte pelo riso.
Em sua cena final, mágica, sentimos tristeza por termos de sair da companhia da Armada Brancaleone. E percebemos alí a função do humor : os personagens, absolutos párias, insistem em crer na vida, riem da desgraça, avançam rumo a aventura. E nós, pobres testemunhas, percebemos o que significa dançar e rir diante da morte. Monicelli era um gênio. Brancaleone é a maior comédia da história do cinema.
Carlos Rustichelli fez a maravilhosa trilha sonora. A música já instaura o riso. Voce nunca mais deixará de sorrir quando dela se recordar. A fotografia é de Carlo di Palma e o visual de Piero Gherardi. A Itália, em passado distante, teve os melhores técnicos do mundo.
Estamos na idade média, e em sua primeira cena o filme mostra o que era a violência ( covarde ) dos tais cavaleiros. Dois maltrapilhos ficam com documento de posse de feudo e encontram Brancaleone para ir com eles administrar essas terras. A aventura se faz. O filme, imensamente criativo, narra dúzias de peripécias, todas hilárias, todas encantadoras. É uma comédia, talvez a melhor já feita, mas é também uma das maiores aventuras filmadas. A grandeza da comédia de gênio é essa : fazer rir, mas acima de tudo, narrar uma história.
Vittorio Gassman, um gênio, cria esse bufão nobre. Seu Brancaleone é uma das maiores criações da história do cinema. Após dois minutos em cena já estamos apaixonados por ele. Brancaleone é idealista, sonhador, galante e muuuuito tolo. A voz que Gassman usa, a expressão do rosto, tudo traduz um ator de gênio em ação. Mas há mais...
Nada no filme força o humor. Monicelli não faz seus atores irem ao puro circo, ao absurdo. Ele não vende sua história por um riso. Sua meta é fazer um filme cômico, o riso virá com o filme e nunca às custas dele. Monicelli não humilha os atores, ele os ama, e ele ama seus brilhantes personagens.
Houve um tempo em que os melhores atores do mundo eram italianos. Personagens como o do velhinho judeu com sua arca são obras de ourivesaria. Não são só hilários, são reais.
Age, Scarpelli e Monicelli criaram esse roteiro que não pára nunca de surpreender. As aparições do monge fanático são das coisas mais brilhantes já escritas. Crítica à igreja com humor e com verdade. Peste, sarracenos, duelos, virgens, bizantinos, cruzadas, todo o universo medieval é aqui representado. E, susrpresa, com honestidade. O mundo que aqui vemos é de verdade, é a idade média real. Como disse, Monicelli não trai a arte pelo riso.
Em sua cena final, mágica, sentimos tristeza por termos de sair da companhia da Armada Brancaleone. E percebemos alí a função do humor : os personagens, absolutos párias, insistem em crer na vida, riem da desgraça, avançam rumo a aventura. E nós, pobres testemunhas, percebemos o que significa dançar e rir diante da morte. Monicelli era um gênio. Brancaleone é a maior comédia da história do cinema.
A CASA DAS BELAS ADORMECIDAS - KAWABATA
Um senhor muito respeitável. Visita casa onde adolescentes dormem com seus clientes. Dormem e oferecem seu corpo como templo de adoração. Sim, templo. O senhor, confuso em seu desejo soberbo, adora cada centimetro da pele explorada. O sexo se revela ato de beleza, de transcendencia, de veneração.
Esse homem jamais é analisado pelo autor. Nada o condena e nada o absolve. Estamos em universo que desconhece dogmas, sejam cristãos ou sejam freudianos. Ele deseja e adora religiosamente. O mundo se torna uma menina que dorme.
Sim, pois ela dorme. O que ele quer é um corpo inconsciente, objeto que se torna cosmo e portanto eterno. Sua relação não se dá entre velho e menina, é um contato de consciência que se sabe em seu final e pele jovem, clara, saudável, macia. Há muito de vampirismo.
Kawabata ganhou o Nobel de 1968. Sua escrita é nipônica em tudo. Cada palavra é um acorde de koto. Há delicadeza e ritual, mas há também a violência latente. Sexo e morte, seu mundo é apenas isso, sexo e morte ( apenas ? ).
Milagre : ele faz com que sintamos o que aquele senhor sente. Livro de sensualidade hipnótica. A pele da menina se torna o papel do livro. O cheiro dela é transportado em cada linha. Preto sobre branco, tinta e papel. Nós também a tocamos.
O livro explicita a diferença, imensa, entre erótico e pornográfico. Uma pequena jóia da escrita.
PS : Em mundo de imagem digital e de imediatismo urgente, só a pornografia é possível. Sem o toque do papel e a escrita feita com tinta sobre página clara, o sensualismo morre e a objetividade da pornografia impera.
Esse homem jamais é analisado pelo autor. Nada o condena e nada o absolve. Estamos em universo que desconhece dogmas, sejam cristãos ou sejam freudianos. Ele deseja e adora religiosamente. O mundo se torna uma menina que dorme.
Sim, pois ela dorme. O que ele quer é um corpo inconsciente, objeto que se torna cosmo e portanto eterno. Sua relação não se dá entre velho e menina, é um contato de consciência que se sabe em seu final e pele jovem, clara, saudável, macia. Há muito de vampirismo.
Kawabata ganhou o Nobel de 1968. Sua escrita é nipônica em tudo. Cada palavra é um acorde de koto. Há delicadeza e ritual, mas há também a violência latente. Sexo e morte, seu mundo é apenas isso, sexo e morte ( apenas ? ).
Milagre : ele faz com que sintamos o que aquele senhor sente. Livro de sensualidade hipnótica. A pele da menina se torna o papel do livro. O cheiro dela é transportado em cada linha. Preto sobre branco, tinta e papel. Nós também a tocamos.
O livro explicita a diferença, imensa, entre erótico e pornográfico. Uma pequena jóia da escrita.
PS : Em mundo de imagem digital e de imediatismo urgente, só a pornografia é possível. Sem o toque do papel e a escrita feita com tinta sobre página clara, o sensualismo morre e a objetividade da pornografia impera.
HERÓI - ZHANG YIMOU
E eles dançam diante da morte. Apuradamente eles se preparam para matar ou morrer. Cada gesto é refinamento de um pensamento perfeito. E o filme, obra-prima do cinema chinês, consegue ser aventura do corpo e saga de almas em busca dessa dança ao abismo.
Não falarei o óbvio: que o apuro visual remete a RAN de Kurosawa ( Ran é o mais belo filme colorido já feito ) ou que a luta marcial chinesa é hoje o único equivalente à maestria estética do grande musical americano de Astaire e Gene Kelly ( mas não só os dois ). E que o fato de que o musical vinha envolto em ingenuidade e comédia e o filme marcial vir envolto em sangue e morte exemplifica muito as diferenças entre as duas épocas.
Prefiro falar da saga desses heróis que se aprumam para morrer de modo estético e ético e que na cultura oriental ética e estética caminham sempre entrelaçadas.
Direi que o sonho está sempre presente e que sim, houve tempo em que um grande herói podia voar. Nós aprendemos a descrer disso e em ditadura da ciência é risivel levar a sério o heroísmo. Teorias sociológicas explicam grandes homens e seu ato se vê desmistificado. Mas o herói é diferente de nós, por mais que digam sermos todos iguais. Ele ousa onde eu recuo. Ele crê onde duvido. Ele segue firme onde me recolho.
Mira a morte. É o tigre na floresta.
Todas as cenas são de deslumbre para a vista e de concentração para a mente. Mas a luta de pensamentos em preto e branco humilha toda tentativa que outros filmes fazem de nos impactar com aviões, tiros e explosões. Tudo é de absoluta sutileza.
Há uma trilha sonora que é obra-prima de ritmo e de criação e somos absorvidos pelo andar filosófico deste gigantesco e muito simples espetáculo. Porque aqui chegamos ao coração da aventura : se dar a uma paixão e arriscar tudo por essa meta. Quando vemos um espadachim se exercitar na caligrafia estamos observando a alma afiar-se na antecipação do embate.
Terreno fértil para heróis é a terra que acredita naquilo que eles fazem/fizeram.
Agora tudo pede pelo tímido comodismo de quem pega tudo pronto. Mas os heróis nos aguardam, sua volta acontecerá, a urgência do trágico será recuperada um dia ( por poucos ) e a vida valerá aquilo que a faz ser nobre : o riso ao abismo. O salto dançarino à espada fria.
Não falarei o óbvio: que o apuro visual remete a RAN de Kurosawa ( Ran é o mais belo filme colorido já feito ) ou que a luta marcial chinesa é hoje o único equivalente à maestria estética do grande musical americano de Astaire e Gene Kelly ( mas não só os dois ). E que o fato de que o musical vinha envolto em ingenuidade e comédia e o filme marcial vir envolto em sangue e morte exemplifica muito as diferenças entre as duas épocas.
Prefiro falar da saga desses heróis que se aprumam para morrer de modo estético e ético e que na cultura oriental ética e estética caminham sempre entrelaçadas.
Direi que o sonho está sempre presente e que sim, houve tempo em que um grande herói podia voar. Nós aprendemos a descrer disso e em ditadura da ciência é risivel levar a sério o heroísmo. Teorias sociológicas explicam grandes homens e seu ato se vê desmistificado. Mas o herói é diferente de nós, por mais que digam sermos todos iguais. Ele ousa onde eu recuo. Ele crê onde duvido. Ele segue firme onde me recolho.
Mira a morte. É o tigre na floresta.
Todas as cenas são de deslumbre para a vista e de concentração para a mente. Mas a luta de pensamentos em preto e branco humilha toda tentativa que outros filmes fazem de nos impactar com aviões, tiros e explosões. Tudo é de absoluta sutileza.
Há uma trilha sonora que é obra-prima de ritmo e de criação e somos absorvidos pelo andar filosófico deste gigantesco e muito simples espetáculo. Porque aqui chegamos ao coração da aventura : se dar a uma paixão e arriscar tudo por essa meta. Quando vemos um espadachim se exercitar na caligrafia estamos observando a alma afiar-se na antecipação do embate.
Terreno fértil para heróis é a terra que acredita naquilo que eles fazem/fizeram.
Agora tudo pede pelo tímido comodismo de quem pega tudo pronto. Mas os heróis nos aguardam, sua volta acontecerá, a urgência do trágico será recuperada um dia ( por poucos ) e a vida valerá aquilo que a faz ser nobre : o riso ao abismo. O salto dançarino à espada fria.
AMY WINEHOUSE e LUIZ FELIPE PONDÉ
Cito texto da revista Serafina de domingo: ( escrito por Luiz Felipe Pondé )
E Amy não faz ridiculo de boazinha, coisa rara na cultura dominada pela breguice.
...haja saco para roqueiros que cantam em nome de um mundo melhor.
A imagem de astros pop morrendo de overdose nos anos 60/70 fazia parte da ética contra o sistema. De lá para cá a caretice de se preocupar com o corpo tomou conta do mundo. E artista bonzinho é artista fraquinho.
Não é que se morrer de overdose voce é talentoso. Pode ser apenas mais um idiota da fila.
A virtude básica da tragédia é a coragem de viver sabendo-se amaldiçoado pela finitude e pela falha trágica, ou seja, a desmedida ( hybris, em grego antigo ). A desmedida é o passo que leva o herói a maldição, o exagero passional, a revolta diante do destino.
Estamos todos condenados a gargalhada da morte. A DIFERENÇA É QUEM RI DE VOLTA PRA ELA, DANÇANDO OU QUEM CHORA DE MEDO.
Por isso Nietzsche dizia que o que move a vida da maioria é o RESSENTIMENTO DIANTE DA GARGALHADA DA MORTE QUE NOS HUMILHA.
Aristóteles já dizia que o terror trágico ( a desmedida, o desespero, a morte ) que toma conta dos heróis nas tragédias gregas, nos contamina e nos ENLOUQUECE DE PAIXÃO ( pathos ) por eles. Mas por que ?
SIMPLESMENTE PORQUE ELES NÃO PARECEM TER MEDO COMO NÓS.
Magnífico e simples este texto.
Escrevi sómente alguns trechos. O que acrescentar ?
Poderia dizer que o herói vive por nós aquilo que ansiamos mas tememos viver. Poderia ainda acrescentar que a morte nos humilha por sempre vencer no final, ela está invicta nessa competição.
Pois até Cristo teve de se submeter a ela ( e vencer na prorrogação ).
A desmedida é a medida do herói. E penso que o grande talento sem a desmedida poderá ser genial, mas jamais um herói. É a diferença entre Henry James e Tolstoi. Entre Shelley e Wordsworth.
Rir de volta e dançar diante da morte. Equilibrar-se no abismo. É essa a imagem dos melhores westerns. Brincar com o terror, bailar diante dos tiros, sorrir ao inimigo.
Nada define melhor a condição humana : o que dança ( Zorba ) e o que assustado e acovardado empurra canetas, digita besteiras, ou muito pior, ri daquele que ousa o desmedido.
Fica claro então que aquele que zomba do herói trágico, do apaixonado radical, do dançarino no abismo, aquele que zomba por medo, por rancor, por covarde despeito, esse se coloca ao lado da morte, no time do cinza sem vida, e é irônico que por covardia diante da morte esse tolo bunda mole opte por ser um semeador de coisas mortas.
Nada define melhor para onde caminhamos.
PS: Tão necessário quanto ouvir Amy Winehouse é ler a bio de Patti Smith. Tudo o que faz da vida ato de desafio está lá escrito.
E Amy não faz ridiculo de boazinha, coisa rara na cultura dominada pela breguice.
...haja saco para roqueiros que cantam em nome de um mundo melhor.
A imagem de astros pop morrendo de overdose nos anos 60/70 fazia parte da ética contra o sistema. De lá para cá a caretice de se preocupar com o corpo tomou conta do mundo. E artista bonzinho é artista fraquinho.
Não é que se morrer de overdose voce é talentoso. Pode ser apenas mais um idiota da fila.
A virtude básica da tragédia é a coragem de viver sabendo-se amaldiçoado pela finitude e pela falha trágica, ou seja, a desmedida ( hybris, em grego antigo ). A desmedida é o passo que leva o herói a maldição, o exagero passional, a revolta diante do destino.
Estamos todos condenados a gargalhada da morte. A DIFERENÇA É QUEM RI DE VOLTA PRA ELA, DANÇANDO OU QUEM CHORA DE MEDO.
Por isso Nietzsche dizia que o que move a vida da maioria é o RESSENTIMENTO DIANTE DA GARGALHADA DA MORTE QUE NOS HUMILHA.
Aristóteles já dizia que o terror trágico ( a desmedida, o desespero, a morte ) que toma conta dos heróis nas tragédias gregas, nos contamina e nos ENLOUQUECE DE PAIXÃO ( pathos ) por eles. Mas por que ?
SIMPLESMENTE PORQUE ELES NÃO PARECEM TER MEDO COMO NÓS.
Magnífico e simples este texto.
Escrevi sómente alguns trechos. O que acrescentar ?
Poderia dizer que o herói vive por nós aquilo que ansiamos mas tememos viver. Poderia ainda acrescentar que a morte nos humilha por sempre vencer no final, ela está invicta nessa competição.
Pois até Cristo teve de se submeter a ela ( e vencer na prorrogação ).
A desmedida é a medida do herói. E penso que o grande talento sem a desmedida poderá ser genial, mas jamais um herói. É a diferença entre Henry James e Tolstoi. Entre Shelley e Wordsworth.
Rir de volta e dançar diante da morte. Equilibrar-se no abismo. É essa a imagem dos melhores westerns. Brincar com o terror, bailar diante dos tiros, sorrir ao inimigo.
Nada define melhor a condição humana : o que dança ( Zorba ) e o que assustado e acovardado empurra canetas, digita besteiras, ou muito pior, ri daquele que ousa o desmedido.
Fica claro então que aquele que zomba do herói trágico, do apaixonado radical, do dançarino no abismo, aquele que zomba por medo, por rancor, por covarde despeito, esse se coloca ao lado da morte, no time do cinza sem vida, e é irônico que por covardia diante da morte esse tolo bunda mole opte por ser um semeador de coisas mortas.
Nada define melhor para onde caminhamos.
PS: Tão necessário quanto ouvir Amy Winehouse é ler a bio de Patti Smith. Tudo o que faz da vida ato de desafio está lá escrito.
THE JEAN GENNIE - DO CARA MAIS INFLUENTE DE TODO O ROCK
Vamos e venhamos, para um cara do Brasil, de 11 anos de idade, que estava acostumado a Beatles, Monkees e Elton John, ver Bowie na tela cantando Jean Gennie foi uma coisa decisiva.
Nelson Motta apresentou a nova sensação inglesa "bem louca, bicho", um tal de David Bowie e suas Aranhas de Marte. E tava lá, na tela ( e tudo o que veio depois, de Sex Pistols a Boy George, de Lady Gaga a Freddie Mercury, de Johnny Greenwood a Damon Albarn e Paul Weller bebe na fonte pinky de Bowie ), tava lá na tela aquele rosto maquiado com unhas pintadas de preto e aquele cabelo orange com calças de prata e botas plataforma.
Mas não era tudo jeans e cabelão sujo ???????
Mas não era tudo radicalismo politico ( Lennon, Dylan ) ou pop fofo ( Elton, Paul ) ?
Esse tal de Bowie não era nada disso. Não era de esquerda e não era pop. Ele era um "artista". Bowie pegava ( foi o primeiro a fazer isso ) um monte de coisas que não eram rock ( pintura, dadaismo, fotografia, existencialismo ) e misturava no pop/rock.
Ele era tudo menos roqueiro. Foi pioneiro nisso. Com ele morre o blue jeans.
Mas na época eu não sabia nem o que era homossexual, o que era glitter ou o que fosse distanciamento brechtiniano. O que eu sabia é que o cara era muito diferente de tudo, novo, divertido, que Mick Ronson tocava uma guitarra do caraca e que o clip, com cenas de Angie Bowie na rua me enfeitiçava.
Me apaixonei por ela. ( Angie era bonita então ). O diretor do video era Mick Rock.
Depois disso nada nunca mais foi como era antes.
( E eu estava a anos luz de saber que a tal de Jean Gennie era Iggy Pop ! )
Bowie é o cara.
Nelson Motta apresentou a nova sensação inglesa "bem louca, bicho", um tal de David Bowie e suas Aranhas de Marte. E tava lá, na tela ( e tudo o que veio depois, de Sex Pistols a Boy George, de Lady Gaga a Freddie Mercury, de Johnny Greenwood a Damon Albarn e Paul Weller bebe na fonte pinky de Bowie ), tava lá na tela aquele rosto maquiado com unhas pintadas de preto e aquele cabelo orange com calças de prata e botas plataforma.
Mas não era tudo jeans e cabelão sujo ???????
Mas não era tudo radicalismo politico ( Lennon, Dylan ) ou pop fofo ( Elton, Paul ) ?
Esse tal de Bowie não era nada disso. Não era de esquerda e não era pop. Ele era um "artista". Bowie pegava ( foi o primeiro a fazer isso ) um monte de coisas que não eram rock ( pintura, dadaismo, fotografia, existencialismo ) e misturava no pop/rock.
Ele era tudo menos roqueiro. Foi pioneiro nisso. Com ele morre o blue jeans.
Mas na época eu não sabia nem o que era homossexual, o que era glitter ou o que fosse distanciamento brechtiniano. O que eu sabia é que o cara era muito diferente de tudo, novo, divertido, que Mick Ronson tocava uma guitarra do caraca e que o clip, com cenas de Angie Bowie na rua me enfeitiçava.
Me apaixonei por ela. ( Angie era bonita então ). O diretor do video era Mick Rock.
Depois disso nada nunca mais foi como era antes.
( E eu estava a anos luz de saber que a tal de Jean Gennie era Iggy Pop ! )
Bowie é o cara.
THE GOOD, THE BAD, THE WEIRD- KIM JEE-WOON
1967.
Como diz Keith Richards em sua hilariante biografia, foi em 67 que tudo se definiu. Os moldes se criaram. E em 1967 todo cinéfilo se dividiu entre WEEK-END de Godard e BONNIE E CLYDE de Arthur Penn. E ainda havia Mike Nichols com A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM e Antonioni com BLOW-UP. Filmes que criaram os nichos onde os diretores pretensiosos se instalam até agora. Godard e Antonioni criando o filme "não entendi nada", Nichols dando ao mundo o primeiro filme de "adolescente nerd gracinha" e Penn o filme de "ação com cérebro".
Pouca gente em 1967 notou que o grande sucesso popular daquele ano, THE GOOD THE BAD THE UGLY de Sergio Leone, era possivelmente o melhor filme. Não só o melhor, mas sim o mais atemporal.
2008.
Toda uma geração de cinéfilos jovens cultua o filme de Leone. A obra desse italiano genial é estudada, copiada, citada, amada, divulgada. E cria-se uma certeza, a de que existem dois tipos de cinéfilos : os que amam Leone e os que apenas adoram Leone.
2010.
Cineastas, muitos, principalmente na América, continuam a estudar Godard. E Penn, Nichols, mas não Antonioni, que continua restrito a Europa. Mas eles copiam principalmente Leone.
E Leone idolatrava Kurosawa.
Fecha-se o circuito. O oriente olha para a obra do italiano. E vem esta homenagem. Este filme coreano, este espetáculo.
A corrida atrás de um mapa. Sangue e algum humor. Kim Jee-Woon não tem o dom de poesia que Leone tinha. Mas este não é um século poético. Este filme chupa o sangue do filme de 67, mas é um filme absolutamente de hoje, de agora, já!
O cinema americano está cansado. Mesmo quando surge um grande filme, há uma sensação geral de que ele pode ser o último, ou pior, a de que foi um acaso. A linha histórica de grandes obras e grandes mestres foi desfeita. O cinema ocidental não requer mais grandes cérebros originais. Ele pede grandes comunicadores. O que é beeeem diferente. O que importa é vender seu produto, mesmo que ele pareça anti-comercial ( só pareça ).
No oriente existe a vitalidade. Lá ainda se crê na festa que o cinema é. Ainda se tem a sensação de que HÁ MUITO POR SE FAZER. Os roteiros não têm medo. Vão fundo no ridiculo, na farsa, no pastiche e em outro extremo, no hermético. Seja China, Japão, Coréia, Irã ou Tailandia, o cinema do oriente corre riscos, propõe exageros, vai além da pasmaceira. Tem cor, ainda.
Este filme é uma festa. Deixaria o Spielberg de 1981, deixaria o Tarantino de agora, extasiados. Seu único defeito é a trilha sonora terrível. Mas ele tem tanta ação, criatividade, suspense, cor, ritmo, inteligencia, arrojo, que nos sentimos como em festa, festa de cinema.
Vejo que ele faz parte do livro 1001 FILMES PARA SE VER ANTES DE MORRER. E foi enorme sucesso na Europa e Ásia. Kim Jee-Woon. Guarde esse nome. O cara sabe tudo....
Como diz Keith Richards em sua hilariante biografia, foi em 67 que tudo se definiu. Os moldes se criaram. E em 1967 todo cinéfilo se dividiu entre WEEK-END de Godard e BONNIE E CLYDE de Arthur Penn. E ainda havia Mike Nichols com A PRIMEIRA NOITE DE UM HOMEM e Antonioni com BLOW-UP. Filmes que criaram os nichos onde os diretores pretensiosos se instalam até agora. Godard e Antonioni criando o filme "não entendi nada", Nichols dando ao mundo o primeiro filme de "adolescente nerd gracinha" e Penn o filme de "ação com cérebro".
Pouca gente em 1967 notou que o grande sucesso popular daquele ano, THE GOOD THE BAD THE UGLY de Sergio Leone, era possivelmente o melhor filme. Não só o melhor, mas sim o mais atemporal.
2008.
Toda uma geração de cinéfilos jovens cultua o filme de Leone. A obra desse italiano genial é estudada, copiada, citada, amada, divulgada. E cria-se uma certeza, a de que existem dois tipos de cinéfilos : os que amam Leone e os que apenas adoram Leone.
2010.
Cineastas, muitos, principalmente na América, continuam a estudar Godard. E Penn, Nichols, mas não Antonioni, que continua restrito a Europa. Mas eles copiam principalmente Leone.
E Leone idolatrava Kurosawa.
Fecha-se o circuito. O oriente olha para a obra do italiano. E vem esta homenagem. Este filme coreano, este espetáculo.
A corrida atrás de um mapa. Sangue e algum humor. Kim Jee-Woon não tem o dom de poesia que Leone tinha. Mas este não é um século poético. Este filme chupa o sangue do filme de 67, mas é um filme absolutamente de hoje, de agora, já!
O cinema americano está cansado. Mesmo quando surge um grande filme, há uma sensação geral de que ele pode ser o último, ou pior, a de que foi um acaso. A linha histórica de grandes obras e grandes mestres foi desfeita. O cinema ocidental não requer mais grandes cérebros originais. Ele pede grandes comunicadores. O que é beeeem diferente. O que importa é vender seu produto, mesmo que ele pareça anti-comercial ( só pareça ).
No oriente existe a vitalidade. Lá ainda se crê na festa que o cinema é. Ainda se tem a sensação de que HÁ MUITO POR SE FAZER. Os roteiros não têm medo. Vão fundo no ridiculo, na farsa, no pastiche e em outro extremo, no hermético. Seja China, Japão, Coréia, Irã ou Tailandia, o cinema do oriente corre riscos, propõe exageros, vai além da pasmaceira. Tem cor, ainda.
Este filme é uma festa. Deixaria o Spielberg de 1981, deixaria o Tarantino de agora, extasiados. Seu único defeito é a trilha sonora terrível. Mas ele tem tanta ação, criatividade, suspense, cor, ritmo, inteligencia, arrojo, que nos sentimos como em festa, festa de cinema.
Vejo que ele faz parte do livro 1001 FILMES PARA SE VER ANTES DE MORRER. E foi enorme sucesso na Europa e Ásia. Kim Jee-Woon. Guarde esse nome. O cara sabe tudo....
QUANTO EU DEVO A BLAKE EDWARDS....
Eu devo a ele minha comédia favorita. Sei que não é a melhor ( a melhor é Levada da Breca, de Hawks ) mas é o filme que mais me fez rir. Essa comédia é UM TIRO NO ESCURO, que balançou a crença que eu tinha aos 18 anos de que filme "bom" era filme dificil. Arte só podia existir em Antonioni, Bunuel, Bergman e que tais. Mas numa noite de sábado, deprimido, assisto a Peter Sellers criar um personagem eternamente vivo, ouço Henri Mancini com sua trilha sonora de gênio e vejo Edwards orquestrar tudo isso. Foi uma madrugada que jamais esqueci. Minha visão de cinema começou a mudar e me coloquei uma questão que coloco até hoje : o que Blake Edwards tem de menos que John Cassavettes ou que Fassbinder ? Pretensão talvez.
Mas o mundo não mudou. Hoje continua a se pensar que genial é aquilo que se parece com aula ou com museu. Na Itália da época se cultuava Elio Petri, Mauro Bolognini e Francesco Rossi. Mas Monicelli era "apenas" um diretor de comédias. Nos USA se cultuava Martin Ritt, Franklyn Schaffner e Arthur Penn, mas não Blake Edwards. Porque amamos tanto quem nos faz rir, mas só damos valor intelectual a quem nos faz sofrer ? A quem parece sério e só fala de temas sérios com sisudez ? Não é muito mais nobre rir da seriedade ? Arrancar risos da tragédia, sem negá-la ?
Blake fez vários filmes ruins. E até alguns muito ruins. Mas tem seis grandes filmes. E desses, os que mais gosto, além do Tiro no Escuro, são O CONVIDADO BEM TRAPALHÃO, VITOR OU VITÓRIA ( um dos melhores filmes dos anos 80 ) e BREAKFAT AT TIFFANYS, o filme mais lembrado do ícone Audrey Hepburn.
Ele tinha classe, tinha gosto e sabia ser ácido. Se une a Keaton, Chaplin, Hawks, Mel Brooks, Chuck Jones, John Landis, Steve Martin, como aqueles caras que deveriam ter tido muuuuuito mais reconhecimento por Oscars, Cannes, Veneza e etc.
Ou talvez não. Talvez ninguém seja mais reconhecido que Chaplin, Groucho, Eddie Murphy, Tati ou René Clair. Talvez os prêmios sejam apenas consolo para aqueles que não conseguem ter o amor popular que gente como Jerry Lewis ou os Monty Python sempre tiveram/têm.
Pois por mais que eu admire Ingmar Bergman e Godard, é para atores/diretores que me fizeram rir que dirijo meu afeto. Para aqueles que consolaram minhas deprês, que aliviaram minha dor e que restauraram a minha fé na vida.
E para gente como essa, todo o amor lhes é devido.
Mas o mundo não mudou. Hoje continua a se pensar que genial é aquilo que se parece com aula ou com museu. Na Itália da época se cultuava Elio Petri, Mauro Bolognini e Francesco Rossi. Mas Monicelli era "apenas" um diretor de comédias. Nos USA se cultuava Martin Ritt, Franklyn Schaffner e Arthur Penn, mas não Blake Edwards. Porque amamos tanto quem nos faz rir, mas só damos valor intelectual a quem nos faz sofrer ? A quem parece sério e só fala de temas sérios com sisudez ? Não é muito mais nobre rir da seriedade ? Arrancar risos da tragédia, sem negá-la ?
Blake fez vários filmes ruins. E até alguns muito ruins. Mas tem seis grandes filmes. E desses, os que mais gosto, além do Tiro no Escuro, são O CONVIDADO BEM TRAPALHÃO, VITOR OU VITÓRIA ( um dos melhores filmes dos anos 80 ) e BREAKFAT AT TIFFANYS, o filme mais lembrado do ícone Audrey Hepburn.
Ele tinha classe, tinha gosto e sabia ser ácido. Se une a Keaton, Chaplin, Hawks, Mel Brooks, Chuck Jones, John Landis, Steve Martin, como aqueles caras que deveriam ter tido muuuuuito mais reconhecimento por Oscars, Cannes, Veneza e etc.
Ou talvez não. Talvez ninguém seja mais reconhecido que Chaplin, Groucho, Eddie Murphy, Tati ou René Clair. Talvez os prêmios sejam apenas consolo para aqueles que não conseguem ter o amor popular que gente como Jerry Lewis ou os Monty Python sempre tiveram/têm.
Pois por mais que eu admire Ingmar Bergman e Godard, é para atores/diretores que me fizeram rir que dirijo meu afeto. Para aqueles que consolaram minhas deprês, que aliviaram minha dor e que restauraram a minha fé na vida.
E para gente como essa, todo o amor lhes é devido.
ASSIM FALOU ZARATUSTRA - NIETZSCHE
Viver na corda sobre o abismo, como um bailarino, e ser odiado por ser só. Obedecer ao corpo e só ao seu corpo. E viver na pura verdade, a verdade da vontade. Eu sou meu corpo e é só com ele que vivo.
Nietzsche prega no deserto. Não sei se ele foi um dia entendido. Penso que ele não o queria.
Na ponta da corda, o animal, na outra ponta, o super-homem, fora da corda e longe do abismo, o rebanho, o homem sem individualidade.
Volta a Terra. O segredo do filósofo-poeta : o homem como ser-Terra. A vida é carne, a vida acontece agora, a vida é o sol. Quanto mais distantes da Terra/Mãe mais distantes da vida. Daí o fato de se ser só : desenvolver a individualidade ao máximo.
Igreja e Politica, as forças que fazem do homem apenas mais um, um fraco em meio a seus senhores. Igreja e Politica, véus que disfarçam as cores reais da vida.
( Para Nietzsche seria cômico um bando de ateus se unirem e fazer propaganda de seu ateísmo. Ser ateu é ter a coragem de ser só, de não precisar de companheiros de rebanho. Unir ateus em "fé" ao ateísmo é criar nova igreja. )
Como ele pensaria em Marxismo, Freudianismo, Darwinismo, Jungismo, existencialismo, como novas igrejas, com seus dogmas e seus fiéis dizendo amém.
A corda sobre o abismo. Colocar-se em prova. O SuperMan.
O homem precisa ir além, o homem precisa despir-se de toda ilusão, o homem precisa caminhar ao deserto. Para Nietzsche não existe a comunhão e esse foi seu grande erro : a vida acontece na Terra, sim, mas o SuperMan se completa no outro. O ódio de Nietzsche ao cristianismo fez com que ele ignorasse a suprema originalidade da fé cristã : amor. O filósofo alemão é incapaz de entender o amor.
Mas ele é muito atual ao dizer que o homem fraco abomina a Terra. Para esse ser, tudo o que é natural lhe é intolerável. A própria visão da corda sobre o abismo lhe é insuportável. Então, esse subHomem, pequeno e rancoroso, fará a sabotagem da vida, tentará negar a vida e destruirá a Terra. Fugirá da força titânica que é o fogo e o sangue da vida.
Há em Nietzsche a terrível nostalgia do paganismo. Nascido no mais racional dos séculos ( XIX ) houvesse nascido 40 anos depois, seria Friedrich colega de Hesse, Lawrence e Huxley, percorreria mais livremente o caminho do paganismo, provávelmente teria experiências alucinógenas e talvez vivesse bem mais. Mas no meio do século em que viveu, pensar na força pagã, em Dionisio, era viver sempre só.
O livro é poema que aspira a filsofia. E é filsofia que é poema. Biblia do século que nasceria com sua morte.
Continuamos sobre o abismo. E ele diz : Não olhe para baixo e nem para trás. Não anteveja o futuro. Caminhe rumo ao UberMann, o Homem sobre-humano, o ser que é todo Terra, que é todo de verdade, sem ilusão, de olhos claros e de gestos firmes. Não se lamenta, faz. Dono da alegria soberba de se saber vivo.
Ler este livro aos 15 anos é detestar para sempre tudo o que signifique "ser parte de um rebanho".
Ps: agora sim Laerte. Sua última opinião é ok.
Nietzsche prega no deserto. Não sei se ele foi um dia entendido. Penso que ele não o queria.
Na ponta da corda, o animal, na outra ponta, o super-homem, fora da corda e longe do abismo, o rebanho, o homem sem individualidade.
Volta a Terra. O segredo do filósofo-poeta : o homem como ser-Terra. A vida é carne, a vida acontece agora, a vida é o sol. Quanto mais distantes da Terra/Mãe mais distantes da vida. Daí o fato de se ser só : desenvolver a individualidade ao máximo.
Igreja e Politica, as forças que fazem do homem apenas mais um, um fraco em meio a seus senhores. Igreja e Politica, véus que disfarçam as cores reais da vida.
( Para Nietzsche seria cômico um bando de ateus se unirem e fazer propaganda de seu ateísmo. Ser ateu é ter a coragem de ser só, de não precisar de companheiros de rebanho. Unir ateus em "fé" ao ateísmo é criar nova igreja. )
Como ele pensaria em Marxismo, Freudianismo, Darwinismo, Jungismo, existencialismo, como novas igrejas, com seus dogmas e seus fiéis dizendo amém.
A corda sobre o abismo. Colocar-se em prova. O SuperMan.
O homem precisa ir além, o homem precisa despir-se de toda ilusão, o homem precisa caminhar ao deserto. Para Nietzsche não existe a comunhão e esse foi seu grande erro : a vida acontece na Terra, sim, mas o SuperMan se completa no outro. O ódio de Nietzsche ao cristianismo fez com que ele ignorasse a suprema originalidade da fé cristã : amor. O filósofo alemão é incapaz de entender o amor.
Mas ele é muito atual ao dizer que o homem fraco abomina a Terra. Para esse ser, tudo o que é natural lhe é intolerável. A própria visão da corda sobre o abismo lhe é insuportável. Então, esse subHomem, pequeno e rancoroso, fará a sabotagem da vida, tentará negar a vida e destruirá a Terra. Fugirá da força titânica que é o fogo e o sangue da vida.
Há em Nietzsche a terrível nostalgia do paganismo. Nascido no mais racional dos séculos ( XIX ) houvesse nascido 40 anos depois, seria Friedrich colega de Hesse, Lawrence e Huxley, percorreria mais livremente o caminho do paganismo, provávelmente teria experiências alucinógenas e talvez vivesse bem mais. Mas no meio do século em que viveu, pensar na força pagã, em Dionisio, era viver sempre só.
O livro é poema que aspira a filsofia. E é filsofia que é poema. Biblia do século que nasceria com sua morte.
Continuamos sobre o abismo. E ele diz : Não olhe para baixo e nem para trás. Não anteveja o futuro. Caminhe rumo ao UberMann, o Homem sobre-humano, o ser que é todo Terra, que é todo de verdade, sem ilusão, de olhos claros e de gestos firmes. Não se lamenta, faz. Dono da alegria soberba de se saber vivo.
Ler este livro aos 15 anos é detestar para sempre tudo o que signifique "ser parte de um rebanho".
Ps: agora sim Laerte. Sua última opinião é ok.
CLIVE OWEN/ JET LI/ ERROL FLYNN/ JOHN WAYNE/ BILL MURRAY
MANDANDO BALA de Michael Davis com Clive Owen, Paul Giamati e Monica Bellucci
Tiros e tiros e tiros. Sem socos ou pontapés. Sobre um cara de mal-humor que protege um recèm-nascido de pessoas que querem o matar. É milésima homenagem a Fervura Máxima de John Woo ( talvez o filme de ação mais importante dos anos 90 ). Me incomoda essa mania atual de assexualizar tudo. Podemos ver sangue e tripas a vontade, mas nas duas cenas de sexo os atores estão vestidos!!!! Pelo jeito sexo é mais "pecado" que violência.... Mas o filme é legal. Acaba sendo um Robert Rodriguez à inglesa, ou seja, menos caliente. Clive é muito bom para esse tipo de papel e Davis tem ritmo e humor, o filme na verdade é uma comédia. Fracasso de bilheteria ( porque será ? ), é pura diversão escapista. Várias vezes recordei o cinema mudo. Malabarismos visuais, truques de imagem e diálogos irrelevantes. Quem poderá negar ser esta a verdadeira alma do cinema ? O filme de ação não seria o tal cinema puro, livre de diálogos teatrais e de afetações literárias ? Pois um filme como este só pode ser cinema : ele é inviável sobre um palco e impossível como romance. É este pensamento que expresso aqui que explica a grandeza de Hawks ou Ford, filmes que são cinema puro, obras que só podem existir como luz e ação. Este filme, divertidíssimo é sim bom cinema. Nota 7.
ROBIN HOOD de Michael Curtiz com Errol Flynn, Olivia de Havilland e Claude Rains
Versão definitiva do mito. Curtiz é o diretor de Casablanca. O filme, em explendoroso colorido, é bastante infantil. Robin é uma criança alegre. Deve-se assisti-lo como se assiste um cartoon da Disney. Flynn está perfeito: belo, sorridente, atlético. Ele e Olivia formavam um casal perfeito, ela era a pura lady esperta. Longe de ser o melhor filme de Errol, dá pra se ver. Nota 6.
O BEIJO DO DRAGÃO de Chris Nahun com Jet Li
Produção de Luc Besson. Ou seja, Paris como um inferno, fumaça saindo de bueiros, um vilão psicótico, tolices sem fim. A violência chega a ser revoltante. Para que tanta pornografia ? Jet Li tem pouco carisma, mas luta bem. Há cenas de bela coreografia. Mas o enredo é tolo demais, bastaria uma ida a embaixada e tudo se resolveria ! Nota 5.
ROMEU TEM DE MORRER produção de Joel Silver com Jet Li, Bridget Fonda, Burt Kuwok
Aqui quem produz é Silver, o cara de Matrix. Portanto, lutas chinesas e fotografia com sombras. Mas é um filme chato. O herói é muito fraco e os vilões são pouco ruins. Nota 2.
AS AVENTURAS DE DON JUAN de Victor Sherman com Errol Flynn e Viveca Lindfors
Na primeira parte, pura chanchada, o filme é delicioso. Juan é um conquistador compulsivo, irônico, meio decadente. Flynn dá um show de humor. Mas então ele se torna inconvincente aventura séria e Juan transforma-se num chato apaixonado. Uma pena. Nota 5.
BIG JAKE de George Sherman com John Wayne e Maureen O'Hara
É um dos últimos filmes de Wayne. Veterano, ele brinca com sua idade na história de um pai que volta ao lar para salvar neto que foi raptado. Os filhos vão com ele. Wayne cativa com seu carisma gigantesco, mas o roteiro ( dos autores de Dirty Harry ) se perde, não tem ritmo ou suspense. Vale só pelo velho Duke. Nota 4.
13 de Gela Babluani
Penso que fazer um filme de arte ruim é sempre mais fácil que fazer uma comédia ou uma aventura ruim. Eis aqui um filme cheio de "arte". Fotografia cinzenta, personagens deprimidos, ação lenta, falas enigmáticas. E, é claro, história contada de trás pra frente. Sobre pessoas fracassadas que são convocadas para roleta russa. Lixo da pior espécie, talvez seja o mais medíocre filme que já assisti. Nota muito muito ZERO !!!!!!!!
GHOSTBUSTERS de Ivan Reitman com Bill Murray, Sigourney Weaver, Dan Aykroyd, Harold Ramis, Rick Moranis, Annie Potts
Murray está preguiçoso, cool, sujo e irônico. Dan faz o seu tipo nervoso, Weaver está belíssima e Ramis é o nerd. Ainda tem Moranis como o bobalhão e um fantasma que vive no freezer. Que mais voce pode querer ? Porque a comédia é tão pouco levada a sério ? Por não parecer nobre ? Ivan Reitman é pior que seu filho Jason ? Após um filme como 13, assistir os Caça Fantasmas é uma dádiva. Se os efeitos ruins hoje incomodam, os atores nos entregam presentes e jóias de satisfação. Um filme que dignifica o cinema popular. Nota 8.
GHOSTBUSTERS II
Mesma equipe, quatro anos depois. O sucesso de bilheteria foi ainda maior, mas o filme é pior. Chega a ser chato. Nota 4.
Tiros e tiros e tiros. Sem socos ou pontapés. Sobre um cara de mal-humor que protege um recèm-nascido de pessoas que querem o matar. É milésima homenagem a Fervura Máxima de John Woo ( talvez o filme de ação mais importante dos anos 90 ). Me incomoda essa mania atual de assexualizar tudo. Podemos ver sangue e tripas a vontade, mas nas duas cenas de sexo os atores estão vestidos!!!! Pelo jeito sexo é mais "pecado" que violência.... Mas o filme é legal. Acaba sendo um Robert Rodriguez à inglesa, ou seja, menos caliente. Clive é muito bom para esse tipo de papel e Davis tem ritmo e humor, o filme na verdade é uma comédia. Fracasso de bilheteria ( porque será ? ), é pura diversão escapista. Várias vezes recordei o cinema mudo. Malabarismos visuais, truques de imagem e diálogos irrelevantes. Quem poderá negar ser esta a verdadeira alma do cinema ? O filme de ação não seria o tal cinema puro, livre de diálogos teatrais e de afetações literárias ? Pois um filme como este só pode ser cinema : ele é inviável sobre um palco e impossível como romance. É este pensamento que expresso aqui que explica a grandeza de Hawks ou Ford, filmes que são cinema puro, obras que só podem existir como luz e ação. Este filme, divertidíssimo é sim bom cinema. Nota 7.
ROBIN HOOD de Michael Curtiz com Errol Flynn, Olivia de Havilland e Claude Rains
Versão definitiva do mito. Curtiz é o diretor de Casablanca. O filme, em explendoroso colorido, é bastante infantil. Robin é uma criança alegre. Deve-se assisti-lo como se assiste um cartoon da Disney. Flynn está perfeito: belo, sorridente, atlético. Ele e Olivia formavam um casal perfeito, ela era a pura lady esperta. Longe de ser o melhor filme de Errol, dá pra se ver. Nota 6.
O BEIJO DO DRAGÃO de Chris Nahun com Jet Li
Produção de Luc Besson. Ou seja, Paris como um inferno, fumaça saindo de bueiros, um vilão psicótico, tolices sem fim. A violência chega a ser revoltante. Para que tanta pornografia ? Jet Li tem pouco carisma, mas luta bem. Há cenas de bela coreografia. Mas o enredo é tolo demais, bastaria uma ida a embaixada e tudo se resolveria ! Nota 5.
ROMEU TEM DE MORRER produção de Joel Silver com Jet Li, Bridget Fonda, Burt Kuwok
Aqui quem produz é Silver, o cara de Matrix. Portanto, lutas chinesas e fotografia com sombras. Mas é um filme chato. O herói é muito fraco e os vilões são pouco ruins. Nota 2.
AS AVENTURAS DE DON JUAN de Victor Sherman com Errol Flynn e Viveca Lindfors
Na primeira parte, pura chanchada, o filme é delicioso. Juan é um conquistador compulsivo, irônico, meio decadente. Flynn dá um show de humor. Mas então ele se torna inconvincente aventura séria e Juan transforma-se num chato apaixonado. Uma pena. Nota 5.
BIG JAKE de George Sherman com John Wayne e Maureen O'Hara
É um dos últimos filmes de Wayne. Veterano, ele brinca com sua idade na história de um pai que volta ao lar para salvar neto que foi raptado. Os filhos vão com ele. Wayne cativa com seu carisma gigantesco, mas o roteiro ( dos autores de Dirty Harry ) se perde, não tem ritmo ou suspense. Vale só pelo velho Duke. Nota 4.
13 de Gela Babluani
Penso que fazer um filme de arte ruim é sempre mais fácil que fazer uma comédia ou uma aventura ruim. Eis aqui um filme cheio de "arte". Fotografia cinzenta, personagens deprimidos, ação lenta, falas enigmáticas. E, é claro, história contada de trás pra frente. Sobre pessoas fracassadas que são convocadas para roleta russa. Lixo da pior espécie, talvez seja o mais medíocre filme que já assisti. Nota muito muito ZERO !!!!!!!!
GHOSTBUSTERS de Ivan Reitman com Bill Murray, Sigourney Weaver, Dan Aykroyd, Harold Ramis, Rick Moranis, Annie Potts
Murray está preguiçoso, cool, sujo e irônico. Dan faz o seu tipo nervoso, Weaver está belíssima e Ramis é o nerd. Ainda tem Moranis como o bobalhão e um fantasma que vive no freezer. Que mais voce pode querer ? Porque a comédia é tão pouco levada a sério ? Por não parecer nobre ? Ivan Reitman é pior que seu filho Jason ? Após um filme como 13, assistir os Caça Fantasmas é uma dádiva. Se os efeitos ruins hoje incomodam, os atores nos entregam presentes e jóias de satisfação. Um filme que dignifica o cinema popular. Nota 8.
GHOSTBUSTERS II
Mesma equipe, quatro anos depois. O sucesso de bilheteria foi ainda maior, mas o filme é pior. Chega a ser chato. Nota 4.
TWO TONE ( ANTI BUNDA )
Quem quiser que ouça : too much too young, com Specials, antídoto anti bundamolice.
Pula pula pula. Tá na barra aí em cima. 2 Tone records, 1980, pretos e branquelos ingleses tocando juntos. Specials, Madness, The Beat.... vendia demais, foi febre entre os workers, nada popular nos USA.
Do tempo em que ingleses ainda tinham testosterona. Mas aí veio Thatcher e tudo virou bundamolice. Aquela coisa fog que dura até hoje : inglesinhos sensíveis fazendo arte chorosa em seu quartinho azul. Mingau de aveia no lugar de Guiness.
Japas pulando em Monkey Man, 1979. Pra onde foram os caminhoneiros ingleses???? Jason Statham é o último inglês com culhões ?
Japas pulando com negros cantando. Milagre ? Em 79 a policia dava porrada em Brixton nos blacks e nos whites. Two Tone usava xadrez : preto and branco. Capicce ?
Saudade da Guiness !!!!!
O mundo só vai criar vergonha e voltar a ser fun quando os ingleses voltarem a ser machos e os americanos voltarem a ser cowboys, ou seja, jamais.
Os irmãos Coen refilmaram True Grit, o western que deu Oscar para John Wayne. Não vi e já adorei. Chega de cinema metido a besta!!!! Arte pode ser viril !
Too Much too Young. É pra pular !!!!!
Quem não escuta som de preto não sabe NADA de música.
Morô ?
Pula pula pula. Tá na barra aí em cima. 2 Tone records, 1980, pretos e branquelos ingleses tocando juntos. Specials, Madness, The Beat.... vendia demais, foi febre entre os workers, nada popular nos USA.
Do tempo em que ingleses ainda tinham testosterona. Mas aí veio Thatcher e tudo virou bundamolice. Aquela coisa fog que dura até hoje : inglesinhos sensíveis fazendo arte chorosa em seu quartinho azul. Mingau de aveia no lugar de Guiness.
Japas pulando em Monkey Man, 1979. Pra onde foram os caminhoneiros ingleses???? Jason Statham é o último inglês com culhões ?
Japas pulando com negros cantando. Milagre ? Em 79 a policia dava porrada em Brixton nos blacks e nos whites. Two Tone usava xadrez : preto and branco. Capicce ?
Saudade da Guiness !!!!!
O mundo só vai criar vergonha e voltar a ser fun quando os ingleses voltarem a ser machos e os americanos voltarem a ser cowboys, ou seja, jamais.
Os irmãos Coen refilmaram True Grit, o western que deu Oscar para John Wayne. Não vi e já adorei. Chega de cinema metido a besta!!!! Arte pode ser viril !
Too Much too Young. É pra pular !!!!!
Quem não escuta som de preto não sabe NADA de música.
Morô ?
BUNDA MOLE
Conversando ontem com um amigo. Sob influência de um artigo da Folha que chama esse oba oba sobre a "revolução" internética coisa de bunda-mole.
Fato : toda revolução se faz na rua.
Fato : de Bill Gates a Marcelo Tas, dos bundinhas do Facebook a todo garotinho fofo em seu mundinho protegido. Todos são bundões do mundo real. Na rua, todos eles são nerds, ratos de laboratório. O mundo virtual é sua vingança contra aqueles que ganhavam nos esportes e comiam as meninas.
Fato : Aqueles caras continuam a comer as meninas e a vencer nos esportes. A turma internética só vence na virtualidade.
Ser revolucionário é ir apanhar, correr riscos reais, botar a cara no fogo cruzado. Perder algo para vencer, ou tentar vencer, depois. Com sua bundona mole em cadeira acolchoada, nada há de revolucionário em se penetrar em sites de grandes companhias. Não existe risco algum. Voce não vai levar chute, soco, tiro, não vai ter de correr e fugir. Sua massa glútea continuará mole, como sempre foi.
A midia precisa de noticias. Qual a novidade nos documentos vazados ? Alguma coisa te deixou perplexo ? Faz de conta que sim.
O computador é um brinquedo. A vida continua acontecendo fora de seu quarto.
Ao contrário do que se pensa, em mundo que será completamente interligado e onde todos desenvolverão imensas bundas moles e fofas, quem dominar O MUNDO SÓLIDO E REAL, e não o virtual, DETERÁ O PODER.
Em futuro de cegos, quem tiver bunda dura e olho vivo será rei.
Fato : o futuro não irá tolerar segredos e dedos duros existirão aos montes. Bundas moles com dedos duros. Quem ousar ser diferente será dedurado.
Em ovelharia, todos balindo em seus micro chips, assistindo os mesmos filmes e ouvindo os mesmos sons, inexistirá o silêncio e a reflexão. Ovelhas modernas são boa carne para açougue. Quem for lobo irá dominar.
Eu estou fora.
Fato : toda revolução se faz na rua.
Fato : de Bill Gates a Marcelo Tas, dos bundinhas do Facebook a todo garotinho fofo em seu mundinho protegido. Todos são bundões do mundo real. Na rua, todos eles são nerds, ratos de laboratório. O mundo virtual é sua vingança contra aqueles que ganhavam nos esportes e comiam as meninas.
Fato : Aqueles caras continuam a comer as meninas e a vencer nos esportes. A turma internética só vence na virtualidade.
Ser revolucionário é ir apanhar, correr riscos reais, botar a cara no fogo cruzado. Perder algo para vencer, ou tentar vencer, depois. Com sua bundona mole em cadeira acolchoada, nada há de revolucionário em se penetrar em sites de grandes companhias. Não existe risco algum. Voce não vai levar chute, soco, tiro, não vai ter de correr e fugir. Sua massa glútea continuará mole, como sempre foi.
A midia precisa de noticias. Qual a novidade nos documentos vazados ? Alguma coisa te deixou perplexo ? Faz de conta que sim.
O computador é um brinquedo. A vida continua acontecendo fora de seu quarto.
Ao contrário do que se pensa, em mundo que será completamente interligado e onde todos desenvolverão imensas bundas moles e fofas, quem dominar O MUNDO SÓLIDO E REAL, e não o virtual, DETERÁ O PODER.
Em futuro de cegos, quem tiver bunda dura e olho vivo será rei.
Fato : o futuro não irá tolerar segredos e dedos duros existirão aos montes. Bundas moles com dedos duros. Quem ousar ser diferente será dedurado.
Em ovelharia, todos balindo em seus micro chips, assistindo os mesmos filmes e ouvindo os mesmos sons, inexistirá o silêncio e a reflexão. Ovelhas modernas são boa carne para açougue. Quem for lobo irá dominar.
Eu estou fora.
O BRASIL MUDOU, VADINHO X CAPITÃO NASCIMENTO
Raras vezes na história do cinema um filme conseguiu mudar um país ( eu falo de povo, não falo de meia dúzia de intelectuais ). Recordo de EASY RIDER e OPERAÇÂO FRANÇA que mudaram a América. Lembro dos filmes de gangster da Warner, que influenciaram toda a visão que o povo tinha do crime, e os filmes de Frank Capra, que ajudaram a reerguer os famintos e os desiludidos da depressão. TROPA DE ELITE mudou o Brasil. É o primeiro herói nacional ao estilo da lei, ao estilo Dirty Harry, um cowboy brasileiro, finalmente!!!!
TROPA destronou DONA FLOR como maior bilheteria. O Brasil muda de herói.
Vadinho era o herói. Baiano, cheio de ginga, muito mulherengo, sem trabalho, ele explora Flor e a trai com todas as mulheres possíveis. Morto, ele volta à Flor e se torna seu amante. Eis a imagem do antigo herói brasileiro: malandro sorridente, hiper-sexualizado, mentiroso. José Wilker era esse brilhante ator. E é muito dificil assistir Dona Flor hoje. O filme, ao contrário dos muito superiores O BANDIDO DA LUZ VERMELHA e MACUNAÍMA, envelheceu muito. Mas ele exibe a imagem que o Brasil amava. A malandrice. Com o tempo essa malandrice perdeu a ética ( havia a ética do malandro ) e com a cocaína em cena a coisa passou do limite.
Um novo herói surge. Totalmente assexuado, neuroticamente violento e vazio, mas sim, corajoso e comprometido com o bem. Se Flor era um filme só possível no Brasil, aqui temos uma obra transnacional. Poderia ser de Hong-Kong ou dos USA. É um novo Brasil, país que nos tempos de Flor tinha dois heróis: Vadinho e Roberto Carlos, o malandro e o romântico, os dois a mercê das mulheres; e que hoje tem Nascimento e Lula, os dois comprometidos com a tal classe C.
Se voce é gringo e ainda pensa o Brasil como terra de malemolentes mulherengos, de ninfas fazedoras de quitutes apimentados, de tempo de doce vagabundagem, sorry, esse mundo é tão morto como é a América de Sinatra e a França de Sartre. Brasil é hoje ambição e pressa, guerra por espaço e luta para botar a cara na midia. Uma sub- Miami.
TROPA destronou DONA FLOR como maior bilheteria. O Brasil muda de herói.
Vadinho era o herói. Baiano, cheio de ginga, muito mulherengo, sem trabalho, ele explora Flor e a trai com todas as mulheres possíveis. Morto, ele volta à Flor e se torna seu amante. Eis a imagem do antigo herói brasileiro: malandro sorridente, hiper-sexualizado, mentiroso. José Wilker era esse brilhante ator. E é muito dificil assistir Dona Flor hoje. O filme, ao contrário dos muito superiores O BANDIDO DA LUZ VERMELHA e MACUNAÍMA, envelheceu muito. Mas ele exibe a imagem que o Brasil amava. A malandrice. Com o tempo essa malandrice perdeu a ética ( havia a ética do malandro ) e com a cocaína em cena a coisa passou do limite.
Um novo herói surge. Totalmente assexuado, neuroticamente violento e vazio, mas sim, corajoso e comprometido com o bem. Se Flor era um filme só possível no Brasil, aqui temos uma obra transnacional. Poderia ser de Hong-Kong ou dos USA. É um novo Brasil, país que nos tempos de Flor tinha dois heróis: Vadinho e Roberto Carlos, o malandro e o romântico, os dois a mercê das mulheres; e que hoje tem Nascimento e Lula, os dois comprometidos com a tal classe C.
Se voce é gringo e ainda pensa o Brasil como terra de malemolentes mulherengos, de ninfas fazedoras de quitutes apimentados, de tempo de doce vagabundagem, sorry, esse mundo é tão morto como é a América de Sinatra e a França de Sartre. Brasil é hoje ambição e pressa, guerra por espaço e luta para botar a cara na midia. Uma sub- Miami.
O DIA EM QUE JOHN LENNON MORREU
Os americanos dizem que todos lembram, com estranha clareza, de onde estavam e o que faziam no dia em que Kennedy foi morto. Eu recordo de cada detalhe do dia em que John Lennon foi morto. ( E eu não era um fã. Em 1980 eu amava os Stones e ouvia muito Police, B'52's, Clash, Pretenders e Jorge Ben ).
Foi a melhor época da minha vida. Primeiro colegial, Objetivo Pinheiros. Apaixonado pela Aninha. Que era louca pelo meu melhor amigo, Carioca. E ele era o cara mais hilário do mundo. Uma amiga dele gostava de mim. Mas eu não gostava dela. De tarde eu jogava volei na escola e andava à toa, com Tinho e Carioca, pelos fliperamas e pelo Iguatemi. É maravilhoso quando somos felizes e temos consciência disso. Eu vibrava de alegria.
Naquela manhã eu escovava os dentes. Pensava no fim das aulas. Já sentia falta de Aninha. Meu irmão, que ouvia rádio na sala, veio ao banheiro e me perguntou: - Sabe quem morreu? John Lennon ! Mas não deve ser verdade....
Dei de ombros. Que história mais besta. Beatles não morrem, são eternos.
Mas na escola o professor de inglês estava com olhos vermelhos. Era verdade. E não me perguntem porque, o dia inteiro eu senti vontade de chorar.
Como na morte de Tancredo Neves, aquele foi um momento em que parecia que todo mundo se unia no luto. Na tarde de 9 de dezembro, eu e meu irmão ouvimos Imagine no rádio e eu não segurei o choro. Durante dois meses o que se ouvia era Woman e Starting Over. Foi o mais belo de meus natais e foi um natal com trilha de Lennon. Happy Xmas.
Era lindo andar por Pinheiros e ouvir em cada loja uma música de John Lennon ( não existiam camelôs ). No bar era Imagine, na loja de roupas Woman, no mercado Starting Over e na rua Dream. Nas lojas de discos os lps de Lennon se esgotavam. Comprei Walls and Bridges ( é meu favorito dele ) e os dois primeiros dos Beatles. Além de um poster. No shopping ( só existia o Iguatemi e o Ibirapuera ) só se ouvia Lennon. Todo o tempo.
A sensação foi terrível. Se Lennon não era imortal então todos podiam morrer. E nos anos seguintes se foram Miles Davis, Kurosawa, Laurence Olivier, David Lean e até Bergman. Todos os deuses eram mortais. De certa forma eu perdia a infancia ali.
O disco dele foi ridicularizado quando saiu. Diziam ser o pior disco de Paul feito por John. Mas após sua morte todos disseram que não era tão ruim. Era ok. Eu nunca o escutei. Mas gastei o Walls and Bridges de tanto ouvir. E o primeiro dos Beatles tem uma música chamada Anna! Aninha!
John Lennon desde então me recorda natal. E nada de triste, mas sim uma época de alegria plena. De roubar salgados em supermercado e de tomar sorvete com Fanta falando de Ana. Calor e chuva. E daquele dia triste, em que o mundo inteiro escutou Happy Xmas e chorou junto.
Foi a melhor época da minha vida. Primeiro colegial, Objetivo Pinheiros. Apaixonado pela Aninha. Que era louca pelo meu melhor amigo, Carioca. E ele era o cara mais hilário do mundo. Uma amiga dele gostava de mim. Mas eu não gostava dela. De tarde eu jogava volei na escola e andava à toa, com Tinho e Carioca, pelos fliperamas e pelo Iguatemi. É maravilhoso quando somos felizes e temos consciência disso. Eu vibrava de alegria.
Naquela manhã eu escovava os dentes. Pensava no fim das aulas. Já sentia falta de Aninha. Meu irmão, que ouvia rádio na sala, veio ao banheiro e me perguntou: - Sabe quem morreu? John Lennon ! Mas não deve ser verdade....
Dei de ombros. Que história mais besta. Beatles não morrem, são eternos.
Mas na escola o professor de inglês estava com olhos vermelhos. Era verdade. E não me perguntem porque, o dia inteiro eu senti vontade de chorar.
Como na morte de Tancredo Neves, aquele foi um momento em que parecia que todo mundo se unia no luto. Na tarde de 9 de dezembro, eu e meu irmão ouvimos Imagine no rádio e eu não segurei o choro. Durante dois meses o que se ouvia era Woman e Starting Over. Foi o mais belo de meus natais e foi um natal com trilha de Lennon. Happy Xmas.
Era lindo andar por Pinheiros e ouvir em cada loja uma música de John Lennon ( não existiam camelôs ). No bar era Imagine, na loja de roupas Woman, no mercado Starting Over e na rua Dream. Nas lojas de discos os lps de Lennon se esgotavam. Comprei Walls and Bridges ( é meu favorito dele ) e os dois primeiros dos Beatles. Além de um poster. No shopping ( só existia o Iguatemi e o Ibirapuera ) só se ouvia Lennon. Todo o tempo.
A sensação foi terrível. Se Lennon não era imortal então todos podiam morrer. E nos anos seguintes se foram Miles Davis, Kurosawa, Laurence Olivier, David Lean e até Bergman. Todos os deuses eram mortais. De certa forma eu perdia a infancia ali.
O disco dele foi ridicularizado quando saiu. Diziam ser o pior disco de Paul feito por John. Mas após sua morte todos disseram que não era tão ruim. Era ok. Eu nunca o escutei. Mas gastei o Walls and Bridges de tanto ouvir. E o primeiro dos Beatles tem uma música chamada Anna! Aninha!
John Lennon desde então me recorda natal. E nada de triste, mas sim uma época de alegria plena. De roubar salgados em supermercado e de tomar sorvete com Fanta falando de Ana. Calor e chuva. E daquele dia triste, em que o mundo inteiro escutou Happy Xmas e chorou junto.
BRUCE WILLIS/ MICHAEL DOUGLAS/ CAPRA/ DEMME/ ASTAIRE/ FLYNN
RED de Robert Schwentke com Bruce Willis, Mary-Louise Parker, John Malkovich, Helen Mirren, Richard Dreyfuss, Ernest Bognine e Karl Urban
Este filme, absurdamente estrelado, tem um grave defeito: um inicio confuso e muito sem sal. Depois melhora e sua hora final é bastante divertida. Bruce envelheceu bem e segura o filme com seu carisma tranquilo. Mas Mary-Louise está excelente e Malkovich tem uma cena hilária ( correndo atrás dos bandidos ). Helen Mirren tem momento relax em carreira exemplar: desde a ninfeta de A Idade da Reflexão ( obrigatório!!!! ) passando por teatro shakespeareano e filmes de arte, até o Oscar e a atual popice. Este filme, tolo, diverte por ter atores certos e gostáveis em papéis adequados. E é isso. Nota 5.
O SOLTEIRÃO de Brian Koppelman e David Levien com Michael Douglas, Mary-Louise Parker, Jesse Eisenberg e Susan Sarandon
Douglas em atuação perfeita e emocionante. Adianta eu falar que é o filme do ano? Com essa avalanche de lançamentos pré consagrados, quem liga para um filme fora do hype? Muito bem escrito, ele mostra o homem-masculino como urso polar ou lobo europeu: em processo de fuga. Douglas se reafirma como grande personalidade do cinema e o filme é drama sem choro e arte sem afetação. Brilhante! Nota DEZ.
O RIO DAS ALMAS PERDIDAS de Otto Preminger com Robert Mitchum e Marilyn Monroe
Nem Mitchum consegue salvar este western frouxo. Falta melhor trama e falta um bom personagem. Das divas do cinema, MM é de longe a pior. Só foi boa atriz com Billy Wilder. Preminger quando acertava era rei, mas quando erra é quase insuportável. Nota 3.
O HOMEM FORTE de Frank Capra com Harry Langdon
Langdon foi humorista famoso hoje esquecido. Seu tipo era muito estranho: um tipo de crianção inocente fofo e bobo. O rosto como o de um anjo irritante. Mas o filme é bom, graças ao talento de Capra para o movimento. Vemos Langdon zanzando pela cidade atrás de seu amor. Nota 6.
MELVIN E HOWARD de Johnathan Demme com Paul Le Mat, Mary Steenburgen e Jason Robards
É um dos filmes favoritos de PT Anderson. E foi a zebra de 1980. Um filme modesto que foi aclamado pelos criticos. Demme depois se tornou o cara de Silencio dos Inocentes e Filadelfia. O filme trata de Howard Hughes ( um comovente Robards ) que vaga pelo deserto. Um operário lhe dá uma carona. Acompanhamos o cotidiano desse operário americano, um simplório. Hughes lhe deixa a herança e ele a perde nos tribunais. Me diga: faz quanto tempo que o cinema americano não faz um filme sobre simples trabalhadores? Fosse hoje ele seria um drogado terminal ou um engraçado trapalhão. Mas aqui não, é vida real. Demme já demonstra seu talento para conduzir atores. Um belo filme pobre. Nota 7.
A ALDEIA DOS AMALDIÇOADOS de Wolf Rilla com George Sanders
Uma cidade fica isolada do mundo. Quando volta ao normal, todas as mulheres engravidam. Os filhos que nascem são muuuito estranhos. Uma parábola sobre filhos e pais. O medo que os pais têm de uma nova geração. É um pequeno clássico inglês. Nota 7.
UM AMOR DE DANÇARINA de Robert Z Leonard com Joan Crawford e Clark Gable
Anos 30. Gable super macho, Joan como a sexy com fibra. Escapismo para a era da depressão pós 1929. Tudo é previsivel, mas a MGM faz as coisas correrem tão depressa que acabamos caindo "no samba" e nos envolvendo com toda aquela besteira. Isto é cinema profissional. Nota 6.
MELODIAS DA BROADWAY de Norman Taurog com Fred Astaire e Eleanor Powell
Tudo brilha quando Astaire dança. Ele não era deste planeta! Flutua e nos passa uma imensa gama de sentimentos e significados com o bailar de seus pés. Um milagreiro! O filme, de rotina, fala de shows e estrelato. Powell era super-estrela, mas era ruim. Fria e distante, não funciona. Mas Fred salva tudo quando em cena, nós o amamos e penetramos em sua terra de sonho. Amar cinema e não amar Astaire é como amar rock e não gostar de Beatles, impensável Nota 6.
GENTLEMAN JIM de Raoul Walsh com Errol Flynn e Alexis Smith
Walsh foi um dos gigantes da Warner. Um mestre da ação, seus filmes fluem e envelheceram muito pouco. É mestre em narração, as cenas se ligam, a história é contada com leveza e mal percebemos seus cortes e o tempo que passa. Errol Flynn era o ator fetiche de bom humor, beleza, rapidez, economia, glamour. Os dois juntos fazem aqui o ponto mais alto da longa carreira de Walsh ( 80 filmes!!!! ). È a história de Jim Corbett, o campeão peso-pesado que inventou o bailado no ringue, o jogo de pés. Jim é exibido como um muito alegre e muito esperto irlandês ambicioso. O filme, festivo, se concentra na vida familiar de Jim ( muito alegre ) e em suas lutas ( muito emocionantes ). Errol Flynn está perfeito: adoramos aquele tolo rapaz simplório, deslumbrado com a fama, bailando no ringue e nas ruas. É um filme perfeito. Nenhuma cena é fraca. Tudo é vida e ação. Aula de como se fazer um filme. Nota DEZ!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
Este filme, absurdamente estrelado, tem um grave defeito: um inicio confuso e muito sem sal. Depois melhora e sua hora final é bastante divertida. Bruce envelheceu bem e segura o filme com seu carisma tranquilo. Mas Mary-Louise está excelente e Malkovich tem uma cena hilária ( correndo atrás dos bandidos ). Helen Mirren tem momento relax em carreira exemplar: desde a ninfeta de A Idade da Reflexão ( obrigatório!!!! ) passando por teatro shakespeareano e filmes de arte, até o Oscar e a atual popice. Este filme, tolo, diverte por ter atores certos e gostáveis em papéis adequados. E é isso. Nota 5.
O SOLTEIRÃO de Brian Koppelman e David Levien com Michael Douglas, Mary-Louise Parker, Jesse Eisenberg e Susan Sarandon
Douglas em atuação perfeita e emocionante. Adianta eu falar que é o filme do ano? Com essa avalanche de lançamentos pré consagrados, quem liga para um filme fora do hype? Muito bem escrito, ele mostra o homem-masculino como urso polar ou lobo europeu: em processo de fuga. Douglas se reafirma como grande personalidade do cinema e o filme é drama sem choro e arte sem afetação. Brilhante! Nota DEZ.
O RIO DAS ALMAS PERDIDAS de Otto Preminger com Robert Mitchum e Marilyn Monroe
Nem Mitchum consegue salvar este western frouxo. Falta melhor trama e falta um bom personagem. Das divas do cinema, MM é de longe a pior. Só foi boa atriz com Billy Wilder. Preminger quando acertava era rei, mas quando erra é quase insuportável. Nota 3.
O HOMEM FORTE de Frank Capra com Harry Langdon
Langdon foi humorista famoso hoje esquecido. Seu tipo era muito estranho: um tipo de crianção inocente fofo e bobo. O rosto como o de um anjo irritante. Mas o filme é bom, graças ao talento de Capra para o movimento. Vemos Langdon zanzando pela cidade atrás de seu amor. Nota 6.
MELVIN E HOWARD de Johnathan Demme com Paul Le Mat, Mary Steenburgen e Jason Robards
É um dos filmes favoritos de PT Anderson. E foi a zebra de 1980. Um filme modesto que foi aclamado pelos criticos. Demme depois se tornou o cara de Silencio dos Inocentes e Filadelfia. O filme trata de Howard Hughes ( um comovente Robards ) que vaga pelo deserto. Um operário lhe dá uma carona. Acompanhamos o cotidiano desse operário americano, um simplório. Hughes lhe deixa a herança e ele a perde nos tribunais. Me diga: faz quanto tempo que o cinema americano não faz um filme sobre simples trabalhadores? Fosse hoje ele seria um drogado terminal ou um engraçado trapalhão. Mas aqui não, é vida real. Demme já demonstra seu talento para conduzir atores. Um belo filme pobre. Nota 7.
A ALDEIA DOS AMALDIÇOADOS de Wolf Rilla com George Sanders
Uma cidade fica isolada do mundo. Quando volta ao normal, todas as mulheres engravidam. Os filhos que nascem são muuuito estranhos. Uma parábola sobre filhos e pais. O medo que os pais têm de uma nova geração. É um pequeno clássico inglês. Nota 7.
UM AMOR DE DANÇARINA de Robert Z Leonard com Joan Crawford e Clark Gable
Anos 30. Gable super macho, Joan como a sexy com fibra. Escapismo para a era da depressão pós 1929. Tudo é previsivel, mas a MGM faz as coisas correrem tão depressa que acabamos caindo "no samba" e nos envolvendo com toda aquela besteira. Isto é cinema profissional. Nota 6.
MELODIAS DA BROADWAY de Norman Taurog com Fred Astaire e Eleanor Powell
Tudo brilha quando Astaire dança. Ele não era deste planeta! Flutua e nos passa uma imensa gama de sentimentos e significados com o bailar de seus pés. Um milagreiro! O filme, de rotina, fala de shows e estrelato. Powell era super-estrela, mas era ruim. Fria e distante, não funciona. Mas Fred salva tudo quando em cena, nós o amamos e penetramos em sua terra de sonho. Amar cinema e não amar Astaire é como amar rock e não gostar de Beatles, impensável Nota 6.
GENTLEMAN JIM de Raoul Walsh com Errol Flynn e Alexis Smith
Walsh foi um dos gigantes da Warner. Um mestre da ação, seus filmes fluem e envelheceram muito pouco. É mestre em narração, as cenas se ligam, a história é contada com leveza e mal percebemos seus cortes e o tempo que passa. Errol Flynn era o ator fetiche de bom humor, beleza, rapidez, economia, glamour. Os dois juntos fazem aqui o ponto mais alto da longa carreira de Walsh ( 80 filmes!!!! ). È a história de Jim Corbett, o campeão peso-pesado que inventou o bailado no ringue, o jogo de pés. Jim é exibido como um muito alegre e muito esperto irlandês ambicioso. O filme, festivo, se concentra na vida familiar de Jim ( muito alegre ) e em suas lutas ( muito emocionantes ). Errol Flynn está perfeito: adoramos aquele tolo rapaz simplório, deslumbrado com a fama, bailando no ringue e nas ruas. É um filme perfeito. Nenhuma cena é fraca. Tudo é vida e ação. Aula de como se fazer um filme. Nota DEZ!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
LUXO, CALMA E VOLÚPIA, TOUJOURS PROVENCE, LIVRO DE PETER MAYLE
Perto do Natal, verão, como em todo ano, eu me dou presentes. Só leio o que significa prazer. Filmes que sejam como festa para a alma ( musicais, muitos musicais ). Natal para mim é luxo, calma e volúpia.
Então releio Peter Mayle e sou de novo tomado pelo sol da Provence. Mas a terra descrita pelo inglês Mayle, é real ? Ah bon.... seus vizinhos Ridley Scott e Russel Crowe dizem que sim. Os parisienses dizem que sim. Pois então a Provence é um tipo de Bahia da França, terra de preguiça, onde as pessoas nunca têm pressa, onde nada funciona, terra anti-Inglaterra, terra em que relógios não são usados e a produção inexiste.
Peter se apaixona pelas pessoas. Por sua falta de afetação, pela sua calma, pelo fato de que cada uma delas é "um tipo". Tipos com seus carros velhos e sujos, os cigarros fedidos, as roupas à vontade e os gestos amplos e livres. Esse povo que só tem um assunto: seu estômago.
Eu sei o quanto minha familia fala de comida e bebida. E do belo e civilizado costume que eles têm de à mesa só falar de comida. Á mesa deve-se comentar a delicia da salada e o frescor do vinho. Jamais falar de outra coisa a não ser: comida. E como se come!!!! E como se bebe!!!!! Adoro ler os livros de Mayle perto do Natal porque eles dão essa vontade louca de comer, beber, celebrar, viver.
Vinho, trufas, queijos, pão, escargots, alecrim, salvia, frangos gordos, peixes, rabanetes, linguiças, aperitivos, conhaques, doces, sorvetes, salsichões, omeletes.....
E esses dias de siestas, de almoços que vão até de noite, de longos cafés, e do nada de pressa nada de stress. A Provence, com sua poeira, sua falta de chuva, seu calor africano, seu povo malicioso e aberto, seus recantos romanos. Peter se esparrama em tardes de preguiça, de champagne gelada, de cuidar do jardim. De luxo.
( E vejo na tv uns caras falando do que seria luxo hoje. Para a classe C, luxo é o mais novo celular, o mais moderno computador, o carro mais chamativo. Para a classe C, todo o luxo está ligado ao que é novo. Para a classe A, luxo é conforto. É não precisar ter esforço, trabalho. São roupas macias e exclusivas, uma casa com jardins e espaço, um iate. Mas aí vem a diferença, existe a classe AA, e para eles, luxo é uma casa antiga, um velho restaurante, peças de herança de um avô, ter tempo livre, almoçar sem pressa. Para esse povo, todo o luxo está ligado a simplicidade e a antiguidades. Ah bon....então Mayle é o A dos A )
Assim como assistir um filme de Fred Astaire ou Cary Grant, ouvir um disco de Duke Ellington ou dirigir um velho Bugatti, luxo é fazer ou valorizar tudo aquilo que está inevitávelmente fora de moda, que é execrado e ridicularizado pelos novidadeiros classe C. Luxo é Peter Mayle. Que é Provence. Toujours Provence.
Então releio Peter Mayle e sou de novo tomado pelo sol da Provence. Mas a terra descrita pelo inglês Mayle, é real ? Ah bon.... seus vizinhos Ridley Scott e Russel Crowe dizem que sim. Os parisienses dizem que sim. Pois então a Provence é um tipo de Bahia da França, terra de preguiça, onde as pessoas nunca têm pressa, onde nada funciona, terra anti-Inglaterra, terra em que relógios não são usados e a produção inexiste.
Peter se apaixona pelas pessoas. Por sua falta de afetação, pela sua calma, pelo fato de que cada uma delas é "um tipo". Tipos com seus carros velhos e sujos, os cigarros fedidos, as roupas à vontade e os gestos amplos e livres. Esse povo que só tem um assunto: seu estômago.
Eu sei o quanto minha familia fala de comida e bebida. E do belo e civilizado costume que eles têm de à mesa só falar de comida. Á mesa deve-se comentar a delicia da salada e o frescor do vinho. Jamais falar de outra coisa a não ser: comida. E como se come!!!! E como se bebe!!!!! Adoro ler os livros de Mayle perto do Natal porque eles dão essa vontade louca de comer, beber, celebrar, viver.
Vinho, trufas, queijos, pão, escargots, alecrim, salvia, frangos gordos, peixes, rabanetes, linguiças, aperitivos, conhaques, doces, sorvetes, salsichões, omeletes.....
E esses dias de siestas, de almoços que vão até de noite, de longos cafés, e do nada de pressa nada de stress. A Provence, com sua poeira, sua falta de chuva, seu calor africano, seu povo malicioso e aberto, seus recantos romanos. Peter se esparrama em tardes de preguiça, de champagne gelada, de cuidar do jardim. De luxo.
( E vejo na tv uns caras falando do que seria luxo hoje. Para a classe C, luxo é o mais novo celular, o mais moderno computador, o carro mais chamativo. Para a classe C, todo o luxo está ligado ao que é novo. Para a classe A, luxo é conforto. É não precisar ter esforço, trabalho. São roupas macias e exclusivas, uma casa com jardins e espaço, um iate. Mas aí vem a diferença, existe a classe AA, e para eles, luxo é uma casa antiga, um velho restaurante, peças de herança de um avô, ter tempo livre, almoçar sem pressa. Para esse povo, todo o luxo está ligado a simplicidade e a antiguidades. Ah bon....então Mayle é o A dos A )
Assim como assistir um filme de Fred Astaire ou Cary Grant, ouvir um disco de Duke Ellington ou dirigir um velho Bugatti, luxo é fazer ou valorizar tudo aquilo que está inevitávelmente fora de moda, que é execrado e ridicularizado pelos novidadeiros classe C. Luxo é Peter Mayle. Que é Provence. Toujours Provence.
TODO CORAÇÃO É SIMPLES - GRAM PARSONS
No mundo conturbado de 1968, e do qual somos o resto e o objetivo, cantar country music era se confessar racista/republicano/ignorante. Nada era mais conservador e anti-revolucionário que cantar acompanhado por fiddle/ slide guitar e banjo.
Gram Parsons surge em 1968 e junta-se aos Byrds. E sózinho resgata o som da Georgia, do Tennessee, do Jack Daniels. Gênio.
Os Byrds já eram uma banda decadente ( naqueles anos velozes 4 anos era um século ) quando o muito jovem Parsons foi convidado a entrar. E ele tirou de McGuinn e Hillman tudo o que havia de psicodélico. No lugar tascou country music. Coragem. Isso seria o equivalente ao Barão Vermelho voltar tocando Tonico e Tinoco e Pena Branca e Xavantinho. Entenda, não era o country modernoso ou o universitário. Nem era um tipo de gozação. Era o country de raiz, o mais tosco, simples, do matão.
Mas ele fez uma coisa mais ousada que tudo: não mexeu na música, mas modernizou as letras. Falava do mundo de sua época e sob a ótica de um jovem rebelde. Seria como se fizessem no Brasil de agora, chorinho tipo Pixinguinha, falando sobre o morro do Alemão.
Logo, Gram Parsons saiu dos Byrds. Saiu por discordar de uma série de shows na Africa do Sul do apartheid. Formou os Flying Burrito Brothers ( que nome do cacete!!!! ) e o resto é lenda. Vende pouco, mas influencia toda a musica pop de então. Resgata a ingenuidade de corações que sofrem de amor, de solidão e de injustiça. As melodias, doces, piegas, chorosas, lindas de desenho celestial, grudam nas artérias de quem as escuta. Mas, irriquieto, ele salta dos Burritos e se vai à carreira solo.
Dois discos apenas. 1973 e 1974. Duetos deliciosamente sofridos com Nicolette Larson. A banda que o acompanha é a de Elvis. O Elvis de Las Vegas. Só feras. Os dois discos fazem um milagre em quem os escuta: dão vontade de se apaixonar. Há uma canção chamada SHE que é de doer de tão bonita. GRAM PARSONS ERA UM ANJO.
Torna-se o melhor amigo de Keith Richards e os Stones tentam soar como Gram. ( Dead Flowers, Sweet Black Angel, Wild Horses ). Mas Gram Parsons morre.
Retrato da época ( em cena que foi aproveitada no GRANDE LEBOWSKI ): ele queria ser cremado. E que suas cinzas fossem jogadas ao deserto. O que seus amigos fizeram? Pegaram seu corpo e encheram de gasolina no deserto. E atearam fogo! O corpo, lógico, não virou cinza. Que viagem! Tiveram que levar os restos carbonizados à funerária. Waaaaal......
Tivesse vivido, Parsons dominaria facilmente o rock made in California dos anos 70. Ele era pop como os Eagles e Linda Ronstadt, mas tinha o amargor de Jackson Browne e de Warren Zevon. E ninguém era tão raiz quanto ele.
Ouvir Gram Parsons em 2010 é conversar com o próprio coração.
Creia, seu coração tem a voz de quem canta SHE. Seu coração é piegas. É country.
GRAM PARSONS ERA LINDO.
Gram Parsons surge em 1968 e junta-se aos Byrds. E sózinho resgata o som da Georgia, do Tennessee, do Jack Daniels. Gênio.
Os Byrds já eram uma banda decadente ( naqueles anos velozes 4 anos era um século ) quando o muito jovem Parsons foi convidado a entrar. E ele tirou de McGuinn e Hillman tudo o que havia de psicodélico. No lugar tascou country music. Coragem. Isso seria o equivalente ao Barão Vermelho voltar tocando Tonico e Tinoco e Pena Branca e Xavantinho. Entenda, não era o country modernoso ou o universitário. Nem era um tipo de gozação. Era o country de raiz, o mais tosco, simples, do matão.
Mas ele fez uma coisa mais ousada que tudo: não mexeu na música, mas modernizou as letras. Falava do mundo de sua época e sob a ótica de um jovem rebelde. Seria como se fizessem no Brasil de agora, chorinho tipo Pixinguinha, falando sobre o morro do Alemão.
Logo, Gram Parsons saiu dos Byrds. Saiu por discordar de uma série de shows na Africa do Sul do apartheid. Formou os Flying Burrito Brothers ( que nome do cacete!!!! ) e o resto é lenda. Vende pouco, mas influencia toda a musica pop de então. Resgata a ingenuidade de corações que sofrem de amor, de solidão e de injustiça. As melodias, doces, piegas, chorosas, lindas de desenho celestial, grudam nas artérias de quem as escuta. Mas, irriquieto, ele salta dos Burritos e se vai à carreira solo.
Dois discos apenas. 1973 e 1974. Duetos deliciosamente sofridos com Nicolette Larson. A banda que o acompanha é a de Elvis. O Elvis de Las Vegas. Só feras. Os dois discos fazem um milagre em quem os escuta: dão vontade de se apaixonar. Há uma canção chamada SHE que é de doer de tão bonita. GRAM PARSONS ERA UM ANJO.
Torna-se o melhor amigo de Keith Richards e os Stones tentam soar como Gram. ( Dead Flowers, Sweet Black Angel, Wild Horses ). Mas Gram Parsons morre.
Retrato da época ( em cena que foi aproveitada no GRANDE LEBOWSKI ): ele queria ser cremado. E que suas cinzas fossem jogadas ao deserto. O que seus amigos fizeram? Pegaram seu corpo e encheram de gasolina no deserto. E atearam fogo! O corpo, lógico, não virou cinza. Que viagem! Tiveram que levar os restos carbonizados à funerária. Waaaaal......
Tivesse vivido, Parsons dominaria facilmente o rock made in California dos anos 70. Ele era pop como os Eagles e Linda Ronstadt, mas tinha o amargor de Jackson Browne e de Warren Zevon. E ninguém era tão raiz quanto ele.
Ouvir Gram Parsons em 2010 é conversar com o próprio coração.
Creia, seu coração tem a voz de quem canta SHE. Seu coração é piegas. É country.
GRAM PARSONS ERA LINDO.
UM ATOR GIGANTE
Antes que voce pense que estou exagerando, leia a bio aqui resumida de Errol Flynn ( que passou ontem em tv aberta ).
Nasceu na Tasmania e seu pai o levava para caçar ossadas de marsupiais. O pai era um mulherengo, a mãe tinha amantes. Errol, péssimo aluno, logo passou a praticar pequenos furtos e usava sua beleza para enrolar ricas herdeiras da Austrália. Foi para a América após ser procurado por roubar algumas jóias de uma de suas amantes.
Na América tornou-se modelo e numa festa foi descoberto. Estréia em super-produção da Warner, Capitão Blood, e é até hoje o ator que detém esse recorde: o de estourar mais rapidamente. Da noite para o dia ele se torna mito, em seu primeiro filme!!!!! Atenção, ele nunca havia atuado!!!! Mas vem o flerte com a tragédia. Errol se casa com a belíssima Lili Damita e o casamento é feito de socos, copos que voam e contusões na cabeça. No divórcio ele perde tudo o que tem.
Mas o dinheiro volta a rolar. Na Warner, que tinha Bogart, Edward G. Robinson e Bette Davis, é ele a maior estrela. Cria o Robin Hood definitivo e faz westerns, filmes de guerra, piratas. Flynn os detesta. Quer ser ator sério. Constrói casa de sonhos. Lá faz orgias, festas que duram dias e começa a usar heroína.
Escreve dois bons livros. Errol quer ser escritor. Ele é. Mas será sempre um "ator que escreve". Acontece a revolução espanhola e ele vai para o front fazer reportagens. As envia e são excelentes. Conhece os rebeldes de Barcelona, corre riscos em batalhas reais. Quando volta diz que se sente ridiculo em participar de batalhas made in Hollywood.
Seu amigo John Barrymore morre. Uma piada que ilustra o tipo de vida que Flynn vive. Resgata o corpo do necrotério e o coloca na sala de David Niven. Sentado e com cigarro na mão. O susto de Niven, que a princípio conversou com Barrymore, foi histórico.
É processado por duas adolescentes. As duas o acusam de estupro. Flerta com o perigo: durante o julgamento Linda Christian, de 14 anos, vive em sua casa. É absolvido.
Veleja em seus veleiros. Pesca e navega pelo Caribe. Se apaixona pela Jamaica.
Mas o vicio o destrói. Deixa de fazer sucesso. Aos 40 anos já é um velho.
Apaixona-se, agora já em total falência, por garota de 15 anos. Ele tem 48. Se casam. Resolvem morar em Cuba.
Errol Flynn será o primeiro repórter a entrevistar Fidel Castro. Se comove com a revolução e faz documentário sobre a guerrilha. Ensina Fidel a discursar. Volta a Hollywood, tem um retorno com filmes de Huston e de King. Mas está doente, quebrado, fora de moda.
Perde sua última casa, e em jogo de poker ganha um hotel na Jamaica.
Morre do coração no Canada. Aos 50 anos.
Queria ser enterrado na Jamaica. O colocam em Hollywood ( lugar que ele odiava ). Dos grandes do cinema ninguém comparece a seu enterro. Poucos fãs.
( ..... )
Errol Flynn poderia ter vivido até 1990. Morreu em 1959. Seu auge como estrela durou apenas sete anos ( 35/42 ). Mas hoje, 2010, ele é ainda cultuado. Criou sem querer dois tipos de moldes: o herói de aventuras sorridente e cool; e o ator que pouco se lixa para a fama.
Foi a guerras, escreveu livros, viveu uma revolução socialista, foi ladrão, casou quatro vezes, foi pai, viciou-se, fugia do tédio, navegava. Fez documentários sobre pesca, turismo e Fidel. Foi o mais bem pago dos atores, o mais paquerado e perdeu tudo em amores errados e bebida demais. Orgias e um desejo de ser mais sério. Fugas.
Errol Flynn foi um gigante. Foi gigante porque no mundo ainda improvisado em que ele viveu, onde um homem ainda podia ser livre e incógnito, onde tudo ainda estava por se criar, ele ousou. Sua insatisfação era imensa.
Eu adoro Clint, Steve McQueen, Russel Crowe, Pacino, Nicholson. Mas os atores pioneiros, esses John Wayne, Cary Grant, Fred Astaire, Errol Flynn e Bogie, esses inventores dos moldes onde todos moram, são gigantes, deuses, imbatíveis.
O cinema americanos dos anos 30 é o símbolo de nossos sonhos. Um Valhala, Eden, nada sólido, arquetípico, primal, básico e imortal.
E nesse Olimpo, Errol foi Mercúrio. Asas nos pés. Um gigante.
E sempre sorridente...
Nasceu na Tasmania e seu pai o levava para caçar ossadas de marsupiais. O pai era um mulherengo, a mãe tinha amantes. Errol, péssimo aluno, logo passou a praticar pequenos furtos e usava sua beleza para enrolar ricas herdeiras da Austrália. Foi para a América após ser procurado por roubar algumas jóias de uma de suas amantes.
Na América tornou-se modelo e numa festa foi descoberto. Estréia em super-produção da Warner, Capitão Blood, e é até hoje o ator que detém esse recorde: o de estourar mais rapidamente. Da noite para o dia ele se torna mito, em seu primeiro filme!!!!! Atenção, ele nunca havia atuado!!!! Mas vem o flerte com a tragédia. Errol se casa com a belíssima Lili Damita e o casamento é feito de socos, copos que voam e contusões na cabeça. No divórcio ele perde tudo o que tem.
Mas o dinheiro volta a rolar. Na Warner, que tinha Bogart, Edward G. Robinson e Bette Davis, é ele a maior estrela. Cria o Robin Hood definitivo e faz westerns, filmes de guerra, piratas. Flynn os detesta. Quer ser ator sério. Constrói casa de sonhos. Lá faz orgias, festas que duram dias e começa a usar heroína.
Escreve dois bons livros. Errol quer ser escritor. Ele é. Mas será sempre um "ator que escreve". Acontece a revolução espanhola e ele vai para o front fazer reportagens. As envia e são excelentes. Conhece os rebeldes de Barcelona, corre riscos em batalhas reais. Quando volta diz que se sente ridiculo em participar de batalhas made in Hollywood.
Seu amigo John Barrymore morre. Uma piada que ilustra o tipo de vida que Flynn vive. Resgata o corpo do necrotério e o coloca na sala de David Niven. Sentado e com cigarro na mão. O susto de Niven, que a princípio conversou com Barrymore, foi histórico.
É processado por duas adolescentes. As duas o acusam de estupro. Flerta com o perigo: durante o julgamento Linda Christian, de 14 anos, vive em sua casa. É absolvido.
Veleja em seus veleiros. Pesca e navega pelo Caribe. Se apaixona pela Jamaica.
Mas o vicio o destrói. Deixa de fazer sucesso. Aos 40 anos já é um velho.
Apaixona-se, agora já em total falência, por garota de 15 anos. Ele tem 48. Se casam. Resolvem morar em Cuba.
Errol Flynn será o primeiro repórter a entrevistar Fidel Castro. Se comove com a revolução e faz documentário sobre a guerrilha. Ensina Fidel a discursar. Volta a Hollywood, tem um retorno com filmes de Huston e de King. Mas está doente, quebrado, fora de moda.
Perde sua última casa, e em jogo de poker ganha um hotel na Jamaica.
Morre do coração no Canada. Aos 50 anos.
Queria ser enterrado na Jamaica. O colocam em Hollywood ( lugar que ele odiava ). Dos grandes do cinema ninguém comparece a seu enterro. Poucos fãs.
( ..... )
Errol Flynn poderia ter vivido até 1990. Morreu em 1959. Seu auge como estrela durou apenas sete anos ( 35/42 ). Mas hoje, 2010, ele é ainda cultuado. Criou sem querer dois tipos de moldes: o herói de aventuras sorridente e cool; e o ator que pouco se lixa para a fama.
Foi a guerras, escreveu livros, viveu uma revolução socialista, foi ladrão, casou quatro vezes, foi pai, viciou-se, fugia do tédio, navegava. Fez documentários sobre pesca, turismo e Fidel. Foi o mais bem pago dos atores, o mais paquerado e perdeu tudo em amores errados e bebida demais. Orgias e um desejo de ser mais sério. Fugas.
Errol Flynn foi um gigante. Foi gigante porque no mundo ainda improvisado em que ele viveu, onde um homem ainda podia ser livre e incógnito, onde tudo ainda estava por se criar, ele ousou. Sua insatisfação era imensa.
Eu adoro Clint, Steve McQueen, Russel Crowe, Pacino, Nicholson. Mas os atores pioneiros, esses John Wayne, Cary Grant, Fred Astaire, Errol Flynn e Bogie, esses inventores dos moldes onde todos moram, são gigantes, deuses, imbatíveis.
O cinema americanos dos anos 30 é o símbolo de nossos sonhos. Um Valhala, Eden, nada sólido, arquetípico, primal, básico e imortal.
E nesse Olimpo, Errol foi Mercúrio. Asas nos pés. Um gigante.
E sempre sorridente...
EDUCAÇÃO E INFÂNCIA NO CAFÉ FILOSÓFICO
O cara floreou um pouco demais, mas o que importa é que ele reafirma que apesar de tanto se falar da infantilidade do mundo atual, nunca tratamos tão mal tudo o que é verdadeiramente "da criança". Matamos a criança diariamente, tolhemos sua liberdade e sua inerente irresponsabilidade. Não a deixamos ser inútil, sem propósito, solitária, sonhadora, livre. Pior que tudo, a matamos em nós.
Digo mais: Ser adulto sem criancice não vale a pena. É preciso ser bobo, ingênuo e leviano. É preciso esquecer seriedades e perder tempo com bolhas de sabão. Brincar.
O mundo não está infantilizado, ele está gagá. É um infantilismo de velho senil. Piadas sobre sexo contadas por impotentes. Medos vários, o maior sendo o de se parecer velho. Fofocas rancorosas. Desconfiança de tudo o que não for comprovado, testado, experimentado. Desdém por sonhos e utopias. Ansiedade por segurança. Preguiça, muita preguiça.
O mundo torna-se ( como disse Octavio Paz ) um imenso asilo, em que tudo é dieta/ exercício e lazer dirigido à saúde. A água e o chá substituem o vinho e o licor. A arte se torna distração ou lição, ela se faz estranhamente útil. Arte sem criancice, sem ingenuidade, que não sonha.
A infância está sendo assassinada por ser inutil. E vida sem infância nada vale.
PS: quem quiser saber realmente o que é ser criança veja dois filmes:
A GUERRA DOS BOTÕES de Yves Robert e A IDADE DA INOCÊNCIA de Truffaut. Tudo está lá. O universo cruel, necessário, fantasioso, vivo, solitário, belo, de toda criança. Obrigatório.
Digo mais: Ser adulto sem criancice não vale a pena. É preciso ser bobo, ingênuo e leviano. É preciso esquecer seriedades e perder tempo com bolhas de sabão. Brincar.
O mundo não está infantilizado, ele está gagá. É um infantilismo de velho senil. Piadas sobre sexo contadas por impotentes. Medos vários, o maior sendo o de se parecer velho. Fofocas rancorosas. Desconfiança de tudo o que não for comprovado, testado, experimentado. Desdém por sonhos e utopias. Ansiedade por segurança. Preguiça, muita preguiça.
O mundo torna-se ( como disse Octavio Paz ) um imenso asilo, em que tudo é dieta/ exercício e lazer dirigido à saúde. A água e o chá substituem o vinho e o licor. A arte se torna distração ou lição, ela se faz estranhamente útil. Arte sem criancice, sem ingenuidade, que não sonha.
A infância está sendo assassinada por ser inutil. E vida sem infância nada vale.
PS: quem quiser saber realmente o que é ser criança veja dois filmes:
A GUERRA DOS BOTÕES de Yves Robert e A IDADE DA INOCÊNCIA de Truffaut. Tudo está lá. O universo cruel, necessário, fantasioso, vivo, solitário, belo, de toda criança. Obrigatório.
ALEJO CARPENTIER - O REINO DESTE MUNDO
Antes de Garcia-Marquez e de Vargas Llosa havia Carlos Fuentes e Angel Astúrias, e antes de tudo havia Carpentier.
Nascido em Cuba, filho de francês com russa, morou na Europa onde conheceu Lorca e se tornou surrealista. Mas retornou a América, e aqui apoiou a revolução de Fidel, se tornando um tipo de herói cubano. O REINO DESTE MUNDO é o primeiro livro que leio de Alejo. Volume magro, 130 páginas, mas que história!!!!! Para ele, é a América centro do planeta, lugar onde mundos se encontram, reino deste mundo e de todos os mundos, dimensão onde tudo é possível e tudo acontece, país da magia, absurdo de crueldade e de sangue, realidade que se observada com detalhismo se revela hiper onírica, simbólica, louca.
A novela é muito simples. O Haiti entre 1785/1820. Ti Noel é o nome do personagem central. Um escravo. Franceses que são donos de negros. Negros que fazem tambores de feitiçaria. Muito sexo e muito sangue. Europeus que são ridiculos em seu mundinho materialista e moralista. Seus padrecos e suas etiquetas. Negros que crêem em preto velho que virou inseto, virou pássaro, vive para sempre. A escravidão acaba e vem a revolução. Pretos estupram e matam todas as brancas. Degolam cães, esfolam cavalos. E criam uma república tão opressora quanta a da escravidão. A tragédia do Haiti, a tragédia da América. Ti Noel vai à Cuba. E em Cuba tudo é prostituição. Tudo se vende: jogo, corpos jovens, bebida, sangue, loucura. Volta ao Haiti e se aterroriza com o rei negro, Henri Christophe. Outra revolução, mais carnificina. Nova república, novas misérias.
Ao final Ti Noel se torna formiga, vira ganso, descobre a perfeição em ser ganso. Mais importante, ao morrer lúcido, descobre a dignidade em ser Homem. O livro é maravilhoso e prazeroso.
Antes há uma introdução que não deve ser lida, deve ser rezada. Nela Carpentier fala do maravilhoso. Ex-surrealista, ataca a vulgarização da magia, o modo fácil como se invocam duendes e magos em livrecos de segunda. A coisa comercial e mecânica que se tornou o extra-mundo, o sonho, o além. Truques de palavras, truques de imagens, fórmulas vazias. A diminuição do imenso. A Europeização da América.
Para se ser Quixote, ele diz, é necessário crer no quixotismo; para se entender o maravilhoso é preciso ser maravilhoso e para se perceber o imenso, há de se ser grande. Para osafricanos um homem é um pássaro e portanto ele pode voar. Para os europeus antigos um homem era ser de magia e portanto tudo podia ser verdade.
Se hoje cremos apenas na ciência, tudo o que vemos é racional. O homem como fórmula quimica.
Mas a América é onde espanhois loucos viam Eldorados. Onde portugueses comiam indias e se perdiam nas Minas. Guerras que dizimaram civilizações inteiras ( coisa que nem Hitler conseguiu ) onde se matava para ver o sangue jorrar. Terras de feiticeiros e de homens-plantas. De florestas ainda secretas, de sexo e de morte em todo recanto, em toda bruma. Onde não chove, desaba um rio do céu. De terremotos que tudo destroem, de febres e de insetos semfim. América que insiste em ser irracional, ridicula, surpreendente e sempre igual. Do futuro que é inalcansável, da mais dura injustiça, de cachoeiras e de desertos de morte, onde a vida ainda acontece e é terrível.
Porque a Europa morreu. Porque o branco puro está morto. A Europa se matou ao negar sua herança mágica, sua irracionalidade. Ela se matou ao trancafiar seu inconsciente. Lá seca a vida, pois lá tudo é certo e correto. Seus tambores são apenas tambores e suas igrejas são apenas palácios. Magia de feira e poesias de rimas banais. Mataram-se todos os lobos e todos os ursos. A Europa morreu.
Mas a América ainda é burra. Aqui ainda se tenta e se erra. Ainda se crê e o que é sombra respira. Tanto para ser feito, tanto que não se conhece ( e que fique em sombras ). A América respira e geme e sangra. Homens viram cactus e mulheres viram peixes.
Ler Alejo é acreditar na vida.
Nascido em Cuba, filho de francês com russa, morou na Europa onde conheceu Lorca e se tornou surrealista. Mas retornou a América, e aqui apoiou a revolução de Fidel, se tornando um tipo de herói cubano. O REINO DESTE MUNDO é o primeiro livro que leio de Alejo. Volume magro, 130 páginas, mas que história!!!!! Para ele, é a América centro do planeta, lugar onde mundos se encontram, reino deste mundo e de todos os mundos, dimensão onde tudo é possível e tudo acontece, país da magia, absurdo de crueldade e de sangue, realidade que se observada com detalhismo se revela hiper onírica, simbólica, louca.
A novela é muito simples. O Haiti entre 1785/1820. Ti Noel é o nome do personagem central. Um escravo. Franceses que são donos de negros. Negros que fazem tambores de feitiçaria. Muito sexo e muito sangue. Europeus que são ridiculos em seu mundinho materialista e moralista. Seus padrecos e suas etiquetas. Negros que crêem em preto velho que virou inseto, virou pássaro, vive para sempre. A escravidão acaba e vem a revolução. Pretos estupram e matam todas as brancas. Degolam cães, esfolam cavalos. E criam uma república tão opressora quanta a da escravidão. A tragédia do Haiti, a tragédia da América. Ti Noel vai à Cuba. E em Cuba tudo é prostituição. Tudo se vende: jogo, corpos jovens, bebida, sangue, loucura. Volta ao Haiti e se aterroriza com o rei negro, Henri Christophe. Outra revolução, mais carnificina. Nova república, novas misérias.
Ao final Ti Noel se torna formiga, vira ganso, descobre a perfeição em ser ganso. Mais importante, ao morrer lúcido, descobre a dignidade em ser Homem. O livro é maravilhoso e prazeroso.
Antes há uma introdução que não deve ser lida, deve ser rezada. Nela Carpentier fala do maravilhoso. Ex-surrealista, ataca a vulgarização da magia, o modo fácil como se invocam duendes e magos em livrecos de segunda. A coisa comercial e mecânica que se tornou o extra-mundo, o sonho, o além. Truques de palavras, truques de imagens, fórmulas vazias. A diminuição do imenso. A Europeização da América.
Para se ser Quixote, ele diz, é necessário crer no quixotismo; para se entender o maravilhoso é preciso ser maravilhoso e para se perceber o imenso, há de se ser grande. Para osafricanos um homem é um pássaro e portanto ele pode voar. Para os europeus antigos um homem era ser de magia e portanto tudo podia ser verdade.
Se hoje cremos apenas na ciência, tudo o que vemos é racional. O homem como fórmula quimica.
Mas a América é onde espanhois loucos viam Eldorados. Onde portugueses comiam indias e se perdiam nas Minas. Guerras que dizimaram civilizações inteiras ( coisa que nem Hitler conseguiu ) onde se matava para ver o sangue jorrar. Terras de feiticeiros e de homens-plantas. De florestas ainda secretas, de sexo e de morte em todo recanto, em toda bruma. Onde não chove, desaba um rio do céu. De terremotos que tudo destroem, de febres e de insetos semfim. América que insiste em ser irracional, ridicula, surpreendente e sempre igual. Do futuro que é inalcansável, da mais dura injustiça, de cachoeiras e de desertos de morte, onde a vida ainda acontece e é terrível.
Porque a Europa morreu. Porque o branco puro está morto. A Europa se matou ao negar sua herança mágica, sua irracionalidade. Ela se matou ao trancafiar seu inconsciente. Lá seca a vida, pois lá tudo é certo e correto. Seus tambores são apenas tambores e suas igrejas são apenas palácios. Magia de feira e poesias de rimas banais. Mataram-se todos os lobos e todos os ursos. A Europa morreu.
Mas a América ainda é burra. Aqui ainda se tenta e se erra. Ainda se crê e o que é sombra respira. Tanto para ser feito, tanto que não se conhece ( e que fique em sombras ). A América respira e geme e sangra. Homens viram cactus e mulheres viram peixes.
Ler Alejo é acreditar na vida.
O SOLTEIRÃO ( SOLITARY MAN ), O MELHOR FILME DO ANO
Enquanto o povo hypado segue o fashion style de Fincher, Nolan e que tais, um monte de bons diretores, sem capas de magazines, sem lançamento hiper mudernu e sem favores de midia comprada, vai construindo carreira que no final das contas é o que dignifica o cinema americano.
Esse povo, que esperou ansiosamente por Alice, que chamou o filme tolo de Nolan de genial e que mal pode esperar pelo filme sobre o facebook, não pode e não deve perceber o quanto são dirigidos pelo pessoal de RP dos estúdios. Esse povo da Warner/ Universal e Sony, percebeu que existe um público imenso ávido por consumir a tal da arte. E como esse povo jamais viu arte verdadeira em cinema, fica muito fácil vender gato por lebre. Basta dizer a eles ( numa revista bem alternativa ) _ Hey! Isto é alternativo! Isto é genial!!!!
E eles tornam-se incapazes de procurar por si-mesmos o que tem valor. Só vale o que causa fru fru. Nesse mundo de bosta, gente que faz filmes simples e verdadeiros passa como fantasma. Não existe. Veja este maravilhoso filme....
Michael Douglas ( o melhor ator americano em atividade hoje ) anda por avenida. Logo após ir ao médico e descobrir que tem um problema no coração. Não, não é filme sobre doença. Ele ignora o aviso e anda, todo de preto, confiante. Toca Solitary Man, de Neil Diamond ( outro gênio pop mal valorizado ), na voz de Johnny Cash. Com essa cena inicial se define todo o filme, ele é um maverick, ele está solitário por ser, em mundo de homens castrados, um garanhão ativo. E em ambiente que é todo contra ele, sua sina é a derrota.
Toda mulher lhe interessa. E quanto mais jovem, melhor. Ex-casado, avô, ele insiste em ser atraente, em ditar suas regras, em viver. Sua filha, claro, casada com compreensivo psicólogo, lhe dá um belo conselho: vá fazer terapia e se reequilibrar. Quando ouvimos isso, nós, homens com mais de 40, sentimos o coração se esfacelar. E as bolas encolherem. Mas o nosso herói (sim, ele é um herói ) não desiste. Ele traça a enteada, faz amizade com nerd que é exemplo do homem do futuro, e vê tudo se voltar contra ele. Ninguém pode aceitá-lo mais. Porque ele insiste em não ser castrado. Ele não respeita as mulheres "enquanto seres humanos iguais".
O filme, muito bem escrito, termina com conclusão nenhuma. Não sabemos se ele aceitará socorro, ou se correrá atrás de mais uma jovem disponível. O filme lembra muito aqueles maravilhosos filmes americanos de 1969/1975. Ele é de verdade, é íntegro, é profundamente humano, e principalmente: jamais engana. Nada é feito para agradar. Nada é forçado para impressionar.
Michael Douglas atinge o nível das atuações históricas. Tudo nele é sutil. Consegue unir extrema fragilidade com um devastador orgulho. É um cavalo de pata quebrada, um falcão cativo. Símbolo de masculinidade, passa todo o filme tentando preservar seu direito de ser livre ( não à toa foi Douglas quem produziu em 1975 Um Estranho no Ninho para Forman. Seus temas são os mesmos ).
Ele existe para caçar. Caçar emoções. Vencer, seduzir, correr. Ele quer morrer livre de receitas, de medos, de dietas. O diálogo final, com Susan Sarandon, é cortante como faca. Tudo se explica e nada fica resolvido. Só nos resta invejá-lo e chorar por ele. Se voce gosta de bom cinema, eis seu filme. Se voce vai atrás de filmes "geniais", fuja dele.
Michael Douglas fez os dois papéis que mais me impressionaram nos últimos anos, um professor em crise e agora este macho em extinção. O cara está me expondo na tela. Que bom!
Solitary Man me dá esperança de que o cinema ainda possa sobreviver por alguns anos mais. Os diretores Brian Koppelman e David Levien prometem muito e o produtor é Steve Soderbergh. Os dois diretores se juntam a Alexander Payne, Joe Wright, Curtis Hanson, Jean-Marc Valée e Todd Haynes como talentos afinados com o melhor do cinema. Contam muito sem esfregar nada na cara da platéia. Têm dom natural. São mavericks. Este filme é absolutamente obrigatório.
Esse povo, que esperou ansiosamente por Alice, que chamou o filme tolo de Nolan de genial e que mal pode esperar pelo filme sobre o facebook, não pode e não deve perceber o quanto são dirigidos pelo pessoal de RP dos estúdios. Esse povo da Warner/ Universal e Sony, percebeu que existe um público imenso ávido por consumir a tal da arte. E como esse povo jamais viu arte verdadeira em cinema, fica muito fácil vender gato por lebre. Basta dizer a eles ( numa revista bem alternativa ) _ Hey! Isto é alternativo! Isto é genial!!!!
E eles tornam-se incapazes de procurar por si-mesmos o que tem valor. Só vale o que causa fru fru. Nesse mundo de bosta, gente que faz filmes simples e verdadeiros passa como fantasma. Não existe. Veja este maravilhoso filme....
Michael Douglas ( o melhor ator americano em atividade hoje ) anda por avenida. Logo após ir ao médico e descobrir que tem um problema no coração. Não, não é filme sobre doença. Ele ignora o aviso e anda, todo de preto, confiante. Toca Solitary Man, de Neil Diamond ( outro gênio pop mal valorizado ), na voz de Johnny Cash. Com essa cena inicial se define todo o filme, ele é um maverick, ele está solitário por ser, em mundo de homens castrados, um garanhão ativo. E em ambiente que é todo contra ele, sua sina é a derrota.
Toda mulher lhe interessa. E quanto mais jovem, melhor. Ex-casado, avô, ele insiste em ser atraente, em ditar suas regras, em viver. Sua filha, claro, casada com compreensivo psicólogo, lhe dá um belo conselho: vá fazer terapia e se reequilibrar. Quando ouvimos isso, nós, homens com mais de 40, sentimos o coração se esfacelar. E as bolas encolherem. Mas o nosso herói (sim, ele é um herói ) não desiste. Ele traça a enteada, faz amizade com nerd que é exemplo do homem do futuro, e vê tudo se voltar contra ele. Ninguém pode aceitá-lo mais. Porque ele insiste em não ser castrado. Ele não respeita as mulheres "enquanto seres humanos iguais".
O filme, muito bem escrito, termina com conclusão nenhuma. Não sabemos se ele aceitará socorro, ou se correrá atrás de mais uma jovem disponível. O filme lembra muito aqueles maravilhosos filmes americanos de 1969/1975. Ele é de verdade, é íntegro, é profundamente humano, e principalmente: jamais engana. Nada é feito para agradar. Nada é forçado para impressionar.
Michael Douglas atinge o nível das atuações históricas. Tudo nele é sutil. Consegue unir extrema fragilidade com um devastador orgulho. É um cavalo de pata quebrada, um falcão cativo. Símbolo de masculinidade, passa todo o filme tentando preservar seu direito de ser livre ( não à toa foi Douglas quem produziu em 1975 Um Estranho no Ninho para Forman. Seus temas são os mesmos ).
Ele existe para caçar. Caçar emoções. Vencer, seduzir, correr. Ele quer morrer livre de receitas, de medos, de dietas. O diálogo final, com Susan Sarandon, é cortante como faca. Tudo se explica e nada fica resolvido. Só nos resta invejá-lo e chorar por ele. Se voce gosta de bom cinema, eis seu filme. Se voce vai atrás de filmes "geniais", fuja dele.
Michael Douglas fez os dois papéis que mais me impressionaram nos últimos anos, um professor em crise e agora este macho em extinção. O cara está me expondo na tela. Que bom!
Solitary Man me dá esperança de que o cinema ainda possa sobreviver por alguns anos mais. Os diretores Brian Koppelman e David Levien prometem muito e o produtor é Steve Soderbergh. Os dois diretores se juntam a Alexander Payne, Joe Wright, Curtis Hanson, Jean-Marc Valée e Todd Haynes como talentos afinados com o melhor do cinema. Contam muito sem esfregar nada na cara da platéia. Têm dom natural. São mavericks. Este filme é absolutamente obrigatório.
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